Loss of Heat (1994, 20 Min.) ist eine anregende Darstellung der queeren Liebe, die vorgefasste Meinungen über die „Realität“ eines Lebens mit der unsichtbaren Behinderung Epilepsie in Frage stellt. Es handelt sich um eine poetische, eindringliche Interpretation, die das Zusammenspiel von Emotionen und Körperlichkeit über die Grenzen von Sexualität, Abhängigkeit und Begehren hinweg erforscht.

Loss of Heat wird im Rahmen von The Work We Share gezeigt, einem Filmprogramm mit zehn neu digitalisierten Filmen aus der Cinenova-Sammlung. Die Filme, die zwischen 1972 und 1994 produziert wurden, behandeln oppositionelle Geschichten und Fragen der Differenz durch die Brille von Geschlecht, Rasse, Sexualität, Gesundheit und Gemeinschaft.

The Work We Share versammelt eine Reihe von Filmen, die zuvor unter prekären Bedingungen existierten, da in einigen Fällen die Negative verloren gegangen sind oder die einzige Kopie die Verleihfilmkopie ist. Mit diesem Programm soll die gegenseitige Abhängigkeit von Cinenova anerkannt werden: von der Organisation zu den Filmemacher*innen, Kulturschaffenden, Gemeinschaften und Einzelpersonen. Wie können wir unsere wechselseitigen Beziehungen anerkennen? Wie können wir unseren Platz in einem Netzwerk von Kommunikation, Beziehungen und Ressourcen erkennen, insbesondere als eine nicht finanzierte ehrenamtliche Organisation? Auf welche verschiedenen Arten von Arbeit stützt sich unsere Arbeit? Wie können wir diese Arbeit gegenseitig unterstützen?

Cinenova ist eine von Freiwilligen geführte Wohltätigkeitsorganisation, die das Werk feministischer Film- und Videomacher*innen bewahrt und verbreitet. Sie wurde 1991 aus dem Zusammenschluss zweier feministischer Film- und Videoverleihe, Circles und Cinema of Women, gegründet, die beide 1979 entstanden sind. Cinenova vertreibt derzeit über 300 Titel, darunter künstlerische Bewegtbilder, Experimentalfilme, narrative Spielfilme, Dokumentarfilme und Lehrvideos, die von den 1910er bis zu den frühen 2000er Jahren entstanden sind.

Noski Deville (Vereinigtes Königreich) ist eine Filmemacherin und Filmkünstlerin, die in den Bereichen Film, Musik und Ton arbeitet. Als Workshop-Koordinatorin bei der London Filmmakers Co-Op in den 1980er Jahren entwickelte sie ihre Fähigkeiten auf dem JK Optical Printer. Deville verfügt über mehr als 25 Jahre Erfahrung als Filmemacherin, die durch ihre preisgekrönte Arbeit mit international anerkannten Künstlern wie Isaac Julien, Steve McQueen, Alia Syed, Daria Martin und Jananne Al-Ani bekannt ist. Im Jahr 2015 wurde sie mit dem Jules Wright Prize für ihre kinematografischen Arbeiten im Bereich der bildenden Kunst ausgezeichnet. Deville ist eine in der Branche anerkannte Kamerafrau und Mitglied der Guild of British Camera Technicians. Sie ist auch eine engagierte Filmpädagogin, die die Abteilung für Kinematografie an der UCA, Farnham Film School, geleitet hat.

Now Pretend (1991, 10 Min.) ist eine experimentelle Untersuchung über die Verwendung von Rasse als willkürliches Zeichen. Der Film stützt sich auf Sprache, persönliche Erinnerungen und John Howard Griffins Text Black Like Me von 1959 und befasst sich mit Lacans Theorie des „Spiegelstadiums“ der Selbstwahrnehmung und der Bewegung vom Objekt zum Subjekt.

Now Pretend wird im Rahmen von The Work We Share gezeigt, einem Filmprogramm mit zehn neu digitalisierten Filmen aus der Cinenova-Sammlung. Die Filme, die zwischen 1972 und 1994 produziert wurden, behandeln oppositionelle Geschichten und Fragen der Differenz durch die Brille von Geschlecht, Rasse, Sexualität, Gesundheit und Gemeinschaft.

The Work We Share versammelt eine Reihe von Filmen, die zuvor unter prekären Bedingungen existierten, da in einigen Fällen die Negative verloren gegangen sind oder die einzige Kopie die Verleihfilmkopie ist. Mit diesem Programm soll die gegenseitige Abhängigkeit von Cinenova anerkannt werden: von der Organisation zu den Filmemacher*innen, Kulturschaffenden, Gemeinschaften und Einzelpersonen. Wie können wir unsere wechselseitigen Beziehungen anerkennen? Wie können wir unseren Platz in einem Netzwerk von Kommunikation, Beziehungen und Ressourcen erkennen, insbesondere als eine nicht finanzierte ehrenamtliche Organisation? Auf welche verschiedenen Arten von Arbeit stützt sich unsere Arbeit? Wie können wir diese Arbeit gegenseitig unterstützen?

Cinenova ist eine von Freiwilligen geführte Wohltätigkeitsorganisation, die das Werk feministischer Film- und Videomacher*innen bewahrt und verbreitet. Sie wurde 1991 aus dem Zusammenschluss zweier feministischer Film- und Videoverleihe, Circles und Cinema of Women, gegründet, die beide 1979 entstanden sind. Cinenova vertreibt derzeit über 300 Titel, darunter künstlerische Bewegtbilder, Experimentalfilme, narrative Spielfilme, Dokumentarfilme und Lehrvideos, die von den 1910er bis zu den frühen 2000er Jahren entstanden sind.

L. Franklin Gilliam (geb. 1967, Vereinigte Staaten) ist der Ansicht, dass in einer kaputten Welt die Vision und Kreativität von Künstler*innen für einen Systemwandel entscheidend sind. Gilliams kreative Praxis ist forschungsbasiert und multidisziplinär. Sie hat die Form von Film/Videokunst, Installationen, Spielen und illustrierten Vorträgen angenommen. Gilliams Projekte untersuchen das Zusammenspiel zwischen veralteten Technologieformaten und der fehlerhaften Übertragung von historischem Wissen und Verschiedenheit. Ihre Projekte wurden auf der Whitney Biennale 1997 (New York), im New Museum (New York), bei den Kurzfilmtagen Oberhausen und im Institute for Contemporary Art (London) gezeigt und sind in Anäis Duplans Buch BLACKSPACE: On the Poetics of an Afrofuture (2020) zu sehen. Sie unterrichteten an der School of the Art Institute of Chicago, der University of Wisconsin-Milwaukee und dem Vermont College of Fine Arts und hatten verschiedene Positionen am Bard College bekleidet, darunter die des Direktors des Integrated Arts Program. Im Jahr 2022 waren sie Artist-in-Residence am Centre for Afrofuturist Studies in Iowa.

Wenn Grün elementar, irdisch, grundlegend erdverbunden ist—die scharfe Klinge der Palme, der weiche Chor des Grases, die Überfülle—, dann ist es auch durch und durch modern. Greenscreen, Chroma Key, grün wie ein Geist. Neon, Plakatwand, blutendes Licht. Welches Grün hat sie gesehen?

Colorless Green Freedoms Sleep Furiously (2023) ist ein neu in Auftrag gegebener Videoessay und eine Installation des bosnisch-niederländischen Künstlers Miloš Trakilović, der Sichtbarkeit und Freiheit im digitalen Zeitalter durch die Brille seiner Familiengeschichte erforscht. Das Werk basiert auf dem Bericht seiner Mutter Milijana Mendeš, die die Gräueltaten des Bosnienkriegs überlebte und 1995 mit ihren beiden Kindern in die Niederlande floh. Im Jahr 2018 führte Trakilović ein ausführliches Interview mit ihr über ihre Erfahrungen aus dem Bosnienkrieg. In diesem Gespräch erinnert sie sich lebhaft an einige ihrer ersten Momente außerhalb des Kriegsgebiets: “Als ich als Flüchtling in den Niederlanden ankam, saß ich als Erstes stundenlang in einem Park. Ich konnte nicht aufhören, das Gras anzustarren. Es war so üppig und grün. Ich habe schon oft in meinem Leben Gras gesehen, aber noch nie so hell. Ich weiß noch, wie ich da saß und dachte: Dieses Gras hier ist so grün, es ist frei, und in diesem Moment fühlte ich mich auch frei. Ich fühlte mich von meiner Vergangenheit befreit.”

Achtundzwanzig Jahre nach ihrer Ankunft verkörpert Colorless Green Freedoms Sleep Furiously Trakilovićs spekulatives Bestreben, seine Mutter noch einmal denselben Grünton sehen zu lassen. Trakilović verschränkt ihre tief empfundene Dreiecksbeziehung zwischen Grün, Gras und Freiheit mit der verschlüsselten und simulativen Natur digitaler Technologien, in denen Grün eine unabdingbare Rolle spielt, wie z. B. dem Greenscreen oder Chroma Key und computergenerierten Bildern. Gedreht in den Niederlanden und Bosnien und Herzegowina und zwischen simulierten und „echten“ Landschaften oszillierend, entfaltet sich Colorless Green Freedoms Sleep Furiously als eine neugierige und poetische Traumsequenz, die die hegemoniale Rolle von Vision und Wahrheit in den Erzählungen des Krieges und der visuellen Kultur im Allgemeinen in Frage stellt. Hier beschwört Trakilović die unsichtbaren, unerbittlichen, spektralen Kräfte, die die Erfahrung und Erinnerung an den Krieg und seine Folgen ausmachen.

Colorless Green Freedoms Sleep Furiously wird zusammen mit All But War Is Simulation (2020) präsentiert, einer Zweikanal-Videoinstallation, die sich mit Darstellungen von Gewalt und der Visualisierung und Mediatisierung von Kriegsführung im Zeitalter der digitalen Expansion beschäftigt. Sie verbindet historische Aufzeichnungen mit Spekulationen und Theorien und geht von einem Artefakt aus dem Bosnienkrieg aus: dem Post-It-Zettel eines zukünftigen Flüchtlings, auf dem eine Liste von Gegenständen aufgeführt ist, die vor der Vertreibung der Familie mitgenommen werden sollen. Alle Gegenstände haben in irgendeiner Weise mit der Bewahrung der Erinnerung zu tun— sie verdeutlichen sowohl die Sehnsucht nach einer idealen Vergangenheit als auch die Begrenztheit auf die alltäglichen Erfahrungen des Krieges, in dem das Überleben zur Routine wird und das eigene Leben auf ein paar einfache Gegenstände reduziert wird. Die gelbe Notiz ist weder ein Bild noch ein Gedicht, sondern spricht die vielfältigen Dimensionen des Verlusts an, die mit der Erfahrung von Krieg und Vertreibung verbunden sind.

Colorless Green Freedoms Sleep Furiously wird von einer gleichnamigen Publikation mit Beiträgen von Edwin Nasr, Jelena Petrović und Miloš Trakilović begleitet. Sie wird von Tom Engels herausgegeben und von Julie Peeters gestaltet.

The Work We Share, ein Filmprogramm mit zehn neu digitalisierten Filmen aus der Cinenova-Sammlung, wird in Verbindung mit der Ausstellung im Laufe von zehn Wochen gezeigt. Das Programm umfasst Filme von S. Pearl Sharp, Pratibha Parmar, L. Franklin Gilliam, Laleen Jayamanne, Noski Deville, Jacqui Duckworth, Sheffield Film Co-op, Sistren Theatre Collective, Adriana Monti, sowie Esther Ronay, Mary Kelly, Mary Capps, Humphrey Trevelyan, Margaret Dickinson, Brigid Segrave und Susan Shapiro. Die zwischen 1972 und 1994 produzierten Filme befassen sich mit oppositionellen Geschichten und Fragen der Differenz durch die Brille von Geschlecht, Rasse, Sexualität, Gesundheit und Gemeinschaft.

Miloš Trakilović (geb. 1989, SFR Jugoslawien, jetzt Bosnien und Herzegowina) ist ein in Amsterdam und Berlin lebender Künstler. Zu seinen jüngsten Ausstellungen gehören All But War Is Simulation, Kunstfort bij Vijfhuizen (2021), und Callie’s in Zusammenarbeit mit FRAGILE, Berlin (2020); Things we sense about each other, Badischer Kunstverein, Karlsruhe (2021); ISKRA DELTA: MGLC 34th Ljubljana Biennale of Graphic Arts (2021); Perception of Contemporaneity, Danube Dialogues, Novi Sad (2019); Farocki Now: A Temporary Academy, Harun Farocki Institut, Berlin (2017); und The Clouds is Where We Want To Be, Künstlerhaus Bethanien, Berlin (2017), und andere. MISSION ACCOMPLISHED: BELANCIEGE (2019), eine Videoinstallation, die in Zusammenarbeit mit Hito Steyerl und Giorgi Gago Gagoshidze entwickelt wurde, wurde in der Trafó Galerie, Budapest (2023) und im MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art), Seoul (2022), auf der MUNCH Triennale, Oslo (2022), im Stedelijk Museum, Amsterdam (2022), Centre Pompidou, Paris (2021), K21 Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf (2020), Kunsthalle Wien, Wien (2020), und Neuer Berliner Kunstverein, Berlin (2019) gezeigt. Colorless Green Freedoms Sleep Furiously ist seine erste institutionelle Einzelpräsentation in Österreich.

Colorless Green Freedoms Sleep Furiously ist eine Auftragsarbeit des Grazer Kunstvereins und wurde mit großzügiger Unterstützung des Mondriaan Fund, der Dommering Foundation und der Rijksakademie van Beeldende Kunsten realisiert. Die Ausstellung wird unterstützt von ifa – Institut für Auslandsbeziehungen und Stichting Stokroos.

BILL ist ein „Magazin ohne Worte“, das von der Grafikerin des Grazer Kunstvereins, Julie Peeters, konzipiert und herausgegeben wird. Jedes Jahr veröffentlicht BILL eine Ausgabe, die die Logik des Bildes nutzt, um fotografische Geschichten und Archivmaterial von Künstler*innen, Architekt*innen, Fotograf*innen, Modedesigner*innen und Grafikdesigner*innen zu sammeln, darunter Martin Margiela, Hans Hollein, Rosalind Nashashibi, Jason Dodge, Linda Van Deursen und Jochen Lempert. Im Rahmen des Eröffnungswochenendes von sekretas von Marija Olšauskaitė feiert BILL den Start seiner 4. Ausgabe. Die Präsentation von BILL 4 wird von der Herausgabe einer neu konzipierten Zeitung in limitierter Auflage begleitet.

Benedikt Reichenbach in Camera Austria über BILL: „Im Sinne von Empowerment, wo Identität typischerweise nur in Bezug auf eine dominante Struktur gebildet wird, scheint der Blick auf BILL einen näher zu sich selbst zu bringen, ohne es jemals statisch zu lassen, was das ist. […] Indem man sich mitten in den Inhalt hineinversetzt, der zu keinem Zeitpunkt etwas zu beweisen hat, wird man aufgefordert, seinen eigenen Standpunkt zu dem, was man sieht, zu artikulieren. Und wenn Peeters lediglich auf die ornithologische Bedeutung von Name und Logo verweist, könnte dies das Wesen von BILL zum Ausdruck bringen: die Weigerung, zu sprechen oder die Dinge zu lösen.“

Julie Peeters (geb. 1983, Belgien) ist Designerin und Redakteurin und lebt in Brüssel. Seit 2022 ist sie für die grafische Identität des Grazer Kunstvereins in Zusammenarbeit mit Sophie Rentien Lando (digital) und Chiachi Chao (Schrift) verantwortlich. Sie ist Gründerin und kreative Herausgeberin von BILL, einem jährlichen Magazin mit Fotogeschichten und einem Verlagsprojekt, das sich auf das gedruckte Bild konzentriert.

Im Rahmen des Eröffnungsabends von sekretas leitet Antanas Lučiūnas / Ragemore das Eröffnungswochenende mit einer Listening Session ein. Lučiūnas, ein langjähriger Freund und Mitarbeiter von Olšauskaitė, schafft eine klangliche Umgebung, in der Sampling, Feldaufnahmen und eigene Kompositionen die Bühne für eine sinnliche Enträtselung der Ausstellung bilden.

Antanas Lučiūnas / Ragemore (geb. 1997, Litauen) ist ein*e in Vilnius lebende bildende Künstler*in und Musiker*in. Ihre Arbeit kombiniert Performance, Schreiben und Skulptur mit einer starken Betonung auf Zusammenarbeit. Intimität, Subkultur und Begehrenssystemen sind die Schwerpunkte ihrer Arbeit. Lučiūnas‘ Arbeit entfaltet sich durch die Manierismen populärer Musik und clubähnlicher Situationen, oft ergänzt durch eine lockere Choreografie und durchdrungen von Referenzen über Körperkultur. 

Die Londoner Musikproduzentin Lauren Duffus ist Teil der Eröffnungsnacht von sekretas und begeistert mit tanzbaren Rhythmen, vielschichtigen Atmosphären und betörenden Vocal-Samples. Duffus‘ natürliches Gespür für emotionalen Ausdruck hat sie schnell zu einer fesselnden Bereicherung der experimentellen Londoner Elektronik-Szene gemacht. Ihre einzigartigen abgehackten und gestreckten, hyper-choralen Skizzen, die gleichzeitig verspielt und zärtlich sind, artikulieren in den schrägen Vocals, dem Dub-Pop-Rhythmus und dem Ambient etwas Herzhaftes und Filmisches. Duffus‘ Debüt-EP Sulk wurde 2021 auf dem Label Body Motion veröffentlicht.

Annie Parker über Lauren Duffus‘ Musik: „Wenn man sich ihre Produktionen anhört, wird klar, dass die Unheimlichkeit dieser Inspirationen genau auf der Höhe der Zeit ist. Spürbar sind die Bad-Dream-Atmosphäre, die chopped ’n‘ screwed Beats und die respektlosen Töne, die das Witch-House-Genre (grau) malen, ebenso wie die cineastischen Drill-Instrumentals, für die der Chicagoer Rapper Chief Keef steht. Doch weit entfernt von der kodeinhaltigen Qualität der Quasi-Noise-Produktionen von Salem wird der Antagonismus in Duffus‘ Musik oft mit fröhlichem Schimmern, manchmal sogar mit Chorgesang besänftigt. Ihre Musik neigt gleichermaßen zu ätzender Empörung und Momenten der Zärtlichkeit und rechtfertigt frühere Vergleiche mit Künstlern wie aya und Loraine James, die sich beide auf ihre Verschmelzung von prismatischen Club-Beats und sanfter Melodik beziehen.“

Excuse My Dust ist ein Musikprogramm, das von der Pianistin Han-Gyeol Lie ausgewählt und aufgeführt wird. Als Antwort auf die Ausstellung von Marija Olšauskaitė, sekretas, spannt Lie den Bogen vom französischen Barock bis zum späten 20. Jahrhundert, von Jean-Philippe Rameau bis Gérard Pesson. Die Stücke sind nach Ähnlichkeiten und Affinitäten in der Tonalität und nicht nach geografischen oder zeitlichen Kriterien zusammengestellt und nach der Tonart geordnet, in der sie aufgeführt werden. Im Laufe des Konzerts kommt es zu leichten Tonartwechseln. Verwandte, aber unterschiedliche Tonarten verstecken sich ineinander, parallele Tonalitäten reiben sich an Gegenparallelen und halten die Stücke in freundschaftlichem Einvernehmen zusammen. Das Programm wird auf einem ungestimmten Grotrian-Steinweg-Flügel aus dem Jahre 1927 gespielt.

Gérard Pesson, Excuse my Dust, 1999-2008
Ludwig van Beethoven, Bagatelle in C major op. 33.5, 1803-1804
Frédéric Chopin, Prélude in C major op. 28.1, Prélude in a minor op. 28.2, 1836-1839
Jean Philippe Rameau, Allemande, from Suite in a minor, 1727
Johann Sebastian Bach, Prélude, from English Suite No.1 in A major, 1715
Franz Schubert, II. Andantino in fis moll from Sonata in A-dur D 959, 1828
Ryūichi Sakamoto, Germination, 1983
Elena Narbutaitė, blue diamond, 2019
John Cage, Dream, 1948
Gérard Pesson, La Lumière n’a pas de bras pour nous porter, 1994/1995

Mit Unterstützung des Klavierhauses Streif, Graz.

Han-Gyeol Lie (geb. 1982, Deutschland) ist eine in Wien lebende Pianistin. Ihr Repertoire konzentriert sich auf den französischen Barock und die späten Klavierwerke von Franz Schubert und Frédéric Chopin. Mit der Philosophin Gabriele Geml ist sie Gründerin und Leiterin von .akut – Verein für Ästhetik und angewandte Kulturtheorie. Sie kuratierte Konzerte für das Österreichische Filmmuseum, die Gemäldegalerie der Akademie der bildenden Künste Wien, Wien Modern, das Tanzquartier Wien und dasWiener Volksliedwerk. Als Gastdozentin hält sie Vorlesungen über Musik und Kunst an der Litauischen Akademie für Musik und Theater in Vilnius und am Sandberg Institute – Department of Fine Arts in Amsterdam, beeinflusst durch die ästhetischen Theorien von Theodor W. Adorno. Derzeit arbeitet sie in verschiedenen Konstellationen eng mit der Tänzerin und Choreografin Alix Eynaudi und dem Klangkünstler Paul Kotal zusammen.

Anlässlich des Eröffnungswochenendes von sekretas antwortet digestivo auf die Ausstellung und ihre Mitwirkenden mit dem Geschmack. Während digestivo zeitweise als Gastgeber für die Arbeiten anderer Künstler fungiert, spielt es vor allem in und um die Küche herum eine Rolle, indem es Essen bereitstellt und einen Raum für Begegnungen schafft. Beim Nachdenken über die Möglichkeitendes Gastgebens, wollen sie den Umfang von Substanzen erforschen, die sich rund um das Sammeln, Fermentieren oder Konservieren entwickeln: Sie bewahren Reste und bringensie in eine zukünftige Perspektive des Teilens ein. Während des gesamten Nachmittags wird digestivo essbare Angebote servieren, die der Logik von sekretas, seinen Materialien und seinen Rätseln folgen.  

digestivo ist eine kollaborative Initiative, die 2019 von den Künstlern Lucía Bayón und Lukas Meßner als wandernder Projektraum in Rotterdam gegründet wurde. Zu den vergangenen Veranstaltungen gehören: Tempest Gourmand mit Pedro Herrero Ferrán im Haus Wien, Wien (2020); A voice can only break a glass that already has a crack in it mit Hrefna Hörn Leifsdóttir, Rotterdam (2020); Colofonia líquida y saliva mit María Nolla Mateos, Rotterdam (2019); und Moodring II, Rotterdam (2019).

Lucía Bayón (geb. 1994, Spanien) konzentriert sich in ihrer Praxis auf Skulptur und Schreiben. Sie lebt in Madrid.

Lukas Meßner (geb. 1989, Italien) ist ein Künstler, der mit Skulptur, Text und Bildern arbeitet. Er lebt in Wien.

Der Kurator und Schriftsteller Raimundas Malašauskas wird sich in Bewegung und Sprache mit sekretas beschäftigen, einem besonderen litauischen Begriff, der sowohl Geheimnis als auch Sekretär bedeutet, ein veraltetes Möbelstück, das zum Lesen, Schreiben und Aufbewahren von Papier dient. sekretas ist auch der Titel der Ausstellung von Marija Olšauskaitė und der Name eines beliebten Spiels, das von Jugendlichen in Litauen gespielt wurde. Bei diesem Spiel betraten die Kinder einen Hof oder einen Garten und legten kleine Gegenstände unter eine Glasscheibe: Blumenblätter, Bilder, einen Zettel, goldene Flaschenverschlüsse, Muscheln und andere Elemente wurden zu einem materiellen Ausdruck der Freundschaft zusammengestellt. Insgesamt wird Malašauskas in die Komplexität des Wortes eintauchen, in die vielfältigen Bedeutungen, die es in sich birgt, und in die vielen Geschichten, die es hervorruft.

Raimundas Malašauskas (geb. 1973, Litauen) hat ein Opernlibretto mitgeschrieben (Cellar Door von Loris Greaud, Palais de Tokyo, 2008), eine Fernsehsendung koproduziert (CAC TV, Vilnius, 2004 – 2006), war als Agent für die dOCUMENTA (13) tätig, veröffentlichte Paper Exhibition, das Buch seiner ausgewählten Schriften (Sternberg Press, 2012), ko-kuratierte die 9. Baltische Triennale für Internationale Kunst (Vilnius, 2005), die 9. Mercosul Biennale, Porto Alegre, (2013), die 9. Liverpool Biennale (2017) und stellte seine Kinderbilder in einer choreografischen Komposition von Alix Eynaudi aus (2019). Seine jüngsten Projekte sind trust & confusion, eine achtmonatige Live-Kunstausstellung im Tai Kwun Contemporary, Hongkong (2021), 914, der russische Pavillon auf der 59. Biennale von Venedig (geschlossen) und Mars Returns, ein 14-stündiges Event in der Mykolas Žilinskas Gallery, Kaunas (2022).

sekretas (litauisch für Geheimnis) ist eine Ausstellung von Marija Olšauskaitė, die sich mit ihrer langjährigen Affinität zum Glanz von Glas beschäftigt. Sie konzentriert sich auf eine besondere Facette ihrer Arbeit, die auf die Art und Weise aufmerksam macht, wie sich die bildhauerische Praxis und das Soziale ineinander verschränken.

sekretas vereint schwebende Oberflächen zum Durchschauen, ruhende Gefäße zum Halten, farbenfrohe Bänke zum Tragen, einen gläsernen Teich, mundgeblasenes Geschirr, Reproduktionen von Blumen, soweit es die Logik des Glases zulässt, in Notizbüchern notierte Worte, in Usbekistan gepflückte Pflanzen und die Gesellschaft von Freund*innen und Vertrauten, die es zu erhalten gilt.

sekretas hat seinen Namen von einer städtischen Freizeitbeschäftigung, die von Jugendlichen in Litauen und vielen anderen Ländern der ehemaligen Sowjetunion praktiziert wurde. Die Kinder begaben sich voller Freude in einen Innenhof und legten kleine Gegenstände unter eine Scheibe oder eine gefundene Glasscherbe: Blumenblätter, goldene Flaschendeckel, Muscheln, schönen Plunder und andere eigenwillige Elemente, die zu stofflichen Ausdrucksformen der Freundschaft geordnet und zusammengesetzt wurden. Das Glas wird dann mit Erde oder Staub bedeckt, so wie ein sekretas aus dem Blickfeld verschwindet. Ein glücklicher Passant oder ein aufmerksamer Freund könnte dann diese Geheimnisse finden, diese winzigen Kompositionen aus alltäglichen, scheinbar unsinnigen Elementen, die für diejenigen, die sie kennen, die größte Bedeutung haben.

sekretas blickt auf die Verbindungsstelle, in der sich Skulptur, Komposition und das Knüpfen sozialer Bande gegenseitig befruchten. Hier nimmt das Glas eine besondere Rolle ein. Es umrahmt und schützt Komposition und Freundschaft, sowohl konkret als auch symbolisch, während es gleichzeitig ihre Fragilität und ihre mögliche Zersplitterung vorwegnimmt.

sekretas präsentiert Werke, die von einer skurrilen und glatten Haltung gegenüber der Festigkeit der Skulptur durchdrungen sind. Sie schwanken zwischen den Traditionen des Handwerks und des Ornaments, der sozialen Rolle der Skulptur und der Art und Weise, wie Objekte das tägliche Leben und die Bräuche befüllen. Gleichzeitig finden sich in Olšauskaitės Werken auch die Eigenheiten einer kryptischen Abstraktion und einer rätselhaften Komposition. In ihrem Werk klingt die Tradition der Buntglasherstellung durch, die im Nachkriegs-Litauen blühte und damals häufig in öffentlichen Skulpturen und staatlichen Aufträgen zu sehen war. Die in diesen Glaswerkstätten verbliebenen Kunsthandwerker, die Olšauskaitė immer wieder besucht, verkörpern und vermitteln diese Kunstfertigkeit, die sie ihrerseits umwandelt und umformt.

sekretas wird durch das Auftauchen und Verschwinden von Werken von Künstlerkolleg*innen, Freund*innen und Gästen unterbrochen. Unangekündigt werden diese während der Ausstellung in Erscheinung treten.

sekretas wird von einem umfangreichen öffentlichen Programm begleitet, das sich während des gesamten Eröffnungswochenendes entfaltet. Zwischen akustischen Beiträgen, einer Lecture Performance, Publikationen und essbaren Angeboten wird sekretas von Lauren Duffus, Antanas Lučiūnas / Ragemore, digestivo (Lucía Bayón und Lukas Meßner), Raimundas Malašauskas, BILL (Julie Peeters) und Han-Gyeol Lie aktiviert.

sekretas wird auch von secrets begleitet, einer Publikation, die Worte, Pflanzen und Glasbeiträge von Elena Narbutaitė, Marija Olšauskaitė, Maria Tsoy, Aleksandra Krivulina und Tom Engels versammelt und von Julie Peeters gestaltet wird.

Marija Olšauskaitė (geb. 1989, Litauen) lebt und arbeitet in Vilnius. Zu ihren Einzelausstellungen gehören Song Sing Soil (mit Eglė Budvytytė), Vleeshal, Middelburg (2023); I Want to Stuff My Heart with Moss, Editorial, Vilnius (2022); Witness on our behalf, Contemporary Art Centre, Vilnius (2019) und Marija & Petras Olšauskai: Miss Bird, Art in General, New York City (2014), um nur einige zu nennen. Olšauskaitė nahm an internationalen Gruppenausstellungen teil, darunter The Milk of Dreams, 59th International Art Exhibition of La Biennale di Venezia (2022); and suddenly it all blossoms, RIBOCA2, Riga International Biennial of Contemporary Art (2020); Homegrown, Hauser & Wirth, online (2020); I walk the night, PM8/Francisco Salas, Vigo (2019); Joy and Mirror. Port city, Fourtoseven gallery, Riga (2016); und Karaoke Police, Kunstverein, Amsterdam (2015), Nomas, Rom (2014), Contemporary Art Centre, Vilnius (2013), unter anderem.

sekretas wird mit Unterstützung der Botschaft der Republik Litauen in der Republik Österreich und dem Honorarkonsulat von Litauen in Graz realisiert.