The Weight of the Tongue ist ein Klangprogramm, das im Rahmen von The Weight of the Concrete von Ezio Gribaudo präsentiert wird. Es erforscht die Vokalisierung von experimenteller und konkreter Poesie. Das Programm versammelt die Stimmen von Katalin Ladik, Tomaso Binga, CAConrad, Susan Howe und David Grubbs, Nat Marcus, Bryana Fritz, Hanne Lippard und Patrizia Vicinelli. Ihre Beiträge werden während der gesamten Ausstellung zugänglich sein.
Das Programm dient als spekulatives Prelude zu einer kommenden Publikation The Weight of the Concrete (2024), die das redaktionelle Konzept von Il Peso del Concreto (1968) widerspiegelt, welches Gribaudos frühe grafische Arbeiten neben einer Anthologie konkreter Poesie, herausgegeben vom Dichter Adriano Spatola, präsentierte. Die Publikation von 2024 überdenkt und reimaginiert diese Publikation und das Archiv ihrer Entstehung, indem sie Gribaudos grafische Arbeiten mit einer neuen Auswahl historischer und zeitgenössischer konkreter und experimenteller Poesie verbindet.
Katalin Ladik, Nat Marcus und Bryana Fritz werden ihre Beiträge bei der Eröffnung von The Weight of the Concrete am 7. Dezember 2023 um 19:00 Uhr live aufführen.
The Weight of the Tongue ist ein Klangprogramm, das im Rahmen von The Weight of the Concrete von Ezio Gribaudo präsentiert wird. Es erforscht die Vokalisierung von experimenteller und konkreter Poesie. Das Programm versammelt die Stimmen von Katalin Ladik, Tomaso Binga, CAConrad, Susan Howe und David Grubbs, Nat Marcus, Bryana Fritz, Hanne Lippard und Patrizia Vicinelli.
Anlässlich der Eröffnung von The Weight of the Concrete werden Katalin Ladik, Nat Marcus und Bryana Fritz live Aufführungen ihrer Beiträge präsentieren.
The Weight of the Concrete markiert die erste monografische Ausstellung von Ezio Gribaudo (Turin, 1929-2022) in Österreich. Sie dient als umfassende Hommage an seine facettenreiche Karriere und bietet eine ausgedehnte Erkundung seiner Rolle sowohl als Künstler als auch als Verleger. Die Ausstellung entlehnt ihren Namen von Il Peso del Concreto (1968), einem wegweisenden Buch, das Gribaudos frühe grafische Arbeiten zusammen mit einer Anthologie konkreter Poesie, herausgegeben von dem Dichter Adriano Spatola, präsentierte. Im Einklang mit seinem interdisziplinären Ansatz erforscht diese Ausstellung Gribaudos eigenwilliges Œuvre, seine Poetik der Materie und die komplexe Beziehung, die er zwischen Bild und Sprache entwickelte. Gribaudos Werk wird dann durch eine Szenografie, entworfen vom italienischen Künstler Davide Stucchi, in die Gegenwart getragen. Die Ausstellung wird von Tom Engels und Lilou Vidal kuratiert.
Im Zentrum von The Weight of the Concrete stehen die Logogrifi, Gribaudos emblematische Serie, die er ab den 1960er Jahren entwickelte. Sein ganzes Leben lang artikulierten die Logogrifi eine tiefe Verstrickung mit seinen Aktivitäten als Buchmacher sowie seine Faszination für neue industrielle Druckverfahren, Schriftarten, Sprachspiele und Reliefmatrizen. Verankert in sprachlichen oder visuellen Rätseln, ähneln die Logogrifi Logogriphen oder Puzzles, die die Bildung neuer Wörter durch Umstellung ihres Anfangsbuchstabens beinhalten. In Gribaudos Interpretation oszilliert ein Logogrifo zwischen Lesbarkeit und Abstraktion, tendiert einmal zu lesbaren Formen und ein anderes Mal zur rätselhaften Welt, in der Bild und Sprache verschmelzen.
The Weight of the Concrete erkundet Gribaudos eigenständiges poetisches Repertoire von Formen – textliche, figurative und topografische Elemente umfassend, jedoch stets losgelöst von ihrer Herkunft – das das Aufkommen einer neuen Grammatik und folglich neuer Lesarten ankündigt. Beginnend mit achromatischen Prägungen auf Löschpapier, die sich zu Holz- und Polystyrol-Reliefs verwandeln und schließlich in lebhaft chromatische Stücke mit typografischer Tinte gipfeln, hinterfragen die Werke beständig die Art und Weise, wie Form, Sprache und Materie einander weiterhin formen und neu definieren. Diese Transformation fordert nicht nur traditionelle Lesarten und Wahrnehmungen heraus, sondern verlangsamt und intensiviert auch schrittweise die Erfahrung des Betrachters, die von einer Übung im Entziffern der achromatischen Natur der Seite zu einer lebhaften und farbenfrohen Begegnung übergeht. Dieses unermüdliche Experiment mit Drucktechnologien wurde durch seine Hingabe an die Veröffentlichung von Künstler-Monografien angefacht, darunter Zeitgenossen wie Giorgio de Chirico, Jean Dubuffet, Marcel Duchamp, Francis Bacon, Lucio Fontana, Asger Jorn und Wifredo Lam, sowie sein Interesse an populären Druckformaten wie Zeitungen, Wörterbüchern, Atlanten und Kinderbüchern. Um diese nicht-hierarchische Beziehung zwischen seiner künstlerischen Arbeit und seinen Verlagsaktivitäten zu betonen, präsentiert das letzte Kapitel der Ausstellung eine einzigartige Auswahl von Gribaudos seltenen Veröffentlichungen und Archivmaterialien.
The Weight of the Concrete versammelt diese grafischen und poetischen Operationen mit der Unterstützung von Davide Stucchis spontanen Gesten und konzeptuellen Antworten. Ausgehend von Stucchis langjähriger Praxis, Ready-Made-Objekte und industriell gefertigte Materialien zu verwenden, spiegelt seine Szenografie eine gegenseitige Faszination für die industrielle Reproduktion und Umnutzung standardisierter Materialien wider. An der Schnittstelle von bildender Kunst, Design, Mode und Szenografie spiegeln Stucchis Interventionen das interdisziplinäre Werk von Gribaudo wider und erweitern es.
The Weight of the Concrete wird durch zwei gleichnamige Veröffentlichungen ergänzt. Die erste, die parallel zur Eröffnung im Grazer Kunstverein erscheinen wird, zeigt fotografische Ausschnitte aus Gribaudos achromatisch geprägten Logogrifi-Büchern (1965-1972), einzigartig ergänzt durch eine Intervention von Stucchi. Die zweite Publikation spiegelt die redaktionelle Prämisse von Gribaudos und Spatolas Il Peso del Concreto (1968) wider. Sie greift diese Publikation und das Archiv seiner Entstehung auf und konzipiert sie neu, indem sie Gribaudos grafisches Werk mit einer neuen Auswahl an historischer und zeitgenössischer konkreter und experimenteller Poesie verbindet. Sie wird zudem Essays enthalten, die das Zusammenspiel von Sprache, Materie und ihren poetischen Verbindungen erläutern. Herausgegeben von Axis Axis und Grazer Kunstverein, ist sie für den Sommer 2024 geplant.
The Weight of the Concrete wird auch ein Klangprogramm beinhalten, The Weight of the Tongue, das als spekulatives Präludium zur bevorstehenden Veröffentlichung dient. Fokussiert auf die Vokalisierung experimenteller Poesie, wird das Programm die Stimmen von Tomaso Binga, CAConrad, Susan Howe und David Grubbs, Hanne Lippard und Patrizia Vicinelli zusammenführen. Zusätzlich werden Katalin Ladik, Bryana Fritz und Nat Marcus zum Programm beitragen und ihre Arbeiten bei der Eröffnung der Ausstellung aufführen.
Ein zusätzliches öffentliches Programm, das Anfang 2024 stattfinden wird, vertieft sich in die intrinsische Beziehung zwischen konkreter Poesie, Verlagswesen, Grafikdesign, Schriftart, Feminismus und performativen Praktiken. Zu den Beitragenden dieses Programms gehören Mónica de la Torre, Alex Balgiu, Andrea di Serego Alighieri und andere.
Das öffentliche Programm und die Veröffentlichungen werden von Tom Engels und Lilou Vidal kuratiert und herausgegeben.
EZIO GRIBAUDO (1929-2022, Italien) war ein Künstler und Kunstverleger, der in Turin ansässig war. Gribaudos Werk, bekannt für die Verschmelzung von figurativen, textuellen und topografischen Elementen, wurde durch seine Expertise in Typografie, industrieller Druckerei und Verlagswesen geprägt. Er leitete das Verlagshaus Edizione d’Arte Fratelli Pozzo und spielte eine entscheidende Rolle in der Serie Le Grande Monografie von Fabbri Editori, wobei er Monografien von Künstlern wie Karel Appel, Francis Bacon, Alberto Burri, Giorgio de Chirico, Marcel Duchamp, Man Ray, Joan Miró, Henry Moore, Antoni Tàpies unter anderen produzierte. In Zusammenarbeit mit Michel Tapié trug er 1960 zum ICAR (International Center of Aesthetic Research) bei. Gribaudo war auch an kuratorischen Projekten beteiligt, wie der Ausstellung der Peggy Guggenheim Sammlung in der Galleria Civica d’Arte Moderna in Turin 1976 und Jean Dubuffets Ausstellung-Performance CouCou Bazar in der Promotrice delle Belle Arti mit FIAT 1978.
Die künstlerische Laufbahn von Ezio Gribaudo ist durch eine reichhaltige Ausstellungsgeschichte gekennzeichnet. Seit den späten 1950er Jahren wurden seine Werke sowohl in Italien als auch international ausgestellt und sind bis heute zu sehen. Eine kleine Auswahl seiner Einzelausstellungen umfasst: Galleria d’Arte La Bussola, Turin (1959); Galleria Schwarz, Mailand (1967/1972); Galleria la Bertesca, Genua (1967); Galleria Viotti, Turin (1968); Galerie de France, Paris (1968); Kunstverein Göttingen (1971); Petit Palais, Musée d’Art Moderne, Genf (1971); Museum of Modern Art, Rio de Janeiro (1973); Marlborough Graphics Gallery, London (1974); Galleria Michaud, Florenz (1975); Etablissement d’en face, Brüssel (2019); und Galerie Sans Titre, Paris (2022). Darüber hinaus nahm Gribaudo an bedeutenden Ausstellungen teil, wie der 9. Römischen Quadriennale (1965); der 33. Venedig Biennale (1966); Salon de Mai, Paris (1967); Salon de Mayo, Havanna (1967); der 9. Kunstbiennale São Paulo (1967); Stedelijk Van Abbemuseum, Eindhoven (1967); GAM (Galleria Civica d’Arte Moderna), Turin (1967); Salon de Mai, Paris (1968); Museum of Modern Art, Caracas (1968); Die Nationalgalerie, Prag (1969); der 8. Internationalen Ausstellung für Grafik, Ljubljana (1969); der 10. Römischen Quadriennale (1973); Fundação Calouste Gulbenkian, Lissabon (1979); Internationale Ausstellung für Grafik, Bilbao (1982); Grand Palais, Paris (1982); Castello di Rivoli, Rivoli (1986); der Italienische Pavillon auf der 54. Venedig Biennale (2011); Sandretto Re Rebaudengo Foundation, Turin (2015); Peggy Guggenheim Sammlung, Venedig (2016); Museo del Novecento, Mailand (2017); GAM (Galleria Civica d’Arte Moderna), Turin (2017); Pio Pico Gallery, Los Angeles (2020); und MACRO Museum für Zeitgenössische Kunst, Rom (2021).
DAVIDE STUCCHI (geb. 1988, Italien) lebt und arbeitet in Mailand. Er arbeitet an der Schnittstelle von bildender Kunst, Mode, Werbung, Szenografie und Häuslichkeit und erforscht vorbestehende Materialien durch minimale Gesten und Eingriffe. Mit einem konzeptuellen und poetischen Ansatz schafft Stucchi Installationen und Skulpturen, die abwesende Körper und intime Geschichten durch die Greifbarkeit und Verletzlichkeit der Objekte offenbaren. Zu seinen jüngsten Einzelausstellungen gehören Clin d’oeil, mit Luisa Gardini, Ermes Ermes, Rom (2022); Falli(Phalli), Martina Simeti, Mailand (2021); DS, Deborah Schamoni, München (2020); 2546/9728, Sundogs, Paris (2019); Davide Stucchi con Corrado Levi, zazà, Neapel (2019); und Light switch (Entrance), Gregor Staiger, Zürich (2019) unter anderem. Seine Arbeiten wurden in Gruppenausstellungen bei Mendes Wood DM, Paris (2023); Between Bridges, Berlin (2023); Palazzo Ducale, Genua (2023); Marsèll, Mailand (2022); Fitzpatrick Gallery, Paris (2021); MACRO Museum für Zeitgenössische Kunst, Rom (2020); der 17. Römischen Quadriennale, Palazzo Delle Esposizioni, Rom (2020); Stadtgalerie Bern (2020); Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Turin (2018); Kunstverein Düsseldorf (2017); der 16. Römischen Quadriennale, Palazzo Delle Esposizioni, Rom (2016) unter anderen gezeigt. Seit 2017 ist Stucchi als Bühnenbildner für verschiedene Modelabels tätig, wobei seine neueste Zusammenarbeit seit 2021 mit Magliano stattfindet.
The Weight of the Concrete wird in Zusammenarbeit mit dem Museion – Museum für moderne und zeitgenössische Kunst in Bozen, Italien, realisiert, wo es von 23. März bis 1. September 2024 zu sehen sein wird, sowie mit dem Archivio Gribaudo in Turin, Italien.
Das Projekt wird von der Direzione Generale Creatività Contemporanea des italienischen Kulturministeriums im Rahmen des Italian Council-Programms (12. Ausgabe, 2023) unterstützt, das darauf abzielt, zeitgenössische italienische Kunst weltweit zu fördern.
Diese Publikation erscheint anlässlich der Ausstellung Until Due Time, Everything Is Else von Pan Daijing. Es ist die sechste einer Reihe von kleinen Ausgaben mit visuellen Beiträgen, Korrespondenzen und Gesprächen, die das Ausstellungsprogramm des Grazer Kunstvereins begleiten.
Die Bilder in diesem Buch sind Ausschnitte aus einem von Pan Daijing geschaffenen Video. Diese Publikation soll als sechster Bildschirm fungieren, der auf eine Fünf-Kanal-Videoinstallation abgestimmt ist, die in Until Due Time, Everything Is Else im Grazer Kunstverein gezeigt wird.
Herausgeber: Tom Engels
Bild: Pan Daijing
Grafik: Julie Peeters
Druck und Bindung: Benedict Press, Münsterschwarzach
Auflage: 350
Schriftart: Kleisch GK von Chiachi Chao
128 Seiten, farbig
ISBN: 978-3-9505230-5-8
Preis: 13,- Euro, 7,- Euro für Mitglieder
Diese Publikation erscheint anlässlich der Ausstellung Colorless Green Freedoms Sleep Furiously von Miloš Trakilović. Es ist die fünfte einer Reihe von kleinen Ausgaben mit Korrespondenzen, Beiträgen und Gesprächen, die das Ausstellungsprogramm des Grazer Kunstvereins begleiten.
Die Publikation enthält einen neu in Auftrag gegebenen Essay von Edwin Nasr sowie ein Interview zwischen Elena Petrović und Miloš Trakilović, das anlässlich der Ausstellung geführt wurde.
Herausgeber: Tom Engels
Grafik: Julie Peeters
Druck und Bindung: Benedict Press, Münsterschwarzach
Auflage: 350
Schriftart: Kleisch GK von Chiachi Chao
64 Seiten, farbig, Englisch
ISBN: 978-3-9505230-4-1
Preis: 9,- Euro, 5,- Euro für Mitglieder
Diese Publikation erscheint in Verbindung mit der Ausstellung sekretas von Marija Olšauskaitė. Es ist der vierte Band in einer Reihe von kleinen Sammlungen von Korrespondenzen, Antworten und Gesprächen, die das Ausstellungsprogramm des Grazer Kunstvereins begleiten.
secrets versammelt Worte, Pflanzen und Glas, beigesteuert von Elena Narbutaitė, Marija Olšauskaitė, Maria Tsoy, Aleksandra Krivulina und Tom Engels.
Herausgeber: Tom Engels
Gastherausgeber: Elena Narbutaitė
Gedichte: Maria Tsoy
Fotografie: Marija Olšauskaitė
Grafik: Julie Peeters
Druck und Bindung: Benedict Press, Münsterschwarzach
Auflage: 350
Schriftart: Kleisch GK von Chiachi Chao
In Until Due Time, Everything Is Else erforscht Pan Daijing auf stimmungsvolle Weise die Themen Zeitlichkeit, Erinnerung und Präsenz. Durch ein Zusammenspiel von Video, Performancespuren, ortsspezifischen Interventionen und Sound erforscht die Ausstellung die unbeständigen und flüchtigen Dimensionen, die ihr Verständnis von Performance prägen — eine Wahrnehmung, die mit der Existenz selbst vergleichbar sein könnte.
Pan Daijings Arbeit gedeiht in der Regel im Bereich des Lebendigen und manifestiert sich in dauerhaften performativen Situationen, bewohnten Installationen, Konzerten und anderen intimen Begegnungen mit dem Publikum. Until Due Time, Everything Is Else setzt einen Kontrapunkt: alle Elemente der Lebendigkeit werden entfernt. Statt die Dynamik von Körpern im Raum oder den pulsierenden Puls von Live-Sound zu erleben, begegnen die Besucher*innen nur dem Echo solcher Ereignisse. Die ausgestellten Werke umhüllen, deuten an oder machen sich die Gegenwart zunutze und sind von der Vitalität dessen durchdrungen, was einmal war oder was kommen wird.
Until Due Time, Everything Is Else versammelt Werke von zweideutiger Natur, da sie die Anwesenheit von etwas anderem markieren, etwas, das nicht hier und nicht jetzt ist. Sie stehen für Materialien, die in Momenten der Erwartung hergestellt wurden, als Überbleibsel eben jener lebendigen Erfahrungen oder als Träger der prozessualen und intuitiven Verschiebungen, die beim Wechsel von einem Medium zum anderen stattfinden.
Über die Register der Performance-Dokumentation hinaus sind diese Werke Gehäuse, die von transformativen Momenten geprägt sind und so den Wandel verkörpern oder vorhersagen. Damit trotzt die Ausstellung direkt dem Paradoxon der Spur, das besagt, dass man beim Versuch, ein Ereignis festzuhalten oder zu bewahren, ungewollt seinen Ursprung verändert oder verzerrt. Daijings Werke sind eine Meditation über dieses Paradoxon und betonen, dass Spuren, sei es in der Erinnerung, in der Kunst oder im Leben, sowohl offenbaren als auch verbergen, dass sie sowohl die Vergangenheit als auch die Zukunft festhalten und sich gleichzeitig einem vollständigen Verständnis entziehen.
Until Due Time, Everything Is Else wird durch eine gleichnamige Publikation ergänzt, die die ausgestellte Mehrkanal-Videoinstallation von Pan Daijing auf Papier überträgt. Sie wird von Tom Engels herausgegeben und von Julie Peeters gestaltet.
Until Due Time, Everything Is Else ist die erste institutionelle Ausstellung von Pan Daijing in Österreich und wird von Tom Engels kuratiert.
Pan Daijing (geb. 1991, Guiyang, lebt in Berlin) hat ihre Arbeiten international unter anderem auf der 14. Gwangju Biennale (2023), im Louvre, Paris (2023), bei Tai Kwun Contemporary, Hongkong (2021), auf der 13. Shanghai Biennale (2021), im Martin Gropius Bau, Berlin (2020), in der Tate Modern, London (2019) und auf der Biennale of Moving Image, Genf (2018) gezeigt. Im Jahr 2024 wird Pan Daijing eine Einzelausstellung im Haus der Kunst in München präsentieren und als Preisträgerin des Preises der Nationalgalerie im Hamburger Bahnhof in Berlin ausstellen. Sie ist an zahlreichen Veranstaltungsorten und Festivals aufgetreten, darunter das Barbican Centre in London, das Kraftwerk in Berlin, die Elbphilharmonie in Hamburg, das Berghain in Berlin, das Sonar Festival in Barcelona, das Haus der Kulturen der Welt in Berlin und das Nationale Pantheon in Lissabon. Sie hat drei Alben in voller Länge veröffentlicht: Tissues (2022), Jade (2021) und Lack (2017).
Die Ausstellung wird vom ifa-Institut für Auslandsbeziehungen unterstützt und ist eine Kooperation im Rahmen von steirischer herbst ’23.
„A Prayer Before Birth (20 Min., 1991) verblüfft durch seine verstörenden, aber fesselnden Bewegtbild-Sequenzen, in denen Duckworths Lebenserfahrung mit Multipler Sklerose (MS) festgehalten wird, um in neunzehn Minuten verwickelte Fragen der Subjektivität, der Behinderung und des Begehrens zu erörtern. In A Prayer Before Birth stellt Duckworth nicht nur die lesbische Subjektivität in den Vordergrund, sondern entwickelt auch eine visuelle Sprache, um den nicht-gesunden Körper darzustellen. Indem sie Strategien des Surrealismus und des amerikanischen Avantgardefilms aufgreift, nutzt Duckworth die nicht-normative Erzählweise im Film, um den Beschränkungen „positiver Bilder“ von Behinderung und lesbischer Identität zu entkommen. Diese abgewandelte surrealistische Ästhetik spiegelt ‚ein zunehmendes Gefühl der Unwirklichkeit‘ wider und schafft neue Realitäten, um sich mit den psychologischen und physischen Traumata auseinanderzusetzen, die MS hervorruft.“ —Lucy Howie
A Prayer Before Birth wird im Rahmen von The Work We Share gezeigt, einem Filmprogramm mit zehn neu digitalisierten Filmen aus der Cinenova-Sammlung. Die Filme, die zwischen 1972 und 1994 produziert wurden, behandeln oppositionelle Geschichten und Fragen der Differenz durch die Brille von Geschlecht, Rasse, Sexualität, Gesundheit und Gemeinschaft.
The Work We Share versammelt eine Reihe von Filmen, die zuvor unter prekären Bedingungen existierten, da in einigen Fällen die Negative verloren gegangen sind oder die einzige Kopie die Verleihfilmkopie ist. Mit diesem Programm soll die gegenseitige Abhängigkeit von Cinenova anerkannt werden: von der Organisation zu den Filmemacher*innen, Kulturschaffenden, Gemeinschaften und Einzelpersonen. Wie können wir unsere wechselseitigen Beziehungen anerkennen? Wie können wir unseren Platz in einem Netzwerk von Kommunikation, Beziehungen und Ressourcen erkennen, insbesondere als eine nicht finanzierte ehrenamtliche Organisation? Auf welche verschiedenen Arten von Arbeit stützt sich unsere Arbeit? Wie können wir diese Arbeit gegenseitig unterstützen?
Cinenova ist eine von Freiwilligen geführte Wohltätigkeitsorganisation, die das Werk feministischer Film- und Videomacher*innen bewahrt und verbreitet. Sie wurde 1991 aus dem Zusammenschluss zweier feministischer Film- und Videoverleihe, Circles und Cinema of Women, gegründet, die beide 1979 entstanden sind. Cinenova vertreibt derzeit über 300 Titel, darunter künstlerische Bewegtbilder, Experimentalfilme, narrative Spielfilme, Dokumentarfilme und Lehrvideos, die von den 1910er bis zu den frühen 2000er Jahren entstanden sind.
Jacqui Duckworth war eine unabhängige Filmemacherin, die 1948 in Warrington geboren wurde. Jacquis gesamte Film- und Fotoarbeit entsprang eher einem instinktiven und originellen Scharfsinn als einem traditionellen akademischen Ansatz, und sie drehte mehrere Suchfilme, bevor die Diagnose MS in ihren frühen 30ern sie daran hinderte, ihre Pläne für weitere Filmprojekte zu verwirklichen. Dazu gehörten: An Invitation toMarilyn C, Home Made Melodrama und A Prayer before Birth, letzterer wurde auf Channel 4 als Teil einer Serie ausgestrahlt, die die Beziehung zwischen Geist und Körper erforschte.
A Song of Ceylon (51 Min., 1985) ist eine Studie über Kolonialismus, Gender und den Körper. Er inszeniert und interpretiert ein srilankisches Ritual der Geisterbesessenheit und -heilung und hat die Form eines stilisierten nicht-narrativen Films, der eine audiovisuelle Montage „besessener Körper“ präsentiert. Der Titel bezieht sich auf Basil Wrights Dokumentarfilm The Song of Ceylon aus dem Jahr 1934 über die damalige britische Kolonie Ceylon, die 1972 in Sri Lanka umbenannt wurde. Indem Jayamannes Film die Idee der Abwesenheit und der zurückgenommenen Geschichte aufgreift, verfolgt er einen Ritus des Körpers.
A Song of Ceylon wird im Rahmen von The Work We Share gezeigt, einem Filmprogramm mit zehn neu digitalisierten Filmen aus der Cinenova-Sammlung. Die Filme, die zwischen 1972 und 1994 produziert wurden, behandeln oppositionelle Geschichten und Fragen der Differenz durch die Brille von Geschlecht, Rasse, Sexualität, Gesundheit und Gemeinschaft.
The Work We Share versammelt eine Reihe von Filmen, die zuvor unter prekären Bedingungen existierten, da in einigen Fällen die Negative verloren gegangen sind oder die einzige Kopie die Verleihfilmkopie ist. Mit diesem Programm soll die gegenseitige Abhängigkeit von Cinenova anerkannt werden: von der Organisation zu den Filmemacher*innen, Kulturschaffenden, Gemeinschaften und Einzelpersonen. Wie können wir unsere wechselseitigen Beziehungen anerkennen? Wie können wir unseren Platz in einem Netzwerk von Kommunikation, Beziehungen und Ressourcen erkennen, insbesondere als eine nicht finanzierte ehrenamtliche Organisation? Auf welche verschiedenen Arten von Arbeit stützt sich unsere Arbeit? Wie können wir diese Arbeit gegenseitig unterstützen?
Cinenova ist eine von Freiwilligen geführte Wohltätigkeitsorganisation, die das Werk feministischer Film- und Videomacher*innen bewahrt und verbreitet. Sie wurde 1991 aus dem Zusammenschluss zweier feministischer Film- und Videoverleihe, Circles und Cinema of Women, gegründet, die beide 1979 entstanden sind. Cinenova vertreibt derzeit über 300 Titel, darunter künstlerische Bewegtbilder, Experimentalfilme, narrative Spielfilme, Dokumentarfilme und Lehrvideos, die von den 1910er bis zu den frühen 2000er Jahren entstanden sind.
Laleen Jayamanne lehrte Filmwissenschaften an der Universität Sydney. Ihr Grundstudium absolvierte sie in Sri Lanka. Sie hat einen Master in Theaterwissenschaften von der New York University und einen Doktortitel in Filmwissenschaften von der University of New South Wales mit dem Thema „The Positions of Women in the Sri Lankan Cinema, 1947-1979.“ Sie ist die Autorin von The Epic Cinema of Kumar Shahani (Indiana University Press, 2015) und The Poetic Cinema and the Spirit of the Gift in the Films of Pabst, Paradjanov, Kubrick and Ruiz (Amsterdam University Press, 2021).
Sweet Sugar Rage (56 min., 1985) deckt die Ausbeutung der Frauenarbeit auf den Zuckerrohrfeldern Jamaikas auf und stellt die Themen und Methoden der Sistren-Workshops und des Theaters in den Kontext ihrer umfassenderen Bemühungen in den Bereichen Bildung, Arbeitsrechte und Gemeinde-Aktivismus. Der Film kombiniert die Aussagen von Frauen, die auf den Zuckerrohrfeldern arbeiten, mit Beweisen für ihre Arbeitsbedingungen und die Haltung ihrer Arbeitgeber als Grundlage für Theaterworkshops, die Frauen vom Land und aus der Stadt in einen Dialog bringen, um die Ausbeutung der Arbeit von Frauen aus der Arbeiterklasse zu analysieren und die patriarchalischen Haltungen von Arbeitgeber*innen und Gewerkschaften gleichermassen in Frage zu stellen. In Anlehnung an die Methoden der „Bewusstseinsbildung“ von Paulo Freire und der „Verfremdungsmethode“ von Bertolt Brecht sehen wir, wie die Frauen kollektiv die Verantwortung für die Inszenierung und Neuinszenierung von Möglichkeiten übernehmen, um die Systeme, die sie unterdrücken, in Frage zu stellen, was Methoden des gemeinsamen Lernens bietet, um die feministischen und dekolonialen Werkzeuge zu erwerben, die einen sozialen Wandel bewirken.
Sweet Sugar Rage wird im Rahmen von The Work We Share gezeigt, einem Filmprogramm mit zehn neu digitalisierten Filmen aus der Cinenova-Sammlung. Die Filme, die zwischen 1972 und 1994 produziert wurden, behandeln oppositionelle Geschichten und Fragen der Differenz durch die Brille von Geschlecht, Rasse, Sexualität, Gesundheit und Gemeinschaft.
The Work We Share versammelt eine Reihe von Filmen, die zuvor unter prekären Bedingungen existierten, da in einigen Fällen die Negative verloren gegangen sind oder die einzige Kopie die Verleihfilmkopie ist. Mit diesem Programm soll die gegenseitige Abhängigkeit von Cinenova anerkannt werden: von der Organisation zu den Filmemacher*innen, Kulturschaffenden, Gemeinschaften und Einzelpersonen. Wie können wir unsere wechselseitigen Beziehungen anerkennen? Wie können wir unseren Platz in einem Netzwerk von Kommunikation, Beziehungen und Ressourcen erkennen, insbesondere als eine nicht finanzierte ehrenamtliche Organisation? Auf welche verschiedenen Arten von Arbeit stützt sich unsere Arbeit? Wie können wir diese Arbeit gegenseitig unterstützen?
Cinenova ist eine von Freiwilligen geführte Wohltätigkeitsorganisation, die das Werk feministischer Film- und Videomacher*innen bewahrt und verbreitet. Sie wurde 1991 aus dem Zusammenschluss zweier feministischer Film- und Videoverleihe, Circles und Cinema of Women, gegründet, die beide 1979 entstanden sind. Cinenova vertreibt derzeit über 300 Titel, darunter künstlerische Bewegtbilder, Experimentalfilme, narrative Spielfilme, Dokumentarfilme und Lehrvideos, die von den 1910er bis zu den frühen 2000er Jahren entstanden sind.
Das Sistren Theatre Collective, was „Schwesternschaft“ bedeutet, wurde 1977 in Kingston, Jamaika, von Frauen aus der Arbeiterklasse im sozialen, kulturellen und politischen Kontext des sozialistischen Experiments in Jamaika in den 1970er Jahren nach dem ersten Jahrzehnt der Unabhängigkeit gegründet. Seit 1977 setzt Sistren die Kunst als Instrument des sozialen Wandels ein, um geschlechtsspezifische Gewalt zu diskutieren und zu analysieren und durch organisatorische Netzwerke Lösungen zu finden. Zu den Gründungsmitgliedern gehörten Vivette Lewis, Cerene Stephenson, Lana Finikin, Afolashade (damals Pauline Crawford), Beverley Hanson, Jasmine Smith, Lorna Burrell Haslam, Beverley Elliot, Jerline Todd, Lillian Foster, May Thompson, Rebecca Knowles und Barbara Gayle. Mit Unterstützung des Schauspielers und Regisseurs Honor Ford-Smith wurde das Kollektiv im Rahmen einer Regierungsinitiative zur Verbesserung der Beschäftigungslage in den ärmsten Gemeinden Jamaikas gegründet. Stücke wie Downpression Get A Blow (1977), Bellywoman Bangarang (1978), Nana Yah (1980), QPH (1981) und Domestik (1982) sowie Theaterworkshops in den Gemeinden waren die Vorboten des Dokumentarfilms Sweet Sugar Rage von 1985.
