Schlingen Blängen ist eine wegweisende Komposition des amerikanischen Künstlers und Komponisten Charlemagne Palestine, die erstmals in den späten 1970er Jahren konzipiert wurde und sich seitdem kontinuierlich weiterentwickelt. Im Kern erkundet das Stück die weitreichenden klanglichen Möglichkeiten der Orgel und verwandelt sie in einen resonierenden Körper aus geschichtetem, immersivem Klang. Durch den Einsatz von langen, gehaltenen Tönen und allmählichen, fast unmerklichen harmonischen Veränderungen schafft Schlingen Blängen eine hypnotische, meditative Atmosphäre, die die Zuhörer*innen einlädt, sich im Zusammenspiel von Klang und Raum zu verlieren.

Aufführungen von Schlingen Blängen, gespielt an ortsspezifischen Orgeln sind jedes Mal eine einzigartige Begegnung zwischen Musik und der Architektur des Aufführungsortes. Die Fähigkeit der Orgel, tiefe, resonante Töne und zarte Obertöne zu erzeugen, wird mit der natürlichen Akustik des Raumes kombiniert. Der Klang hallt von Wänden und Decken wider und verwandelt den Raum selbst in ein Instrument. Palestines Kompositionsansatz, der sich auf Wiederholung und langsame Entwicklung konzentriert, verstärkt das sensorische Erlebnis und taucht die Zuhörer*innen in eine klangliche Umgebung ein, in der Zeit scheinbar gedehnt und verschoben wird.

Palestines einzigartiger Ansatz für die Orgel besteht darin, die verschiedenen klanglichen Register einer traditionellen Kirchen- oder Theaterorgel in einer kontinuierlichen Suche nach dem, was er den „Golden Sound“ nennt, zu verschmelzen. Durch seine charakteristische „continuum key prolonging technique“ (Technik der kontinuierlichen Tonverlängerung) hält Palestine Töne über lange Zeiträume und schichtet sie, um eine Vielzahl von Nuancen im Klang der Orgel zu erzeugen. Das Ergebnis ist eine massive, magische Klangwolke, die mit der Architektur jedes Raumes in Resonanz tritt und interagiert und jede Aufführung zu einem einmaligen Erlebnis aus komplexen und sich entwickelnden Klangtexturen macht.

Im Kontext von Josef Dabernigs Ausstellung Lacrimosa unterstreicht Schlingen Blängen die zentrale Rolle der Orgelmusik in Dabernigs jüngsten Arbeiten. Die Aufführung markiert den Beginn des zweiten Kapitels der Ausstellung und spiegelt die thematische Erkundung von Ritual, Erinnerung und Transformation wider, die Dabernigs Filme durchzieht, während sie gleichzeitig als Zeugnis von Palestines Auseinandersetzung mit den spirituellen und akustischen Dimensionen der Orgel steht.

CHARLEMAGNE PALESTINE (geb. 1947, Brooklyn, NYC) ist ein Klangkünstler, Komponist, Performer sowie Video- und Installationskünstler mit Wohnsitz in Brüssel. Als Zeitgenosse von Philip Glass, Terry Riley, Phill Niblock und Tony Conrad erschafft Palestine seit den 1960er Jahren intensive, ritualistische Continuum-Musik für elektronische Klangquellen, Glockenspiele, Orgeln, Klaviere, Stimme und andere Tasteninstrumente. Ursprünglich zum Kantor ausgebildet und später zum Carillonneur, ist er ein Komponist-Performer, der seine Werke stets selbst als Solist aufführt. Zu seinen ersten Schlüsselwerken zählen seine elektronischen Continuums sowie seine Erkundungen der Klangfarbe, die er als Golden Sonorities bezeichnet. Weitere bedeutende Werke sind die Continuum-Form Strumming Music, die zweistündige Klangperformance Karenina sowie Schlingen Blängen, eine klangliche Continuum-Form für Orgeln, die er seit den 1970er Jahren kontinuierlich weiterentwickelt. Palestine stellte seine Auftritte in den frühen 1980er Jahren ein und widmete sich bis Mitte der 1990er Jahre ausschließlich der Schaffung von Altären aus Plüschtieren als multi-medialen Skulpturen und Installationen. Diese Altäre sind oft ein integraler Bestandteil seiner Performances. Seit seiner Rückkehr zur Aufführung hat Palestine Werke aus den 1960er und 1970er Jahren auf CD und Vinyl neu aufgelegt und seine Arbeiten international aufgeführt und ausgestellt. Zu seinen bemerkenswerten jüngsten Performances gehören illlummminnnatttionnnsssss!!!!!!! mit Simone Forti im MoMA, New York, und im Louvre (2014),  STTT THOMASSS ““““’DINGGGDONGGGDINGGGzzzzzzz ferrrr TONYYY“““‘ , organisiert mit Blank Forms und aufgeführt in der St. Thomas Episcopal Church, New York City (2017), sowie seine Teilnahme an der Whitney Biennale 2014 mit Stairway Song, einer ortsspezifischen Zwölfkanal-Klanginstallation. Zu den Ausstellungen, die sich auf sein skulpturales und musikalisches Werk konzentrieren, gehören Voodooo im WIELS, Brüssel (2010); GesammttkkunnsttMeshuggahhLaandtttt in der Kunsthalle Wien, Österreich (2015) und im Kunstinstituut Melly, Rotterdam, Niederlande (2016); Bibbidi-Bobbidi-Boo in der Meredith Rosen Gallery, New York City (2023); und Post Scriptum: A museum forgotten by heart im MACRO, Rom (2024).

Lacrimosa ist eine Ausstellung, welche um die Österreich-Premiere von Josef Dabernigs neuestem gleichnamigen Film gebaut ist. Der Film zeigt ein unkonventionelles Abschiedsritual, angeführt von Dabernigs Tante, welche Organistin und Lehrerin war. Gemeinsam mit seinen Enkelkindern inszeniert Anni Dabernig eine Prozession durch ihr Haus in Kötschach-Mauthen, dem Ort, in welchem der Künstler aufwuchs. Im Mittelpunkt dieser Zeremonie steht ein rätselhafter Kindersarg, der als stiller Protagonist durch das Haus getragen wird. Gefaltete Hände, verstohlene Blicke, Rosenkränze und ein Leibstuhl sind die Elemente eines exzentrischen Kinderspiels, in dem die illustre Gruppe zwischen Einschüchterung, Rebellion und einer gefährlichen Treppe über Seinsfragen stolpert.

Im Einklang mit Dabernigs Praxis, in seinen Filmen eng mit Freund*innen und Familienmitgliedern zusammenzuarbeiten, ist Lacrimosa mit einem Monolog verflochten, der von Bruno Pellandini verfasst und von dessen Ehefrau Johanna Orsini vorgetragen wird. Dieser beschreibt das Haus von Pellandinis Großeltern im Tessin. Durch die bildhafte und sprachliche Verschränkung von zwei unterschiedlichen Gebäuden eines in der Schweiz und das andere in Österreich – werden diese Räume zu Repositorien von Erinnerungen, die die häusliche Infrastruktur gelebter, verlorener und letztlich wiederentdeckter Leben einfangen. Fünf Tage nach Abschluss der Dreharbeiten dieses filmischen Requiems verstarb Anni Dabernig.

Lacrimosa gibt den Ton für eine retrospektive Erkundung von Dabernigs filmischem Werk vor, durchdrungen von den Themen Tod, Trauer, Elegie und der resonanten Präsenz von Orgelmusik. Positioniert in einer Szenografie aus Filmrequisiten und Gegenständen aus der Krassnig Villa seiner Tante entfaltet sich die Ausstellung in zwei Kapiteln, die frühe und jüngere Arbeiten umfassen. Das erste Kapitel (21. September – 20. Oktober) präsentiert Heavy Metal Detox (2019) und Gertrud & Tiederich (2018), während das zweite Kapitel (23. Oktober – 17. November) All the Stops (2020) und Stabat Mater (2016) zeigt. In beiden Kapiteln fungieren Lacrimosa (2024), Rosa coeli (2003) und Parking (2003) als zentrale Konstanten.

Zu Beginn des zweiten Kapitels der Ausstellung, nicht zuletzt, um die bedeutende Rolle der Orgelmusik in Dabernigs jüngsten Arbeiten zu unterstreichen, wird der amerikanische Komponist und Künstler Charlemagne Palestine am 23. Oktober um 20:00 Uhr in der Herz-Jesu-Kirche in Graz Schlingen Blängen, eine Orgelkomposition, die er seit den späten 1970er Jahren weiterentwickelt, aufführen.

Die Ausstellung wird von einer Publikation begleitet, die einen Textessay von Krzysztof Kościuczuk und einen Bildessay von Dabernig mit Fotografien des Drehorts enthält. 

JOSEF DABERNIG (geb. 1956 in Lienz, Österreich) lebt als Künstler und Filmemacher in Wien. Zu seinen jüngsten Einzelausstellungen zählen Lancia Thema, The Black Box, Wschód, New York, USA (2023); Wisla, Museum Jorn, Silkeborg, Dänemark (2023); und Equally Not Nothing, Galerie Stadtpark, Krems, Österreich (2020). Dabernigs Arbeiten waren Teil der 49. und 50. Biennale in Venedig in den Jahren 2001 und 2003; der Manifesta 3 (2000, Ljubljana) und 10 (2014, St. Petersburg); der 9. Gwangju Biennale (2012); Contour – 6th Biennial of Moving Image, Mechelen (2013); Bergen Assembly (2013); sowie Teil des steirischen herbst, Graz (2020, 2022). Seine Filme wurden auf verschiedenen internationalen Filmfestivals gezeigt, darunter die Internationalen Kurzfilmtage in Oberhausen, das Internationale Film Festival Rotterdam, Locarno Film Festival, Internationale Filmfestspiele von Venedig, Mar del Plata International Film Festival, Melbourne International Film Festival und das Toronto International Film Festival. Im Jahr 2004 präsentierte Dabernig seine Ausstellung  Josef Dabernig: Proposal for a New Kunsthaus, not further developed im Grazer Kunstverein, die von einer gleichnamigen Publikation begleitet wurde.

Eine Kooperation mit dem steirischen herbst ’24

Du schriebst: Der Titel seiner Ausstellung ist die Sammlung von Bildern, die sie begleitet. Drei Bilder eines roten Auges, nebeneinander.

Du sagtest, dass das erste Bild, eine rote Form vor einem grauen Hintergrund, vertraut wirkte, sich aber einer Identifikation widersetzte. Du sagtest mir, dass es dich an ein Auge erinnert, wachsam und aufmerksam, verwoben mit der Schärfe eines Zeigers, verweisend.

Du schriebst: Dieses Bild ist wie eine halbe Erinnerung, hinter einem Schleier, Details abgemildert, eine Einladung, über seine Geheimnisse nachzudenken

Im zweiten Bild, sagtest du mir, erscheinen ähnliche Formen. Das Auge und der Pfeil verschmelzen in ihrem rätselhaften Sog, zentriert auf dem Bildschirm, Details an den Rändern verwischt, als wäre die Linse verschmiert. Du fragtest dich, ob es sich um einen Zwilling des ersten Stücks handelt und ob dies darauf hindeutet, dass Klarheit nicht immer notwendig für das Verständnis ist. Ist diese Bewegung eine Anregung, ein sanfter Stups in Richtung Bedeutung?

Du schriebst: Die Qualität dieser Bilder wird dich zu einem mysteriösen Tanz hinziehen.

Das dritte Bild, sagtest du, wird mit kühner Klarheit dastehen, sobald die Unschärfe größtenteils aufgehoben ist, um das Design zu enthüllen. Die roten Linien werden sich scharf von einem bräunlich-weißen Hintergrund abheben, die Form des Auges wird deutlich sein, der Schwung des Cursors selbstbewusst und unerschütterlich. Du sagtest, du wirst wollen, dass das Bild mit klarer Stimme spricht, da seine Symbolik unverkennbar wird: die Verschmelzung von Vision und Richtung, Wahrnehmung und Zweck.

Du schriebst: Dieses Bild wird herauskristallisieren, was die anderen angedeutet haben.

Diese drei Bilder, wie seine gesamte Ausstellung, benutzten keine Worte. Du schriebst, dass die Bilder selbst Sprache erzeugten. Dass sie als Vorahnung von etwas noch nicht Realisiertem dienten. Du sagtest, du hättest Lieder von Grün und Gelb und Silber gehört und den Geruch von Kampfer gerochen. Und in dieser Abwesenheit von Worten versuchten wir, Bilder sprechen zu lassen.

Die Ausstellung wird von Tom Engels kuratiert und von einer Publikation begleitet, die von Jason Dodge, Julie Peeters und Tom Engels entwickelt wurde.

Anlässlich der Ausstellung sowie der gemeinsamen Eröffnungen in der Halle für Kunst Steiermark und der Neuen Galerie Graz wird ein Shuttlebus von und nach Wien zur Verfügung gestellt.

Abfahrt Wien: 14:00 Uhr, Operngasse 4, Buszone, Wiener Staatsoper
Rückfahrt: 22:00 Uhr, Burgring 2, Halle für Kunst Steiermark

Weitere Informationen erhalten Sie per E-Mail an office@grazerkunstverein.org.

JASON DODGE präsentierte kürzlich die Einzelausstellungen Tomorrow, I Walked to a Dark Black Star, MUDAM, Luxemburg (2024); Cut a Door in the Wolf, MACRO, Rom (2021); und They Lifted Me into the Sun and Packed My Empty Skull in Cinnamon, eine sechsteilige Ausstellung im Akwa Ibom, Athen; Guimarães, Wien; MOREpublishers mit Gevaert Editions, Brüssel; Galleria Franco Noero, Turin; und Gern en Regalia, New York (2020). Im Jahr 2014 kuratierte er im Grazer Kunstverein Ronald Jones: 1987-1992 in Zusammenarbeit mit Krist Gruijthuijsen, dem damaligen künstlerischen Leiter des Vereins, die von der Publikation Ronald Jones, herausgegeben vom Grazer Kunstverein und Motto Books, begleitet wurde. Dodge gründete den Lyrik-Imprint fivehundred places, den er auch weiterhin betreibt, und lebt auf der Insel Møn in Dänemark.

Diese Publikation erscheint anlässlich der Ausstellung Curtis Cuffie’s New York City. Es ist die achte einer Reihe von kleinen Ausgaben mit visuellen Beiträgen, Korrespondenzen und Gesprächen, die das Ausstellungsprogramm des Grazer Kunstvereins begleiten. 

Curtis Cuffie (1955-2002) war ein Künstler, der im East Village von New York City lebte. Er stammte ursprünglich aus Hartsville, South Carolina, zog mit fünfzehn Jahren nach Brooklyn und ließ sich schließlich in Manhattan nieder, zunächst in der Nähe des Bryant Park und später in der Bowery, wo er über weite Strecken seines Lebens wohnungslos lebte. Artforum, The New York Times und The Village Voice berichteten über seine Arbeit und er hatte Einzelausstellungen im Flamingo East, Tribes und in der 4th Street Photo Gallery, alle in New York. Im Laufe seines Lebens war Cuffie in fast einem Dutzend Gruppenausstellungen in den USA vertreten, unter anderem bei Exit Art, American Primitive und im Jamaica Art Center in New York sowie im American Visionary Art Museum in Baltimore. Cuffie war Teil eines dynamischen Kreises von Künstler*innen und Intellektuellen und besaß somit einen wesentlichen Platz in der schwarzen Avantgarde New Yorks. Kürzlich wurde sein Werk in Ausstellungen in ganz New York City präsentiert, darunter Souls Grown Diaspora (2020) im Apexart, kuratiert von Sam Gordon; Greater New York (2021) im MoMA PS1, kuratiert von Ruba Katrib; und Curtis Cuffie (2023) in der Galerie Buchholz, kuratiert von Scott Portnoy. Darüber hinaus veröffentlichte Blank Forms 2023 Curtis Cuffie, ein von Scott Portnoy, Robert Snowden und Ciarán Finlayson herausgegebenes und von Julie Peeters gestaltetes Buch.

Herausgeber: Tom Engels
Fotograf: Curtis Cuffie
Grafik: Julie Peeters
Druck und Bindung: Benedict Press, Münsterschwarzach
Edition: 350
Schriftart: Kleisch GK von Chiachi Chao
Bildnachweis: Alle Fotografien in dieser Publikation, sowohl in Farbe als auch in Schwaz-Weiß, wurden von Curtis Cuffie zwischen 1990 und 1999 aufgenommen. Sie wurden mit der Genehmigung von Carol Thompson und der Galerie Buchholz reproduziert.
128 Seiten, farbig, S&W
ISBN: 978-3-9505230-7-2
Preis: 15,- Euro, 9.- Euro für Mitglieder

Curtis Cuffie’s New York City ist eine Ausstellung von Fotografien der öffentlichen Kunst von Curtis Cuffie. 

Curtis Cuffie war bis zu seinem Tod im Jahr 2002 im Alter von siebenundvierzig Jahren eine öffentliche Figur im East Village. Bis zu seinem Lebensende veröffentlichte  Cuffie Hunderte, vielleicht Tausende von mysteriösen, unwahrscheinlichen Kunstwerken in den Straßen von New York. Dazu fischte er aus den Überresten der Stadt und kleidete sie in tobende Assemblagen aus weggeworfenen Gegenständen, Stoffen und gewöhnlichen Dingen, die von dem erzählen, was wir sind. Diese Arbeiten hatten kaum ein Ende: Dinge kamen und gingen, Materialien wurden angepasst und verändert, und regelmäßig wurden Werke von der Straßenreinigung und der Polizei zerstört. Wenig davon hat überlebt. Folglich ist die Betrachtung von Cuffies Skulpturen heute in der Regel eine Begegnung aus zweiter Hand, gefiltert durch die Perspektiven derjenigen, die sie fotografiert haben, seien es Freund*innen oder Geliebte, Künstler*innen oder unbekannte Passant*innen. 

Curtis Cuffie’s New York City präsentiert die Kunst von Curtis Cuffie, wie sie von Katy Abel, Tom Warren und Cuffie selbst fotografiert wurde. Die Ausstellung umfasst etwa siebenhundert Fotografien aus den 1990er Jahren und wird durch eine Reihe von analogen Diaprojektoren zum Leben erweckt, die drei verschiedene Bildsprachen präsentieren: Abels Verwendung leuchtender Farben, Warrens nüchterne, fast reportageartige Schwarz-Weiß-Bilder und Cuffies eigene dynamische, abstrakte und manchmal zerrüttete Fotokompositionen. Diese Bilder, die auftauchen und wieder verschwinden, erzeugen ein spürbares Gefühl von Bewegung und Vergänglichkeit, das dem Wesen von Cuffies Kunst und der Stadt entspricht, in der sie sich befand.

Zu Curtis Cuffie’s New York City erscheint eine gleichnamige Publikation mit einer Auswahl von Cuffies Farb- und Schwarz-Weiß-Fotografien, herausgegeben von Tom Engels und gestaltet von Julie Peeters. 

Curtis Cuffie’s New York City wird von Tom Engels in Zusammenarbeit mit Robert Snowden kuratiert. Die Ausstellung wird durch die unschätzbare Unterstützung von Carol Thompson ermöglicht, die das Archiv von Curtis Cuffie pflegt, zusammen mit den großzügigen Beiträgen von Katy Abel und Tom Warren.

CURTIS CUFFIE (1955-2002) war ein Künstler, der im East Village von New York City lebte. Er stammte ursprünglich aus Hartsville, South Carolina, zog mit fünfzehn Jahren nach Brooklyn und ließ sich schließlich in Manhattan nieder, zunächst in der Nähe des Bryant Park und später in der Bowery, wo er über weite Strecken seines Lebens wohnungslos lebte. Artforum, The New York Times und The Village Voice berichteten über seine Arbeit und er hatte Einzelausstellungen im Flamingo East, Tribes und in der 4th Street Photo Gallery, alle in New York. Im Laufe seines Lebens war Cuffie in fast einem Dutzend Gruppenausstellungen in den USA vertreten, unter anderem bei Exit Art, American Primitive und im Jamaica Art Center in New York sowie im American Visionary Art Museum in Baltimore. Cuffie war Teil eines dynamischen Kreises von Künstler*innen und Intellektuellen und besaß somit einen wesentlichen Platz in der schwarzen Avantgarde New Yorks. Kürzlich wurde sein Werk in Ausstellungen in ganz New York City präsentiert, darunter Souls Grown Diaspora (2020) im Apexart, kuratiert von Sam Gordon; Greater New York (2021) im MoMA PS1, kuratiert von Ruba Katrib; und Curtis Cuffie (2023) in der Galerie Buchholz, kuratiert von Scott Portnoy. Darüber hinaus veröffentlichte Blank Forms 2023 Curtis Cuffie, ein von Scott Portnoy, Robert Snowden und Ciarán Finlayson herausgegebenes und von Julie Peeters gestaltetes Buch.

Die Ausstellung von Ezio Gribaudo The Weight of the Concrete gipfelt in einer Reihe von Veranstaltungen, die das Nexus von konkreter Poesie, Verlagswesen, Grafikdesign, Typografie, Feminismus und Performance erforschen, inspiriert von Gribaudo und Adriano Spatolas wegweisender Publikation Il Peso del Concreto (1968). Die Serie markiert das Ende einer Ausstellung und bildet den Auftakt für eine bevorstehende Publikation, die von Axis Axis und dem Grazer Kunstverein herausgegeben und von Tom Engels und Lilou Vidal redigiert wird. Darin wird Gribaudos Vermächtnis aufgegriffen und sein grafisches Werk mit neuer und historischer experimenteller Poesie verwoben. Die Veröffentlichung ist im Sommer 2024 geplant.

Die Choreografin und Filmemacherin Eszter Salamon setzt sich erneut mit John Cages Lecture on Nothing (1949) auseinander, einem Stück, mit dem sie sich erstmals 2010 in ihrer Choreografie Dance for Nothing beschäftigte, welche Cages Worte mit ihrer Bewegung verband. Diesmal lässt Salamon die körperlichen Bewegungen hinter sich und konzentriert sich auf den klanglichen Aspekt dieses bahnbrechenden Vortrags über Nichts, Leere und Komposition. Sie verleiht dem Ganzen Tiefe, indem sie den Vortrag nach einer verlangsamten Aufnahme der amerikanischen Cellistin und Komponistin Frances-Marie Uitti wiederholt und so eine auditive Erkundung von Interpretation und Übertragung schafft. Salamons Verschmelzung von Körper, Stimme und Partitur schafft den Rahmen für eine Meditation über das Nichts inmitten der achromatischen, scheinbar stillen Werke Gribaudos .

ESZTER SALAMON ist eine Choreografin, Künstlerin und Performerin, die zwischen Berlin, Paris und Budapest lebt. Salamon nutzt Choreografie als aktivierende und organisierende Kraft zwischen verschiedenen Medien wie Bild, Ton, Musik, Text, Stimme, Körperbewegung und Aktionen. Seit 2001 hat sie Solostücke und groß angelegte Performances, performative Installationen und Filme kreiert, die in internationalen Aufführungsstätten und Museen präsentiert wurden, darunter das Centre Pompidou Paris (FR), MoMA (USA), Museo Reina Sofía (ESP), MACBA Museu d’Art Contemporani de Barcelona (ESP), Serralves Foundation (PT), Akademie der Künste Berlin (DE), mumok (AT), Kunstinstituut Melly (ehemals bekannt als Witte de With Center for Contemporary Art) (NL), Museo Centro Gaiás, Santiago de Compostela (ESP), Fondation Cartier (FR), Museum der Moderne Salzburg (AT), Villa Empain – Boghossian Foundation (BE), ING Art Center (BE), KINDL (DE). Ihre Ausstellung Eszter Salamon 1949 wurde 2014 im Jeu de Paume (F) als Teil von Satellite präsentiert, kuratiert von Nataša Petrešin-Bachelez. Ihre performative Installation Study for the Valeska Gert Pavilion wurde auf der 16. Biennale für zeitgenössische Kunst in Lyon 2022 präsentiert. Ihr jüngster Film Sommerspiele (2023) wurde in der Akademie der Künste, Berlin, uraufgeführt und im Rahmen von Hors Pistes 2024 im Centre Pompidou gezeigt.

Die Ausstellung von Ezio Gribaudo The Weight of the Concrete gipfelt in einer Reihe von Veranstaltungen, die das Nexus von konkreter Poesie, Verlagswesen, Grafikdesign, Typografie, Feminismus und Performance erforschen, inspiriert von Gribaudo und Adriano Spatolas wegweisender Publikation Il Peso del Concreto (1968). Die Serie markiert das Ende einer Ausstellung und bildet den Auftakt für eine bevorstehende Publikation, die von Axis Axis und dem Grazer Kunstverein herausgegeben und von Tom Engels und Lilou Vidal redigiert wird. Darin wird Gribaudos Vermächtnis aufgegriffen und sein grafisches Werk mit neuer und historischer experimenteller Poesie verwoben. Die Veröffentlichung ist im Sommer 2024 geplant.

Andrea di Serego Alighieri wird sich auf das spezifische recto/verso Format von Il Peso del Concreto [The Weight of the Concrete] konzentrieren, da das Buch eine einzigartige Dualität präsentiert: Die eine Seite zeigt Gribaudos Kunstwerk, während die gegenüberliegende Seite eine Anthologie von konkreter Poesie, zusammengestellt vom Dichter Spatola, zeigt. Als Antwort auf diese Anthologie wird er das Werk der italienischen Dichterin Amelia Rosselli (1930–1996) erforschen und ihre einzigartige Perspektive auf das Schreiben als sowohl grafischen als auch körperlichen Akt der Inschrift und Entzifferung untersuchen, ein Wechselspiel, das sie als Verschmelzung von „Muskelbewegungen und mentalen Formen“ beschrieb. Er wird beleuchten, wie dieses Konzept der physischen Einschreibungmit Gribaudos Logogrifi zusammenhängt, indem er die greifbaren und performativen Dimensionen des Blattes erörtert und dies auf seine Forschungen zu geprägten Quetschpapieren ausweitet, die in der Epigraphik zur Archivierung von Inschriften aus der Antike verwendet werden. 

ANDREA DI SEREGO ALIGHIERI (geb. 1988, Italien) ist Schriftsteller, Redakteur und Typograf mit Sitz in Brüssel. Er studierte Grafikdesign an der Gerrit Rietveld Academie und Vergleichende Literaturwissenschaft an der Universität von Amsterdam. Zwischen 2014/2015 war er wissenschaftlicher Mitarbeiter an der Jan van Eyck Academie. Er ist Mitherausgeber von „Resistance“ von Lyn Hejinian (uh books, 2019) und Übersetzer von Simone Fortis L’orso allo specchio (Kunstverein Publishing & Galleria Raffaella Cortese, 2020). Kürzlich war Mitherausgeber und Autor von er Glossator 11 (Open Humanities Press, 2021), FR DAVID „Take, Eat“ (KW Institute for Contemporary Art & uh books, 2022) mit Will Holder und ist der Herausgeber und Übersetzer von A Talk on Metrical Spaces von Amelia Rosselli (erscheint bei The Last Books). Er ist Dozent für Schrift, Typografie und Tutor von Abschlussarbeiten an der Königlichen Akademie der Schönen Künste in Antwerpen sowie Doktorand für mittelalterliche & moderne Sprachen an der Universität von Oxford.

Die Ausstellung von Ezio Gribaudo The Weight of the Concrete gipfelt in einer Reihe von Veranstaltungen, die das Nexus von konkreter Poesie, Verlagswesen, Grafikdesign, Typografie, Feminismus und Performance erforschen, inspiriert von Gribaudo und Adriano Spatolas wegweisender Publikation Il Peso del Concreto (1968). Die Serie markiert das Ende einer Ausstellung und bildet den Auftakt für eine bevorstehende Publikation, die von Axis Axis und dem Grazer Kunstverein herausgegeben und von Tom Engels und Lilou Vidal redigiert wird. Darin wird Gribaudos Vermächtnis aufgegriffen und sein grafisches Werk mit neuer und historischer experimenteller Poesie verwoben. Die Veröffentlichung ist im Sommer 2024 geplant.

In ihrem bevorstehenden Vortrag werden Mónica de la Torre und Alex Balgiu ihre 2020 erschienene Publikation Women in Concrete Poetry: 1959-1979 präsentieren, eine einflussreiche Anthologie, die konkrete Gedichte von Frauen aus den frühen Phasen dieser Avantgarde-Bewegung zusammenstellt. Diese umfassende Sammlung hebt die Beiträge von 50 Schriftstellerinnen und Künstlerinnen aus Europa, Japan, Lateinamerika und den Vereinigten Staaten hervor und zeigt, wie sie traditionelle Konventionen von Genre, Geschlechterrollen und die patriarchalischen Beschränkungen von Sprache und Syntax herausgefordert haben. De la Torre und Balgiu werden den Prozess hinter der Zusammenstellung dieser Anthologie erläutern und ihre persönlichen Reflexionen zur Entstehung dieser Publikation darlegen. Dabei werden sie auf ihre Erfahrungen als Dichter*in, Designer*in und Bibliophile zurückgreifen und das kollektive Bestreben beleuchten, die Grenzen der Poesie neu zu definieren.

MÓNICA DE LA TORRE ist Autorin von sechs Büchern mit Gedichten, von denen das neueste, Repetition Nineteen (Nightboat), sich auf experimentelle Übersetzung konzentriert. Zu ihren weiteren Sammlungen gehören The Happy End/All Welcome (Ugly Duckling Presse)—eine Anspielung auf eine Anspielung auf Kafkas Amerika—und Public Domain. Mehrere ihrer Bücher wurden in Mexiko veröffentlicht, darunter Acúfenos und Taller de Taquimecanografía, die sie gemeinsam mit dem gleichnamigen Künstlerinnenkollektiv, das sie mitbegründet hat, geschrieben hat. Ihre jüngsten Kunsttexte konzentrieren sich auf Cecilia Vicuñas Palabrarmas-Serie, Felix Gonzalez-Torres’ Photostats und Ulises Carrións Buchwerke. Sie hat Women in Concrete Poetry 1959–79 (Primary Information) zusammen mit Alex Balgiu herausgegeben. Sie erhielt 2022 den Foundation for Contemporary Arts C.D. Wright Award for Poetry und 2022 das Creative Capital-Stipendium und unterrichtet Poesie am Brooklyn College.

ALEX BALGIU ist Pädagoge, Designer-Schriftsteller und Buchsammler im Alter einer Heidelberg GTO 52 Druckpresse. Er beschäftigt sich mit der Gestaltung von Räumen für kollektive Kreativität und experimentiert mit verschiedenen Übertragungsformen. Man kann ihn beim Lesen, Spielen und Veröffentlichen in Lausanne (Écal), Paris (Doc & Pca), Kyoto (Villa Kujoyama) oder in der Buchhandlung nebenan treffen. Oder man greift zu Women in Concrete Poetry: 1959-79, einer Sammlung herausragender konkreter Poesie von Frauen, herausgegeben zusammen mit Mónica de la Torre (NY: Primary Information, 2020). Lieben Sie Bücher auch über die Maßen? Dann machen Sie mit bei Bibliomania, einer fortlaufenden Serie von redaktionellen Puppenspielen, die zusammen mit Olivier Lebrun entwickelt wurde und weltweit tourt. Derzeit lernt er vom Wald und dem Fluss.

Die Ausstellung von Ezio Gribaudo The Weight of the Concrete gipfelt in einer Reihe von Veranstaltungen, die das Nexus von konkreter Poesie, Verlagswesen, Grafikdesign, Typografie, Feminismus und Performance erforschen, inspiriert von Gribaudo und Adriano Spatolas wegweisender Publikation Il Peso del Concreto (1968). Die Serie markiert das Ende einer Ausstellung und bildet den Auftakt für eine bevorstehende Publikation, die von Axis Axis und dem Grazer Kunstverein herausgegeben und von Tom Engels und Lilou Vidal redigiert wird. Darin wird Gribaudos Vermächtnis aufgegriffen und sein grafisches Werk mit neuer und historischer experimenteller Poesie verwoben. Die Veröffentlichung ist im Sommer 2024 geplant.

Als Antwort auf Il Peso del Concreto wird Jesper List Thomsen aus zwei Texten, Avoiding The Genius (2017) und Blackbirds (2018), vortragen, die jeweils die komplexen Verbindungen zwischen Körper, Sprache und Bild entwirren. Avoiding The Genius greift auf die Sprache als Werkzeug zurück, um den Körper zu sezieren und zu artikulieren, und entwickelt eine Methode, die wie eine Zeichnung funktioniert – Formen und Linien nachzeichnen, den Körper in einer Pose des Trotzes darstellen und den Widerstand durch körperlichen und sprachlichen Ausdruck einfangen. Blackbirds vertieft sich in die nuancierte Entwicklung der Bindung eines Individuums an seine grundlegende Sprache und zeichnet eine Reise von den ersten Lernphasen bis zum letztendlichen, unvermeidlichen Rückgang des sprachlichen Engagements nach. Zusammen beleuchten diese Texte Thomsens Auseinandersetzung damit, wie man sein körperliches und sprachliches Selbst in der Welt darstellt und wahrnimmt. 

JESPER LIST THOMSEN (geb. 1978, Dänemark) ist ein in London und Turin ansässiger Künstler. Er arbeitet mit Text, Malerei, Skulptur und Performance. Jüngste Ausstellungen und Performances fanden statt im MACRO, Rom; Kölnischer Kunstverein, Köln; West Den Haag, Den Haag; Braunsfelder, Köln; Fanta-MLN, Mailand; Radio Athènes, Athen; Hot Wheels Athens, Athen; Parrhesiades, London; ICA, London; Künstlerhaus Stuttgart, Stuttgart; Bureau des Réalités, Brüssel. BASE BASE, eine Sammlung seiner Schriften in Buchform, wurde 2018 von Juan de la Cosa, Mexiko-Stadt/London veröffentlicht, und sein Buch FREEEee wurde 2021 von L’Esprit de l’Escalier, London/Helsinki herausgegeben.

Diese Publikation erscheint anlässlich der Ausstellung The Weight of the Concrete von Ezio Gribaudo in einer Szenografie von Davide Stucchi. Es ist die siebente einer Reihe von kleinen Ausgaben mit visuellen Beiträgen, Korrespondenzen und Gesprächen, die das Ausstellungsprogramm des Grazer Kunstvereins begleiten.

Dieser Band enthält fotografische Auszüge aus Ezio Gribaudos Serie von achromatisch geprägten “Logogrifi”-Büchern in limitierter Auflage, erstellt zwischen 1965 und 1972. Diese Werke stellen die konventionelle Beziehung zwischen Tinte und Material im Druck heraus, indem sie Prägungen nutzen, um den greifbaren Prozess der Erstellung von Druckerzeugnissen zu betonen. Eines der Schlüsselelemente von Gribaudos Arbeit ist der “Logogrifo” (Logogriph), ein Worträtsel, das sich vom Griechischen “logos” (Wort) und “griphos” (Rätsel) ableitet. Typischerweise beinhaltet der Logogriph, oder ein Rätsel in Versform, das Verändern von Wörtern, indem man einen Buchstaben nach dem anderen hinzufügt, entfernt oder ändert, um andere Wörter zu bilden. In Gribaudos Interpretation schwingt ein Logogrifo zwischen Lesbarkeit und Abstraktion und dient sowohl als lesbare Form als auch als Tor zu einer rätselhaften Welt, in der sich Bild und Sprache, von ihren Ursprüngen gelöst, vereinen. Diese Publikation präsentiert eine Auswahl von Seiten aus den “Logogrifi”-Büchern, einzigartig ergänzt durch eine Intervention auf dem Rückendeckel von Davide Stucchi als konzeptionelle und poetische Antwort auf seinen Titel.

Herausgeber*in: Tom Engels, Lilou Vidal
Bilder: Ezio Gribaudo
Intervention: Davide Stucchi
Grafik: Julie Peeters
Fotografie: Martteo Ninarello, Martina Caravella
Auflage: 350
Schriftart: Kleisch GK von Chiachi Chao
64 Seiten, s/w
ISBN: 978-3-9505230-6-5
Preis: 9,- Euro, 5,- Euro für Mitglieder