Curtis Cuffie’s New York City ist eine Ausstellung von Fotografien der öffentlichen Kunst von Curtis Cuffie. 

Curtis Cuffie war bis zu seinem Tod im Jahr 2002 im Alter von siebenundvierzig Jahren eine öffentliche Figur im East Village. Bis zu seinem Lebensende veröffentlichte  Cuffie Hunderte, vielleicht Tausende von mysteriösen, unwahrscheinlichen Kunstwerken in den Straßen von New York. Dazu fischte er aus den Überresten der Stadt und kleidete sie in tobende Assemblagen aus weggeworfenen Gegenständen, Stoffen und gewöhnlichen Dingen, die von dem erzählen, was wir sind. Diese Arbeiten hatten kaum ein Ende: Dinge kamen und gingen, Materialien wurden angepasst und verändert, und regelmäßig wurden Werke von der Straßenreinigung und der Polizei zerstört. Wenig davon hat überlebt. Folglich ist die Betrachtung von Cuffies Skulpturen heute in der Regel eine Begegnung aus zweiter Hand, gefiltert durch die Perspektiven derjenigen, die sie fotografiert haben, seien es Freund*innen oder Geliebte, Künstler*innen oder unbekannte Passant*innen. 

Curtis Cuffie’s New York City präsentiert die Kunst von Curtis Cuffie, wie sie von Katy Abel, Tom Warren und Cuffie selbst fotografiert wurde. Die Ausstellung umfasst etwa siebenhundert Fotografien aus den 1990er Jahren und wird durch eine Reihe von analogen Diaprojektoren zum Leben erweckt, die drei verschiedene Bildsprachen präsentieren: Abels Verwendung leuchtender Farben, Warrens nüchterne, fast reportageartige Schwarz-Weiß-Bilder und Cuffies eigene dynamische, abstrakte und manchmal zerrüttete Fotokompositionen. Diese Bilder, die auftauchen und wieder verschwinden, erzeugen ein spürbares Gefühl von Bewegung und Vergänglichkeit, das dem Wesen von Cuffies Kunst und der Stadt entspricht, in der sie sich befand.

Zu Curtis Cuffie’s New York City erscheint eine gleichnamige Publikation mit einer Auswahl von Cuffies Farb- und Schwarz-Weiß-Fotografien, herausgegeben von Tom Engels und gestaltet von Julie Peeters. 

Curtis Cuffie’s New York City wird von Tom Engels in Zusammenarbeit mit Robert Snowden kuratiert. Die Ausstellung wird durch die unschätzbare Unterstützung von Carol Thompson ermöglicht, die das Archiv von Curtis Cuffie pflegt, zusammen mit den großzügigen Beiträgen von Katy Abel und Tom Warren.

CURTIS CUFFIE (1955-2002) war ein Künstler, der im East Village von New York City lebte. Er stammte ursprünglich aus Hartsville, South Carolina, zog mit fünfzehn Jahren nach Brooklyn und ließ sich schließlich in Manhattan nieder, zunächst in der Nähe des Bryant Park und später in der Bowery, wo er über weite Strecken seines Lebens wohnungslos lebte. Artforum, The New York Times und The Village Voice berichteten über seine Arbeit und er hatte Einzelausstellungen im Flamingo East, Tribes und in der 4th Street Photo Gallery, alle in New York. Im Laufe seines Lebens war Cuffie in fast einem Dutzend Gruppenausstellungen in den USA vertreten, unter anderem bei Exit Art, American Primitive und im Jamaica Art Center in New York sowie im American Visionary Art Museum in Baltimore. Cuffie war Teil eines dynamischen Kreises von Künstler*innen und Intellektuellen und besaß somit einen wesentlichen Platz in der schwarzen Avantgarde New Yorks. Kürzlich wurde sein Werk in Ausstellungen in ganz New York City präsentiert, darunter Souls Grown Diaspora (2020) im Apexart, kuratiert von Sam Gordon; Greater New York (2021) im MoMA PS1, kuratiert von Ruba Katrib; und Curtis Cuffie (2023) in der Galerie Buchholz, kuratiert von Scott Portnoy. Darüber hinaus veröffentlichte Blank Forms 2023 Curtis Cuffie, ein von Scott Portnoy, Robert Snowden und Ciarán Finlayson herausgegebenes und von Julie Peeters gestaltetes Buch.

Die Ausstellung von Ezio Gribaudo The Weight of the Concrete gipfelt in einer Reihe von Veranstaltungen, die das Nexus von konkreter Poesie, Verlagswesen, Grafikdesign, Typografie, Feminismus und Performance erforschen, inspiriert von Gribaudo und Adriano Spatolas wegweisender Publikation Il Peso del Concreto (1968). Die Serie markiert das Ende einer Ausstellung und bildet den Auftakt für eine bevorstehende Publikation, die von Axis Axis und dem Grazer Kunstverein herausgegeben und von Tom Engels und Lilou Vidal redigiert wird. Darin wird Gribaudos Vermächtnis aufgegriffen und sein grafisches Werk mit neuer und historischer experimenteller Poesie verwoben. Die Veröffentlichung ist im Sommer 2024 geplant.

Die Choreografin und Filmemacherin Eszter Salamon setzt sich erneut mit John Cages Lecture on Nothing (1949) auseinander, einem Stück, mit dem sie sich erstmals 2010 in ihrer Choreografie Dance for Nothing beschäftigte, welche Cages Worte mit ihrer Bewegung verband. Diesmal lässt Salamon die körperlichen Bewegungen hinter sich und konzentriert sich auf den klanglichen Aspekt dieses bahnbrechenden Vortrags über Nichts, Leere und Komposition. Sie verleiht dem Ganzen Tiefe, indem sie den Vortrag nach einer verlangsamten Aufnahme der amerikanischen Cellistin und Komponistin Frances-Marie Uitti wiederholt und so eine auditive Erkundung von Interpretation und Übertragung schafft. Salamons Verschmelzung von Körper, Stimme und Partitur schafft den Rahmen für eine Meditation über das Nichts inmitten der achromatischen, scheinbar stillen Werke Gribaudos .

ESZTER SALAMON ist eine Choreografin, Künstlerin und Performerin, die zwischen Berlin, Paris und Budapest lebt. Salamon nutzt Choreografie als aktivierende und organisierende Kraft zwischen verschiedenen Medien wie Bild, Ton, Musik, Text, Stimme, Körperbewegung und Aktionen. Seit 2001 hat sie Solostücke und groß angelegte Performances, performative Installationen und Filme kreiert, die in internationalen Aufführungsstätten und Museen präsentiert wurden, darunter das Centre Pompidou Paris (FR), MoMA (USA), Museo Reina Sofía (ESP), MACBA Museu d’Art Contemporani de Barcelona (ESP), Serralves Foundation (PT), Akademie der Künste Berlin (DE), mumok (AT), Kunstinstituut Melly (ehemals bekannt als Witte de With Center for Contemporary Art) (NL), Museo Centro Gaiás, Santiago de Compostela (ESP), Fondation Cartier (FR), Museum der Moderne Salzburg (AT), Villa Empain – Boghossian Foundation (BE), ING Art Center (BE), KINDL (DE). Ihre Ausstellung Eszter Salamon 1949 wurde 2014 im Jeu de Paume (F) als Teil von Satellite präsentiert, kuratiert von Nataša Petrešin-Bachelez. Ihre performative Installation Study for the Valeska Gert Pavilion wurde auf der 16. Biennale für zeitgenössische Kunst in Lyon 2022 präsentiert. Ihr jüngster Film Sommerspiele (2023) wurde in der Akademie der Künste, Berlin, uraufgeführt und im Rahmen von Hors Pistes 2024 im Centre Pompidou gezeigt.

Die Ausstellung von Ezio Gribaudo The Weight of the Concrete gipfelt in einer Reihe von Veranstaltungen, die das Nexus von konkreter Poesie, Verlagswesen, Grafikdesign, Typografie, Feminismus und Performance erforschen, inspiriert von Gribaudo und Adriano Spatolas wegweisender Publikation Il Peso del Concreto (1968). Die Serie markiert das Ende einer Ausstellung und bildet den Auftakt für eine bevorstehende Publikation, die von Axis Axis und dem Grazer Kunstverein herausgegeben und von Tom Engels und Lilou Vidal redigiert wird. Darin wird Gribaudos Vermächtnis aufgegriffen und sein grafisches Werk mit neuer und historischer experimenteller Poesie verwoben. Die Veröffentlichung ist im Sommer 2024 geplant.

Andrea di Serego Alighieri wird sich auf das spezifische recto/verso Format von Il Peso del Concreto [The Weight of the Concrete] konzentrieren, da das Buch eine einzigartige Dualität präsentiert: Die eine Seite zeigt Gribaudos Kunstwerk, während die gegenüberliegende Seite eine Anthologie von konkreter Poesie, zusammengestellt vom Dichter Spatola, zeigt. Als Antwort auf diese Anthologie wird er das Werk der italienischen Dichterin Amelia Rosselli (1930–1996) erforschen und ihre einzigartige Perspektive auf das Schreiben als sowohl grafischen als auch körperlichen Akt der Inschrift und Entzifferung untersuchen, ein Wechselspiel, das sie als Verschmelzung von „Muskelbewegungen und mentalen Formen“ beschrieb. Er wird beleuchten, wie dieses Konzept der physischen Einschreibungmit Gribaudos Logogrifi zusammenhängt, indem er die greifbaren und performativen Dimensionen des Blattes erörtert und dies auf seine Forschungen zu geprägten Quetschpapieren ausweitet, die in der Epigraphik zur Archivierung von Inschriften aus der Antike verwendet werden. 

ANDREA DI SEREGO ALIGHIERI (geb. 1988, Italien) ist Schriftsteller, Redakteur und Typograf mit Sitz in Brüssel. Er studierte Grafikdesign an der Gerrit Rietveld Academie und Vergleichende Literaturwissenschaft an der Universität von Amsterdam. Zwischen 2014/2015 war er wissenschaftlicher Mitarbeiter an der Jan van Eyck Academie. Er ist Mitherausgeber von „Resistance“ von Lyn Hejinian (uh books, 2019) und Übersetzer von Simone Fortis L’orso allo specchio (Kunstverein Publishing & Galleria Raffaella Cortese, 2020). Kürzlich war Mitherausgeber und Autor von er Glossator 11 (Open Humanities Press, 2021), FR DAVID „Take, Eat“ (KW Institute for Contemporary Art & uh books, 2022) mit Will Holder und ist der Herausgeber und Übersetzer von A Talk on Metrical Spaces von Amelia Rosselli (erscheint bei The Last Books). Er ist Dozent für Schrift, Typografie und Tutor von Abschlussarbeiten an der Königlichen Akademie der Schönen Künste in Antwerpen sowie Doktorand für mittelalterliche & moderne Sprachen an der Universität von Oxford.

Die Ausstellung von Ezio Gribaudo The Weight of the Concrete gipfelt in einer Reihe von Veranstaltungen, die das Nexus von konkreter Poesie, Verlagswesen, Grafikdesign, Typografie, Feminismus und Performance erforschen, inspiriert von Gribaudo und Adriano Spatolas wegweisender Publikation Il Peso del Concreto (1968). Die Serie markiert das Ende einer Ausstellung und bildet den Auftakt für eine bevorstehende Publikation, die von Axis Axis und dem Grazer Kunstverein herausgegeben und von Tom Engels und Lilou Vidal redigiert wird. Darin wird Gribaudos Vermächtnis aufgegriffen und sein grafisches Werk mit neuer und historischer experimenteller Poesie verwoben. Die Veröffentlichung ist im Sommer 2024 geplant.

In ihrem bevorstehenden Vortrag werden Mónica de la Torre und Alex Balgiu ihre 2020 erschienene Publikation Women in Concrete Poetry: 1959-1979 präsentieren, eine einflussreiche Anthologie, die konkrete Gedichte von Frauen aus den frühen Phasen dieser Avantgarde-Bewegung zusammenstellt. Diese umfassende Sammlung hebt die Beiträge von 50 Schriftstellerinnen und Künstlerinnen aus Europa, Japan, Lateinamerika und den Vereinigten Staaten hervor und zeigt, wie sie traditionelle Konventionen von Genre, Geschlechterrollen und die patriarchalischen Beschränkungen von Sprache und Syntax herausgefordert haben. De la Torre und Balgiu werden den Prozess hinter der Zusammenstellung dieser Anthologie erläutern und ihre persönlichen Reflexionen zur Entstehung dieser Publikation darlegen. Dabei werden sie auf ihre Erfahrungen als Dichter*in, Designer*in und Bibliophile zurückgreifen und das kollektive Bestreben beleuchten, die Grenzen der Poesie neu zu definieren.

MÓNICA DE LA TORRE ist Autorin von sechs Büchern mit Gedichten, von denen das neueste, Repetition Nineteen (Nightboat), sich auf experimentelle Übersetzung konzentriert. Zu ihren weiteren Sammlungen gehören The Happy End/All Welcome (Ugly Duckling Presse)—eine Anspielung auf eine Anspielung auf Kafkas Amerika—und Public Domain. Mehrere ihrer Bücher wurden in Mexiko veröffentlicht, darunter Acúfenos und Taller de Taquimecanografía, die sie gemeinsam mit dem gleichnamigen Künstlerinnenkollektiv, das sie mitbegründet hat, geschrieben hat. Ihre jüngsten Kunsttexte konzentrieren sich auf Cecilia Vicuñas Palabrarmas-Serie, Felix Gonzalez-Torres’ Photostats und Ulises Carrións Buchwerke. Sie hat Women in Concrete Poetry 1959–79 (Primary Information) zusammen mit Alex Balgiu herausgegeben. Sie erhielt 2022 den Foundation for Contemporary Arts C.D. Wright Award for Poetry und 2022 das Creative Capital-Stipendium und unterrichtet Poesie am Brooklyn College.

ALEX BALGIU ist Pädagoge, Designer-Schriftsteller und Buchsammler im Alter einer Heidelberg GTO 52 Druckpresse. Er beschäftigt sich mit der Gestaltung von Räumen für kollektive Kreativität und experimentiert mit verschiedenen Übertragungsformen. Man kann ihn beim Lesen, Spielen und Veröffentlichen in Lausanne (Écal), Paris (Doc & Pca), Kyoto (Villa Kujoyama) oder in der Buchhandlung nebenan treffen. Oder man greift zu Women in Concrete Poetry: 1959-79, einer Sammlung herausragender konkreter Poesie von Frauen, herausgegeben zusammen mit Mónica de la Torre (NY: Primary Information, 2020). Lieben Sie Bücher auch über die Maßen? Dann machen Sie mit bei Bibliomania, einer fortlaufenden Serie von redaktionellen Puppenspielen, die zusammen mit Olivier Lebrun entwickelt wurde und weltweit tourt. Derzeit lernt er vom Wald und dem Fluss.

Die Ausstellung von Ezio Gribaudo The Weight of the Concrete gipfelt in einer Reihe von Veranstaltungen, die das Nexus von konkreter Poesie, Verlagswesen, Grafikdesign, Typografie, Feminismus und Performance erforschen, inspiriert von Gribaudo und Adriano Spatolas wegweisender Publikation Il Peso del Concreto (1968). Die Serie markiert das Ende einer Ausstellung und bildet den Auftakt für eine bevorstehende Publikation, die von Axis Axis und dem Grazer Kunstverein herausgegeben und von Tom Engels und Lilou Vidal redigiert wird. Darin wird Gribaudos Vermächtnis aufgegriffen und sein grafisches Werk mit neuer und historischer experimenteller Poesie verwoben. Die Veröffentlichung ist im Sommer 2024 geplant.

Als Antwort auf Il Peso del Concreto wird Jesper List Thomsen aus zwei Texten, Avoiding The Genius (2017) und Blackbirds (2018), vortragen, die jeweils die komplexen Verbindungen zwischen Körper, Sprache und Bild entwirren. Avoiding The Genius greift auf die Sprache als Werkzeug zurück, um den Körper zu sezieren und zu artikulieren, und entwickelt eine Methode, die wie eine Zeichnung funktioniert – Formen und Linien nachzeichnen, den Körper in einer Pose des Trotzes darstellen und den Widerstand durch körperlichen und sprachlichen Ausdruck einfangen. Blackbirds vertieft sich in die nuancierte Entwicklung der Bindung eines Individuums an seine grundlegende Sprache und zeichnet eine Reise von den ersten Lernphasen bis zum letztendlichen, unvermeidlichen Rückgang des sprachlichen Engagements nach. Zusammen beleuchten diese Texte Thomsens Auseinandersetzung damit, wie man sein körperliches und sprachliches Selbst in der Welt darstellt und wahrnimmt. 

JESPER LIST THOMSEN (geb. 1978, Dänemark) ist ein in London und Turin ansässiger Künstler. Er arbeitet mit Text, Malerei, Skulptur und Performance. Jüngste Ausstellungen und Performances fanden statt im MACRO, Rom; Kölnischer Kunstverein, Köln; West Den Haag, Den Haag; Braunsfelder, Köln; Fanta-MLN, Mailand; Radio Athènes, Athen; Hot Wheels Athens, Athen; Parrhesiades, London; ICA, London; Künstlerhaus Stuttgart, Stuttgart; Bureau des Réalités, Brüssel. BASE BASE, eine Sammlung seiner Schriften in Buchform, wurde 2018 von Juan de la Cosa, Mexiko-Stadt/London veröffentlicht, und sein Buch FREEEee wurde 2021 von L’Esprit de l’Escalier, London/Helsinki herausgegeben.

Diese Publikation erscheint anlässlich der Ausstellung The Weight of the Concrete von Ezio Gribaudo in einer Szenografie von Davide Stucchi. Es ist die siebente einer Reihe von kleinen Ausgaben mit visuellen Beiträgen, Korrespondenzen und Gesprächen, die das Ausstellungsprogramm des Grazer Kunstvereins begleiten.

Dieser Band enthält fotografische Auszüge aus Ezio Gribaudos Serie von achromatisch geprägten “Logogrifi”-Büchern in limitierter Auflage, erstellt zwischen 1965 und 1972. Diese Werke stellen die konventionelle Beziehung zwischen Tinte und Material im Druck heraus, indem sie Prägungen nutzen, um den greifbaren Prozess der Erstellung von Druckerzeugnissen zu betonen. Eines der Schlüsselelemente von Gribaudos Arbeit ist der “Logogrifo” (Logogriph), ein Worträtsel, das sich vom Griechischen “logos” (Wort) und “griphos” (Rätsel) ableitet. Typischerweise beinhaltet der Logogriph, oder ein Rätsel in Versform, das Verändern von Wörtern, indem man einen Buchstaben nach dem anderen hinzufügt, entfernt oder ändert, um andere Wörter zu bilden. In Gribaudos Interpretation schwingt ein Logogrifo zwischen Lesbarkeit und Abstraktion und dient sowohl als lesbare Form als auch als Tor zu einer rätselhaften Welt, in der sich Bild und Sprache, von ihren Ursprüngen gelöst, vereinen. Diese Publikation präsentiert eine Auswahl von Seiten aus den “Logogrifi”-Büchern, einzigartig ergänzt durch eine Intervention auf dem Rückendeckel von Davide Stucchi als konzeptionelle und poetische Antwort auf seinen Titel.

Herausgeber*in: Tom Engels, Lilou Vidal
Bilder: Ezio Gribaudo
Intervention: Davide Stucchi
Grafik: Julie Peeters
Fotografie: Martteo Ninarello, Martina Caravella
Auflage: 350
Schriftart: Kleisch GK von Chiachi Chao
64 Seiten, s/w
ISBN: 978-3-9505230-6-5
Preis: 9,- Euro, 5,- Euro für Mitglieder

Ezio Gribaudo
Logogrifo, ca. 1967-70.

Siebdruck
Edition: 99
50 x 69 cm
Nummeriert und signiert
€ 600,00* (exkl. MwSt., exkl. Verpackungs- und Versandkosten)

*Die Editionen sind für Mitglieder des Grazer Kunstvereins erhältlich. Es ist möglich, beim Kauf einer Edition Mitglied zu werden.

EZIO GRIBAUDO (1929-2022, Italien) war ein Künstler und Kunstverleger, der in Turin ansässig war. Gribaudos Werk, bekannt für die Verschmelzung von figurativen, textuellen und topografischen Elementen, wurde durch seine Expertise in Typografie, industrieller Druckerei und Verlagswesen geprägt. Er leitete das Verlagshaus Edizione d’Arte Fratelli Pozzo und spielte eine entscheidende Rolle in der Serie Le Grande Monografie von Fabbri Editori, wobei er Monografien von Künstlern wie Karel Appel, Francis Bacon, Alberto Burri, Giorgio de Chirico, Marcel Duchamp, Man Ray, Joan Miró, Henry Moore, Antoni Tàpies unter anderen produzierte. In Zusammenarbeit mit Michel Tapié trug er 1960 zum ICAR (International Center of Aesthetic Research) bei. Gribaudo war auch an kuratorischen Projekten beteiligt, wie der Ausstellung der Peggy Guggenheim Sammlung in der Galleria Civica d’Arte Moderna in Turin 1976 und Jean Dubuffets Ausstellung-Performance CouCou Bazar in der Promotrice delle Belle Arti mit FIAT 1978.

Die künstlerische Laufbahn von Ezio Gribaudo ist durch eine reichhaltige Ausstellungsgeschichte gekennzeichnet. Seit den späten 1950er Jahren wurden seine Werke sowohl in Italien als auch international ausgestellt und sind bis heute zu sehen. Eine kleine Auswahl seiner Einzelausstellungen umfasst: Galleria d’Arte La Bussola, Turin (1959); Galleria Schwarz, Mailand (1967/1972); Galleria la Bertesca, Genua (1967); Galleria Viotti, Turin (1968); Galerie de France, Paris (1968); Kunstverein Göttingen (1971); Petit Palais, Musée d’Art Moderne, Genf (1971); Museum of Modern Art, Rio de Janeiro (1973); Marlborough Graphics Gallery, London (1974); Galleria Michaud, Florenz (1975); Etablissement d’en face, Brüssel (2019); und Galerie Sans Titre, Paris (2022). Darüber hinaus nahm Gribaudo an bedeutenden Ausstellungen teil, wie der 9. Römischen Quadriennale (1965); der 33. Venedig Biennale (1966); Salon de Mai, Paris (1967); Salon de Mayo, Havanna (1967); der 9. Kunstbiennale São Paulo (1967); Stedelijk Van Abbemuseum, Eindhoven (1967); GAM (Galleria Civica d’Arte Moderna), Turin (1967); Salon de Mai, Paris (1968); Museum of Modern Art, Caracas (1968); Die Nationalgalerie, Prag (1969); der 8. Internationalen Ausstellung für Grafik, Ljubljana (1969); der 10. Römischen Quadriennale (1973); Fundação Calouste Gulbenkian, Lissabon (1979); Internationale Ausstellung für Grafik, Bilbao (1982); Grand Palais, Paris (1982); Castello di Rivoli, Rivoli (1986); der Italienische Pavillon auf der 54. Venedig Biennale (2011); Sandretto Re Rebaudengo Foundation, Turin (2015); Peggy Guggenheim Sammlung, Venedig (2016); Museo del Novecento, Mailand (2017); GAM (Galleria Civica d’Arte Moderna), Turin (2017); Pio Pico Gallery, Los Angeles (2020); und MACRO Museum für Zeitgenössische Kunst, Rom (2021).

Ezio Gribaudo
Logogrifo, ca. 1967-70.

Siebdruck
Edition: 99
69 x 50 cm
Nummeriert und signiert
€ 600,00* (exkl. MwSt., exkl. Verpackungs- und Versandkosten)

*Die Editionen sind für Mitglieder des Grazer Kunstvereins erhältlich. Es ist möglich, beim Kauf einer Edition Mitglied zu werden.

EZIO GRIBAUDO (1929-2022, Italien) war ein Künstler und Kunstverleger, der in Turin ansässig war. Gribaudos Werk, bekannt für die Verschmelzung von figurativen, textuellen und topografischen Elementen, wurde durch seine Expertise in Typografie, industrieller Druckerei und Verlagswesen geprägt. Er leitete das Verlagshaus Edizione d’Arte Fratelli Pozzo und spielte eine entscheidende Rolle in der Serie Le Grande Monografie von Fabbri Editori, wobei er Monografien von Künstlern wie Karel Appel, Francis Bacon, Alberto Burri, Giorgio de Chirico, Marcel Duchamp, Man Ray, Joan Miró, Henry Moore, Antoni Tàpies unter anderen produzierte. In Zusammenarbeit mit Michel Tapié trug er 1960 zum ICAR (International Center of Aesthetic Research) bei. Gribaudo war auch an kuratorischen Projekten beteiligt, wie der Ausstellung der Peggy Guggenheim Sammlung in der Galleria Civica d’Arte Moderna in Turin 1976 und Jean Dubuffets Ausstellung-Performance CouCou Bazar in der Promotrice delle Belle Arti mit FIAT 1978.

Die künstlerische Laufbahn von Ezio Gribaudo ist durch eine reichhaltige Ausstellungsgeschichte gekennzeichnet. Seit den späten 1950er Jahren wurden seine Werke sowohl in Italien als auch international ausgestellt und sind bis heute zu sehen. Eine kleine Auswahl seiner Einzelausstellungen umfasst: Galleria d’Arte La Bussola, Turin (1959); Galleria Schwarz, Mailand (1967/1972); Galleria la Bertesca, Genua (1967); Galleria Viotti, Turin (1968); Galerie de France, Paris (1968); Kunstverein Göttingen (1971); Petit Palais, Musée d’Art Moderne, Genf (1971); Museum of Modern Art, Rio de Janeiro (1973); Marlborough Graphics Gallery, London (1974); Galleria Michaud, Florenz (1975); Etablissement d’en face, Brüssel (2019); und Galerie Sans Titre, Paris (2022). Darüber hinaus nahm Gribaudo an bedeutenden Ausstellungen teil, wie der 9. Römischen Quadriennale (1965); der 33. Venedig Biennale (1966); Salon de Mai, Paris (1967); Salon de Mayo, Havanna (1967); der 9. Kunstbiennale São Paulo (1967); Stedelijk Van Abbemuseum, Eindhoven (1967); GAM (Galleria Civica d’Arte Moderna), Turin (1967); Salon de Mai, Paris (1968); Museum of Modern Art, Caracas (1968); Die Nationalgalerie, Prag (1969); der 8. Internationalen Ausstellung für Grafik, Ljubljana (1969); der 10. Römischen Quadriennale (1973); Fundação Calouste Gulbenkian, Lissabon (1979); Internationale Ausstellung für Grafik, Bilbao (1982); Grand Palais, Paris (1982); Castello di Rivoli, Rivoli (1986); der Italienische Pavillon auf der 54. Venedig Biennale (2011); Sandretto Re Rebaudengo Foundation, Turin (2015); Peggy Guggenheim Sammlung, Venedig (2016); Museo del Novecento, Mailand (2017); GAM (Galleria Civica d’Arte Moderna), Turin (2017); Pio Pico Gallery, Los Angeles (2020); und MACRO Museum für Zeitgenössische Kunst, Rom (2021).

The Weight of the Tongue ist ein Klangprogramm, das im Rahmen von The Weight of the Concrete von Ezio Gribaudo präsentiert wird. Es erforscht die Vokalisierung von experimenteller und konkreter Poesie. Das Programm versammelt die Stimmen von Katalin Ladik, Tomaso Binga, CAConrad, Susan Howe und David Grubbs, Nat Marcus, Bryana Fritz, Hanne Lippard und Patrizia Vicinelli. Ihre Beiträge werden während der gesamten Ausstellung zugänglich sein.

Das Programm dient als spekulatives Prelude zu einer kommenden Publikation The Weight of the Concrete (2024), die das redaktionelle Konzept von Il Peso del Concreto (1968) widerspiegelt, welches Gribaudos frühe grafische Arbeiten neben einer Anthologie konkreter Poesie, herausgegeben vom Dichter Adriano Spatola, präsentierte. Die Publikation von 2024 überdenkt und reimaginiert diese Publikation und das Archiv ihrer Entstehung, indem sie Gribaudos grafische Arbeiten mit einer neuen Auswahl historischer und zeitgenössischer konkreter und experimenteller Poesie verbindet.

Katalin Ladik, Nat Marcus und Bryana Fritz werden ihre Beiträge bei der Eröffnung von The Weight of the Concrete am 7. Dezember 2023 um 19:00 Uhr live aufführen.

Susan Howe und David Grubbs, Six Pages from Concordance, 2022. 01:00:00

Katalin Ladik, Lullaby, 1977, Tonaufnahme 2016. 02:11
Katalin Ladik, Psalm, 1977, Tonaufnahme 2016. 01:08
Katalin Ladik, Song for oiled stove tube and female voice, 1977, Tonaufnahme 2016. 01:29

CAConrad, LLTGBR 1, 2023. 00:33
CAConrad, LLTGBR 2, 2023. 00:37

Bryana Fritz, Lingua Ignota, 2023. 6:32

Tomaso Binga, SognOgnor, 1999. 3:25

Nat Marcus, Let Me Roll It, 2023. 4:37

Patrizia Vicinelli, Poesia fonetica da Fondamenti dell’essere, 1985-87, aufgenommen bei Radio Città del Capo, Bologna, 1988. 01:12

Hanne Lippard, Work, 2020. 01:10

Susan Howe (geb. 1937 in den Vereinigten Staaten) und David Grubbs (geb. 1967 in den Vereinigten Staaten) arbeiten seit 2003 zusammen. Aus ihrer letzten Album-Kollaboration, Concordance (Blue Chopsticks, 2021), schufen sie eine 60-minütige Klanginstallation mit dem Titel Six Pages from Concordance. Diese Installation wurde in der Gruppenausstellung Drum Listens to Heart im Jahr 2022, kuratiert von Anthony Huberman, im CCA Wattis Institute for Contemporary Arts in San Francisco gezeigt.

Susan Howe ist eine amerikanische Künstlerin, Dichterin und Schriftstellerin. Howes Poesie hat sich aus ihrer Karriere in Malerei und Zeichnung entwickelt. Eng verbunden mit der Bewegung der Language Poets in den späten 1970er und 1980er Jahren, ist Susan Howes Poesie und Gelehrsamkeit am treffendsten als sprachbasiert und experimentell zu charakterisieren. Sie ist Autorin mehrerer Gedichtsammlungen, darunter Concordance (Paperback, 2020), Debths (New Directions, 2017) und That This (New Directions, 2010) unter vielen anderen. Sie ist auch Autorin von The Gorgeous Nothings ―Emily Dickinson (New Directions, 2013) und Büchern zur Kritik wie The Birth-Mark: Unsettling the Wilderness in American Literary History (1993) und My Emily Dickinson (New Directions, 1985).

David Grubbs ist bekannt für seine fachübergreifende Zusammenarbeit mit der Dichterin Susan Howe, den bildenden Künstler*innen Anthony McCall und Angela Bulloch sowie dem Choreografen Jonah Bokaer. Seine Arbeiten wurden unter anderem im Solomon R. Guggenheim Museum, im MoMA, in der Tate Modern und im Centre Pompidou präsentiert. Grubbs war Mitglied der Gruppen Gastr del Sol, Bastro und Squirrel Bait und hat mit The Red Krayola, Will Oldham, Tony Conrad, Pauline Oliveros, Loren Connors und vielen anderen performt. Er ist Stipendiat der Foundation for Contemporary Arts, Redakteur für Musik bei BOMB Magazine, Mitglied des Vorstands von Blank Forms und Leiter des Plattenlabels Blue Chopsticks.

Katalin Ladik (geb. 1942 in Serbien) lebt und arbeitet in Budapest. Von ihrem Hintergrund in Poesie und Theater in den frühen 1960er Jahren bis heute hat Ladik in ihrer Arbeit vielfältige Formate wie Performance, Klangkunst, Collage, Zeichnung, Mail Art und Fotografie eingesetzt, wobei sie oft auf die multikulturelle und multiethnische Umgebung ihres Heimatlandes Osteuropa zurückgreift. Doch trotz dieser breiten Palette künstlerischer Ausdrucksformen ist Ladiks Arbeit stets in der Poesie verankert, sei es Poesie als Text oder Poesie in einem erweiterten Sinne, wie konkrete und visuelle Poesie, musikalische Poesie und poetische Performance. Ihre jüngste Ausstellung, Ooooooooo-pus, ist eine Retrospektive, die gemeinsam vom Haus der Kunst in München (2023), dem Ludwig Forum in Aachen (2023) und dem Moderna Museet in Stockholm (2024) organisiert wurde.

CAConrad (geb. 1966 in den Vereinigten Staaten) arbeitet seit 1975 mit den alten Technologien der Poesie und des Rituals. Ihr neuestes Buch ist Listen to the Golden Boomerang Return (Wave Books / UK Penguin 2024). Sie erhielten den Ruth Lily Poetry Prize, einen PEN Josephine Miles Award, ein Creative Capital-Stipendium, ein Pew Fellowship und einen Lambda Award. Sie stellen kürzlich Gedichte als Kunstobjekte in Einzelausstellungen in Spanien und Portugal aus und ihr Stück The Obituary Show wurde 2022 vom Künstler Augusto Cascales verfilmt.

Bryana Fritz (geb. 1989 in den Vereinigten Staaten) ist Choreografin, Tänzerin und Schriftstellerin. Sie arbeitet an der Schnittstelle zwischen Poesie und Performance, oft im Duett mit der Benutzeroberfläche von OS X. Ihre Arbeit wird von einem anhaltenden Interesse an mittelalterlicher Literatur, Fanfiction, Medienwissenschaften und Analphabetismus-Geschichten gespeist. Sie arbeitet auch mit Henry Andersen unter dem Pseudonym Slow Reading Club zusammen. Als Performerin arbeitete Fritz mit Anne Teresa de Keersmaeker, Xavier le Roy, Boris Charmatz, Michiel Vandevelde und Femke Gyselinck.

Tomaso Binga (geb. 1931 in Italien) ist seit 1970 eine wichtige Figur in der Avantgarde-Kunstszene Roms. Tomaso Binga – ein Pseudonym, das gewählt wurde, um geschlechtsspezifische kulturelle Privilegien zu kritisieren – hat ihre Arbeit in Bereichen wie Performance, Collage, Videokunst, klanglicher Poesie und Malerei entwickelt. Ihre Arbeit verbindet auf charakteristische Weise verschiedene Elemente – von Schreiben über Gesten bis hin zu Bildern – und erforscht oft die Grenzen der Bedeutung. Sie hat an Ausstellungen wie der Biennale von Venedig, der Biennale von São Paulo, dem Festival International d’Art Vivant in Lyon, der Quadriennale von Rom und der J. Klemm Foundation in Buenos Aires teilgenommen. 2024 wird sie eine Einzelausstellung im Museo Madre in Neapel haben. Kürzlich hat sie auch an Ausstellungen in der Galerie Centre d’Art Contemporain in Noisy le Sec (2023), im Mimosa House in London (2019), in der Galleria Nazionale in Rom (2017), in der Accademia d’Ungheria e Casa delle Letterature in Rom, in der Sala Santa Rita in Rom (2014), im Museo Madre in Neapel (2013) und im Palazzo delle Esposizioni in Rom (2013) teilgenommen.

Nat Marcus (geb. 1993 in den Vereinigten Staaten) ist Dichterin, Designerin, DJane und Mitherausgeberin von TABLOID Press, einem 2014 in Berlin gegründeten Verlag und Medienimprint. Ihre Poesie, Kunstkritik und lyrischer Journalismus sind kürzlich in Arts of the Working Class, The Ransom Note und Edit erschienen. Marcus hat an Poesie-Lesungen und Performances in Orten wie dem KW Institute for Contemporary Art (Berlin), dem Haus am Waldsee (Berlin) und dem Ny Carlsberg Glyptotek (Kopenhagen) teilgenommen. In den letzten Jahren hat sie auch in SYSTEMA (Marseille), Kunstverein München (München), Mint (Stockholm) und Felix Gaudlitz (Wien) ausgestellt. Sie hat eine Residency beim Berliner Radiosender Refuge Worldwide und hat als Sängerin mit Ulla Straus, exael, Perila und Soho Rezanejad zusammengearbeitet. Neben den Kollektionen von Siebdruck-Kleidung, die Marcus unter dem TABLOID-Imprint entwirft und veröffentlicht, hat sie Grafiken für zahlreiche Plattenlabels und Kollektive wie Uzuri, West Mineral Ltd., 3XL, Ediciones Capablanca und Morph produziert.

Patrizia Vicinelli (1943-1991 in Italien) spielte eine zentrale Rolle in der künstlerischen und politischen Aktivismus-Szene Italiens. Als einflussreiche Figur in der Underground-Bewegung war sie aktives Mitglied der Gruppe 63, einer neo-avantgardistischen literarischen Gruppe. Ihr Engagement mit Künstlern und Dichtern wie Emilio Villa, Adriano Spatola und Aldo Braibanti zeugt von ihren einflussreichen Verbindungen. Darüber hinaus unterstrichen Vicinellis Interaktionen mit Persönlichkeiten des italienischen experimentellen Kinos der 1970er Jahre, wie Alberto Grifi und Gianni Castagnoli, ihre vielfältigen und wirkungsvollen Beiträge zur italienischen Kulturszene.

Hanne Lippard (geboren 1984 in Großbritannien) erforscht vorrangig die Stimme als künstlerisches Medium. Ihre Ausbildung im Grafikdesign unterstreicht ihr Interesse an den visuellen und sozialen Kräften der Sprache. Ihre Texte sind mehr als nur informativ; sie sind visuell, rhythmisch und performativ. Im Rahmen der großen Figuren des Feminismus hinterfragt ihr Werk die Emanzipation und soziale Entfremdung des Wortes in unserem hypervernetzten Zeitalter. Sie hat den Preis der Nationalgalerie 2024, Hamburger Bahnhof, Berlin, erhalten. Ihre jüngsten Aufführungen und Ausstellungen umfassen The Myths and Realities of Achieving Financial Independence, CCA Berlin – Center for Contemporary Arts, Berlin (2022); Le langage est une peau, FRAC Lorraine, Metz (2021); Contact, Mood, Share, MHKA, Antwerpen (2021); RIBOCA2, Riga (2020); ART 4 ALL, Hamburger Bahnhof, Berlin (2020); und Our present, Museum für Gegenwartskunst, Siegen (2020), unter anderem.

The Weight of the Tongue ist ein Klangprogramm, das im Rahmen von The Weight of the Concrete von Ezio Gribaudo präsentiert wird. Es erforscht die Vokalisierung von experimenteller und konkreter Poesie. Das Programm versammelt die Stimmen von Katalin Ladik, Tomaso Binga, CAConrad, Susan Howe und David Grubbs, Nat Marcus, Bryana Fritz, Hanne Lippard und Patrizia Vicinelli.

Anlässlich der Eröffnung von The Weight of the Concrete werden Katalin Ladik, Nat Marcus und Bryana Fritz live Aufführungen ihrer Beiträge präsentieren.

Katalin Ladik (geb. 1942 in Serbien) lebt und arbeitet in Budapest. Von ihrem Hintergrund in Poesie und Theater in den frühen 1960er Jahren bis heute hat Ladik in ihrer Arbeit vielfältige Formate wie Performance, Klangkunst, Collage, Zeichnung, Mail Art und Fotografie eingesetzt, wobei sie oft auf die multikulturelle und multiethnische Umgebung ihres Heimatlandes Osteuropa zurückgreift. Doch trotz dieser breiten Palette künstlerischer Ausdrucksformen ist Ladiks Arbeit stets in der Poesie verankert, sei es Poesie als Text oder Poesie in einem erweiterten Sinne, wie konkrete und visuelle Poesie, musikalische Poesie und poetische Performance. Ihre jüngste Ausstellung, Ooooooooo-pus, ist eine Retrospektive, die gemeinsam vom Haus der Kunst in München (2023), dem Ludwig Forum in Aachen (2023) und dem Moderna Museet in Stockholm (2024) organisiert wurde.

Bryana Fritz (geb. 1989 in den Vereinigten Staaten) ist Choreografin, Tänzerin und Schriftstellerin. Sie arbeitet an der Schnittstelle zwischen Poesie und Performance, oft im Duett mit der Benutzeroberfläche von OS X. Ihre Arbeit wird von einem anhaltenden Interesse an mittelalterlicher Literatur, Fanfiction, Medienwissenschaften und Analphabetismus-Geschichten gespeist. Sie arbeitet auch mit Henry Andersen unter dem Pseudonym Slow Reading Club zusammen. Als Performerin arbeitete Fritz mit Anne Teresa de Keersmaeker, Xavier le Roy, Boris Charmatz, Michiel Vandevelde und Femke Gyselinck.

Nat Marcus (geb. 1993 in den Vereinigten Staaten) ist Dichterin, Designerin, DJane und Mitherausgeberin von TABLOID Press, einem 2014 in Berlin gegründeten Verlag und Medienimprint. Ihre Poesie, Kunstkritik und lyrischer Journalismus sind kürzlich in Arts of the Working Class, The Ransom Note und Edit erschienen. Marcus hat an Poesie-Lesungen und Performances in Orten wie dem KW Institute for Contemporary Art (Berlin), dem Haus am Waldsee (Berlin) und dem Ny Carlsberg Glyptotek (Kopenhagen) teilgenommen. In den letzten Jahren hat sie auch in SYSTEMA (Marseille), Kunstverein München (München), Mint (Stockholm) und Felix Gaudlitz (Wien) ausgestellt. Sie hat eine Residency beim Berliner Radiosender Refuge Worldwide und hat als Sängerin mit Ulla Straus, exael, Perila und Soho Rezanejad zusammengearbeitet. Neben den Kollektionen von Siebdruck-Kleidung, die Marcus unter dem TABLOID-Imprint entwirft und veröffentlicht, hat sie Grafiken für zahlreiche Plattenlabels und Kollektive wie Uzuri, West Mineral Ltd., 3XL, Ediciones Capablanca und Morph produziert.