Ezio Gribaudo
Logogrifo, ca. 1967-70.
Siebdruck
Edition: 99
50 x 69 cm
Nummeriert und signiert
€ 600,00* (exkl. MwSt., exkl. Verpackungs- und Versandkosten)
*Die Editionen sind für Mitglieder des Grazer Kunstvereins erhältlich. Es ist möglich, beim Kauf einer Edition Mitglied zu werden.
EZIO GRIBAUDO (1929-2022, Italien) war ein Künstler und Kunstverleger, der in Turin ansässig war. Gribaudos Werk, bekannt für die Verschmelzung von figurativen, textuellen und topografischen Elementen, wurde durch seine Expertise in Typografie, industrieller Druckerei und Verlagswesen geprägt. Er leitete das Verlagshaus Edizione d’Arte Fratelli Pozzo und spielte eine entscheidende Rolle in der Serie Le Grande Monografie von Fabbri Editori, wobei er Monografien von Künstlern wie Karel Appel, Francis Bacon, Alberto Burri, Giorgio de Chirico, Marcel Duchamp, Man Ray, Joan Miró, Henry Moore, Antoni Tàpies unter anderen produzierte. In Zusammenarbeit mit Michel Tapié trug er 1960 zum ICAR (International Center of Aesthetic Research) bei. Gribaudo war auch an kuratorischen Projekten beteiligt, wie der Ausstellung der Peggy Guggenheim Sammlung in der Galleria Civica d’Arte Moderna in Turin 1976 und Jean Dubuffets Ausstellung-Performance CouCou Bazar in der Promotrice delle Belle Arti mit FIAT 1978.
Die künstlerische Laufbahn von Ezio Gribaudo ist durch eine reichhaltige Ausstellungsgeschichte gekennzeichnet. Seit den späten 1950er Jahren wurden seine Werke sowohl in Italien als auch international ausgestellt und sind bis heute zu sehen. Eine kleine Auswahl seiner Einzelausstellungen umfasst: Galleria d’Arte La Bussola, Turin (1959); Galleria Schwarz, Mailand (1967/1972); Galleria la Bertesca, Genua (1967); Galleria Viotti, Turin (1968); Galerie de France, Paris (1968); Kunstverein Göttingen (1971); Petit Palais, Musée d’Art Moderne, Genf (1971); Museum of Modern Art, Rio de Janeiro (1973); Marlborough Graphics Gallery, London (1974); Galleria Michaud, Florenz (1975); Etablissement d’en face, Brüssel (2019); und Galerie Sans Titre, Paris (2022). Darüber hinaus nahm Gribaudo an bedeutenden Ausstellungen teil, wie der 9. Römischen Quadriennale (1965); der 33. Venedig Biennale (1966); Salon de Mai, Paris (1967); Salon de Mayo, Havanna (1967); der 9. Kunstbiennale São Paulo (1967); Stedelijk Van Abbemuseum, Eindhoven (1967); GAM (Galleria Civica d’Arte Moderna), Turin (1967); Salon de Mai, Paris (1968); Museum of Modern Art, Caracas (1968); Die Nationalgalerie, Prag (1969); der 8. Internationalen Ausstellung für Grafik, Ljubljana (1969); der 10. Römischen Quadriennale (1973); Fundação Calouste Gulbenkian, Lissabon (1979); Internationale Ausstellung für Grafik, Bilbao (1982); Grand Palais, Paris (1982); Castello di Rivoli, Rivoli (1986); der Italienische Pavillon auf der 54. Venedig Biennale (2011); Sandretto Re Rebaudengo Foundation, Turin (2015); Peggy Guggenheim Sammlung, Venedig (2016); Museo del Novecento, Mailand (2017); GAM (Galleria Civica d’Arte Moderna), Turin (2017); Pio Pico Gallery, Los Angeles (2020); und MACRO Museum für Zeitgenössische Kunst, Rom (2021).
Ezio Gribaudo
Logogrifo, ca. 1967-70.
Siebdruck
Edition: 99
69 x 50 cm
Nummeriert und signiert
€ 600,00* (exkl. MwSt., exkl. Verpackungs- und Versandkosten)
*Die Editionen sind für Mitglieder des Grazer Kunstvereins erhältlich. Es ist möglich, beim Kauf einer Edition Mitglied zu werden.
EZIO GRIBAUDO (1929-2022, Italien) war ein Künstler und Kunstverleger, der in Turin ansässig war. Gribaudos Werk, bekannt für die Verschmelzung von figurativen, textuellen und topografischen Elementen, wurde durch seine Expertise in Typografie, industrieller Druckerei und Verlagswesen geprägt. Er leitete das Verlagshaus Edizione d’Arte Fratelli Pozzo und spielte eine entscheidende Rolle in der Serie Le Grande Monografie von Fabbri Editori, wobei er Monografien von Künstlern wie Karel Appel, Francis Bacon, Alberto Burri, Giorgio de Chirico, Marcel Duchamp, Man Ray, Joan Miró, Henry Moore, Antoni Tàpies unter anderen produzierte. In Zusammenarbeit mit Michel Tapié trug er 1960 zum ICAR (International Center of Aesthetic Research) bei. Gribaudo war auch an kuratorischen Projekten beteiligt, wie der Ausstellung der Peggy Guggenheim Sammlung in der Galleria Civica d’Arte Moderna in Turin 1976 und Jean Dubuffets Ausstellung-Performance CouCou Bazar in der Promotrice delle Belle Arti mit FIAT 1978.
Die künstlerische Laufbahn von Ezio Gribaudo ist durch eine reichhaltige Ausstellungsgeschichte gekennzeichnet. Seit den späten 1950er Jahren wurden seine Werke sowohl in Italien als auch international ausgestellt und sind bis heute zu sehen. Eine kleine Auswahl seiner Einzelausstellungen umfasst: Galleria d’Arte La Bussola, Turin (1959); Galleria Schwarz, Mailand (1967/1972); Galleria la Bertesca, Genua (1967); Galleria Viotti, Turin (1968); Galerie de France, Paris (1968); Kunstverein Göttingen (1971); Petit Palais, Musée d’Art Moderne, Genf (1971); Museum of Modern Art, Rio de Janeiro (1973); Marlborough Graphics Gallery, London (1974); Galleria Michaud, Florenz (1975); Etablissement d’en face, Brüssel (2019); und Galerie Sans Titre, Paris (2022). Darüber hinaus nahm Gribaudo an bedeutenden Ausstellungen teil, wie der 9. Römischen Quadriennale (1965); der 33. Venedig Biennale (1966); Salon de Mai, Paris (1967); Salon de Mayo, Havanna (1967); der 9. Kunstbiennale São Paulo (1967); Stedelijk Van Abbemuseum, Eindhoven (1967); GAM (Galleria Civica d’Arte Moderna), Turin (1967); Salon de Mai, Paris (1968); Museum of Modern Art, Caracas (1968); Die Nationalgalerie, Prag (1969); der 8. Internationalen Ausstellung für Grafik, Ljubljana (1969); der 10. Römischen Quadriennale (1973); Fundação Calouste Gulbenkian, Lissabon (1979); Internationale Ausstellung für Grafik, Bilbao (1982); Grand Palais, Paris (1982); Castello di Rivoli, Rivoli (1986); der Italienische Pavillon auf der 54. Venedig Biennale (2011); Sandretto Re Rebaudengo Foundation, Turin (2015); Peggy Guggenheim Sammlung, Venedig (2016); Museo del Novecento, Mailand (2017); GAM (Galleria Civica d’Arte Moderna), Turin (2017); Pio Pico Gallery, Los Angeles (2020); und MACRO Museum für Zeitgenössische Kunst, Rom (2021).
The Weight of the Tongue ist ein Klangprogramm, das im Rahmen von The Weight of the Concrete von Ezio Gribaudo präsentiert wird. Es erforscht die Vokalisierung von experimenteller und konkreter Poesie. Das Programm versammelt die Stimmen von Katalin Ladik, Tomaso Binga, CAConrad, Susan Howe und David Grubbs, Nadia Marcus, Bryana Fritz, Hanne Lippard und Patrizia Vicinelli. Ihre Beiträge werden während der gesamten Ausstellung zugänglich sein.
Das Programm dient als spekulatives Prelude zu einer kommenden Publikation The Weight of the Concrete (2024), die das redaktionelle Konzept von Il Peso del Concreto (1968) widerspiegelt, welches Gribaudos frühe grafische Arbeiten neben einer Anthologie konkreter Poesie, herausgegeben vom Dichter Adriano Spatola, präsentierte. Die Publikation von 2024 überdenkt und reimaginiert diese Publikation und das Archiv ihrer Entstehung, indem sie Gribaudos grafische Arbeiten mit einer neuen Auswahl historischer und zeitgenössischer konkreter und experimenteller Poesie verbindet.
Katalin Ladik, Nadia Marcus und Bryana Fritz werden ihre Beiträge bei der Eröffnung von The Weight of the Concrete am 7. Dezember 2023 um 19:00 Uhr live aufführen.
Susan Howe und David Grubbs, Six Pages from Concordance, 2022. 01:00:00
Katalin Ladik, Lullaby, 1977, Tonaufnahme 2016. 02:11
Katalin Ladik, Psalm, 1977, Tonaufnahme 2016. 01:08
Katalin Ladik, Song for oiled stove tube and female voice, 1977, Tonaufnahme 2016. 01:29
CAConrad, LLTGBR 1, 2023. 00:33
CAConrad, LLTGBR 2, 2023. 00:37
Bryana Fritz, Lingua Ignota, 2023. 6:32
Tomaso Binga, SognOgnor, 1999. 3:25
Nadia Marcus, Let Me Roll It, 2023. 4:37
Patrizia Vicinelli, Poesia fonetica da Fondamenti dell’essere, 1985-87, aufgenommen bei Radio Città del Capo, Bologna, 1988. 01:12
Hanne Lippard, Work, 2020. 01:10
Susan Howe (geb. 1937 in den Vereinigten Staaten) und David Grubbs (geb. 1967 in den Vereinigten Staaten) arbeiten seit 2003 zusammen. Aus ihrer letzten Album-Kollaboration, Concordance (Blue Chopsticks, 2021), schufen sie eine 60-minütige Klanginstallation mit dem Titel Six Pages from Concordance. Diese Installation wurde in der Gruppenausstellung Drum Listens to Heart im Jahr 2022, kuratiert von Anthony Huberman, im CCA Wattis Institute for Contemporary Arts in San Francisco gezeigt.
Susan Howe ist eine amerikanische Künstlerin, Dichterin und Schriftstellerin. Howes Poesie hat sich aus ihrer Karriere in Malerei und Zeichnung entwickelt. Eng verbunden mit der Bewegung der Language Poets in den späten 1970er und 1980er Jahren, ist Susan Howes Poesie und Gelehrsamkeit am treffendsten als sprachbasiert und experimentell zu charakterisieren. Sie ist Autorin mehrerer Gedichtsammlungen, darunter Concordance (Paperback, 2020), Debths (New Directions, 2017) und That This (New Directions, 2010) unter vielen anderen. Sie ist auch Autorin von The Gorgeous Nothings ―Emily Dickinson (New Directions, 2013) und Büchern zur Kritik wie The Birth-Mark: Unsettling the Wilderness in American Literary History (1993) und My Emily Dickinson (New Directions, 1985).
David Grubbs ist bekannt für seine fachübergreifende Zusammenarbeit mit der Dichterin Susan Howe, den bildenden Künstler*innen Anthony McCall und Angela Bulloch sowie dem Choreografen Jonah Bokaer. Seine Arbeiten wurden unter anderem im Solomon R. Guggenheim Museum, im MoMA, in der Tate Modern und im Centre Pompidou präsentiert. Grubbs war Mitglied der Gruppen Gastr del Sol, Bastro und Squirrel Bait und hat mit The Red Krayola, Will Oldham, Tony Conrad, Pauline Oliveros, Loren Connors und vielen anderen performt. Er ist Stipendiat der Foundation for Contemporary Arts, Redakteur für Musik bei BOMB Magazine, Mitglied des Vorstands von Blank Forms und Leiter des Plattenlabels Blue Chopsticks.
Katalin Ladik (geb. 1942 in Serbien) lebt und arbeitet in Budapest. Von ihrem Hintergrund in Poesie und Theater in den frühen 1960er Jahren bis heute hat Ladik in ihrer Arbeit vielfältige Formate wie Performance, Klangkunst, Collage, Zeichnung, Mail Art und Fotografie eingesetzt, wobei sie oft auf die multikulturelle und multiethnische Umgebung ihres Heimatlandes Osteuropa zurückgreift. Doch trotz dieser breiten Palette künstlerischer Ausdrucksformen ist Ladiks Arbeit stets in der Poesie verankert, sei es Poesie als Text oder Poesie in einem erweiterten Sinne, wie konkrete und visuelle Poesie, musikalische Poesie und poetische Performance. Ihre jüngste Ausstellung, Ooooooooo-pus, ist eine Retrospektive, die gemeinsam vom Haus der Kunst in München (2023), dem Ludwig Forum in Aachen (2023) und dem Moderna Museet in Stockholm (2024) organisiert wurde.
CAConrad (geb. 1966 in den Vereinigten Staaten) arbeitet seit 1975 mit den alten Technologien der Poesie und des Rituals. Ihr neuestes Buch ist Listen to the Golden Boomerang Return (Wave Books / UK Penguin 2024). Sie erhielten den Ruth Lily Poetry Prize, einen PEN Josephine Miles Award, ein Creative Capital-Stipendium, ein Pew Fellowship und einen Lambda Award. Sie stellen kürzlich Gedichte als Kunstobjekte in Einzelausstellungen in Spanien und Portugal aus und ihr Stück The Obituary Show wurde 2022 vom Künstler Augusto Cascales verfilmt.
Bryana Fritz (geb. 1989 in den Vereinigten Staaten) ist Choreografin, Tänzerin und Schriftstellerin. Sie arbeitet an der Schnittstelle zwischen Poesie und Performance, oft im Duett mit der Benutzeroberfläche von OS X. Ihre Arbeit wird von einem anhaltenden Interesse an mittelalterlicher Literatur, Fanfiction, Medienwissenschaften und Analphabetismus-Geschichten gespeist. Sie arbeitet auch mit Henry Andersen unter dem Pseudonym Slow Reading Club zusammen. Als Performerin arbeitete Fritz mit Anne Teresa de Keersmaeker, Xavier le Roy, Boris Charmatz, Michiel Vandevelde und Femke Gyselinck.
Tomaso Binga (geb. 1931 in Italien) ist seit 1970 eine wichtige Figur in der Avantgarde-Kunstszene Roms. Tomaso Binga – ein Pseudonym, das gewählt wurde, um geschlechtsspezifische kulturelle Privilegien zu kritisieren – hat ihre Arbeit in Bereichen wie Performance, Collage, Videokunst, klanglicher Poesie und Malerei entwickelt. Ihre Arbeit verbindet auf charakteristische Weise verschiedene Elemente – von Schreiben über Gesten bis hin zu Bildern – und erforscht oft die Grenzen der Bedeutung. Sie hat an Ausstellungen wie der Biennale von Venedig, der Biennale von São Paulo, dem Festival International d’Art Vivant in Lyon, der Quadriennale von Rom und der J. Klemm Foundation in Buenos Aires teilgenommen. 2024 wird sie eine Einzelausstellung im Museo Madre in Neapel haben. Kürzlich hat sie auch an Ausstellungen in der Galerie Centre d’Art Contemporain in Noisy le Sec (2023), im Mimosa House in London (2019), in der Galleria Nazionale in Rom (2017), in der Accademia d’Ungheria e Casa delle Letterature in Rom, in der Sala Santa Rita in Rom (2014), im Museo Madre in Neapel (2013) und im Palazzo delle Esposizioni in Rom (2013) teilgenommen.
Nadia Marcus (geb. 1993 in den Vereinigten Staaten) ist Dichterin, Designerin, DJane und Mitherausgeberin von TABLOID Press, einem 2014 in Berlin gegründeten Verlag und Medienimprint. Ihre Poesie, Kunstkritik und lyrischer Journalismus sind kürzlich in Arts of the Working Class, The Ransom Note und Edit erschienen. Marcus hat an Poesie-Lesungen und Performances in Orten wie dem KW Institute for Contemporary Art (Berlin), dem Haus am Waldsee (Berlin) und dem Ny Carlsberg Glyptotek (Kopenhagen) teilgenommen. In den letzten Jahren hat sie auch in SYSTEMA (Marseille), Kunstverein München (München), Mint (Stockholm) und Felix Gaudlitz (Wien) ausgestellt. Sie hat eine Residency beim Berliner Radiosender Refuge Worldwide und hat als Sängerin mit Ulla Straus, exael, Perila und Soho Rezanejad zusammengearbeitet. Neben den Kollektionen von Siebdruck-Kleidung, die Marcus unter dem TABLOID-Imprint entwirft und veröffentlicht, hat sie Grafiken für zahlreiche Plattenlabels und Kollektive wie Uzuri, West Mineral Ltd., 3XL, Ediciones Capablanca und Morph produziert.
Patrizia Vicinelli (1943-1991 in Italien) spielte eine zentrale Rolle in der künstlerischen und politischen Aktivismus-Szene Italiens. Als einflussreiche Figur in der Underground-Bewegung war sie aktives Mitglied der Gruppe 63, einer neo-avantgardistischen literarischen Gruppe. Ihr Engagement mit Künstlern und Dichtern wie Emilio Villa, Adriano Spatola und Aldo Braibanti zeugt von ihren einflussreichen Verbindungen. Darüber hinaus unterstrichen Vicinellis Interaktionen mit Persönlichkeiten des italienischen experimentellen Kinos der 1970er Jahre, wie Alberto Grifi und Gianni Castagnoli, ihre vielfältigen und wirkungsvollen Beiträge zur italienischen Kulturszene.
Hanne Lippard (geboren 1984 in Großbritannien) erforscht vorrangig die Stimme als künstlerisches Medium. Ihre Ausbildung im Grafikdesign unterstreicht ihr Interesse an den visuellen und sozialen Kräften der Sprache. Ihre Texte sind mehr als nur informativ; sie sind visuell, rhythmisch und performativ. Im Rahmen der großen Figuren des Feminismus hinterfragt ihr Werk die Emanzipation und soziale Entfremdung des Wortes in unserem hypervernetzten Zeitalter. Sie hat den Preis der Nationalgalerie 2024, Hamburger Bahnhof, Berlin, erhalten. Ihre jüngsten Aufführungen und Ausstellungen umfassen The Myths and Realities of Achieving Financial Independence, CCA Berlin – Center for Contemporary Arts, Berlin (2022); Le langage est une peau, FRAC Lorraine, Metz (2021); Contact, Mood, Share, MHKA, Antwerpen (2021); RIBOCA2, Riga (2020); ART 4 ALL, Hamburger Bahnhof, Berlin (2020); und Our present, Museum für Gegenwartskunst, Siegen (2020), unter anderem.
The Weight of the Tongue ist ein Klangprogramm, das im Rahmen von The Weight of the Concrete von Ezio Gribaudo präsentiert wird. Es erforscht die Vokalisierung von experimenteller und konkreter Poesie. Das Programm versammelt die Stimmen von Katalin Ladik, Tomaso Binga, CAConrad, Susan Howe und David Grubbs, Nadia Marcus, Bryana Fritz, Hanne Lippard und Patrizia Vicinelli.
Anlässlich der Eröffnung von The Weight of the Concrete werden Katalin Ladik, Nadia Marcus und Bryana Fritz live Aufführungen ihrer Beiträge präsentieren.
Katalin Ladik (geb. 1942 in Serbien) lebt und arbeitet in Budapest. Von ihrem Hintergrund in Poesie und Theater in den frühen 1960er Jahren bis heute hat Ladik in ihrer Arbeit vielfältige Formate wie Performance, Klangkunst, Collage, Zeichnung, Mail Art und Fotografie eingesetzt, wobei sie oft auf die multikulturelle und multiethnische Umgebung ihres Heimatlandes Osteuropa zurückgreift. Doch trotz dieser breiten Palette künstlerischer Ausdrucksformen ist Ladiks Arbeit stets in der Poesie verankert, sei es Poesie als Text oder Poesie in einem erweiterten Sinne, wie konkrete und visuelle Poesie, musikalische Poesie und poetische Performance. Ihre jüngste Ausstellung, Ooooooooo-pus, ist eine Retrospektive, die gemeinsam vom Haus der Kunst in München (2023), dem Ludwig Forum in Aachen (2023) und dem Moderna Museet in Stockholm (2024) organisiert wurde.
Bryana Fritz (geb. 1989 in den Vereinigten Staaten) ist Choreografin, Tänzerin und Schriftstellerin. Sie arbeitet an der Schnittstelle zwischen Poesie und Performance, oft im Duett mit der Benutzeroberfläche von OS X. Ihre Arbeit wird von einem anhaltenden Interesse an mittelalterlicher Literatur, Fanfiction, Medienwissenschaften und Analphabetismus-Geschichten gespeist. Sie arbeitet auch mit Henry Andersen unter dem Pseudonym Slow Reading Club zusammen. Als Performerin arbeitete Fritz mit Anne Teresa de Keersmaeker, Xavier le Roy, Boris Charmatz, Michiel Vandevelde und Femke Gyselinck.
Nadia Marcus (geb. 1993 in den Vereinigten Staaten) ist Dichterin, Designerin, DJane und Mitherausgeberin von TABLOID Press, einem 2014 in Berlin gegründeten Verlag und Medienimprint. Ihre Poesie, Kunstkritik und lyrischer Journalismus sind kürzlich in Arts of the Working Class, The Ransom Note und Edit erschienen. Marcus hat an Poesie-Lesungen und Performances in Orten wie dem KW Institute for Contemporary Art (Berlin), dem Haus am Waldsee (Berlin) und dem Ny Carlsberg Glyptotek (Kopenhagen) teilgenommen. In den letzten Jahren hat sie auch in SYSTEMA (Marseille), Kunstverein München (München), Mint (Stockholm) und Felix Gaudlitz (Wien) ausgestellt. Sie hat eine Residency beim Berliner Radiosender Refuge Worldwide und hat als Sängerin mit Ulla Straus, exael, Perila und Soho Rezanejad zusammengearbeitet. Neben den Kollektionen von Siebdruck-Kleidung, die Marcus unter dem TABLOID-Imprint entwirft und veröffentlicht, hat sie Grafiken für zahlreiche Plattenlabels und Kollektive wie Uzuri, West Mineral Ltd., 3XL, Ediciones Capablanca und Morph produziert.
The Weight of the Concrete markiert die erste monografische Ausstellung von Ezio Gribaudo (Turin, 1929-2022) in Österreich. Sie dient als umfassende Hommage an seine facettenreiche Karriere und bietet eine ausgedehnte Erkundung seiner Rolle sowohl als Künstler als auch als Verleger. Die Ausstellung entlehnt ihren Namen von Il Peso del Concreto (1968), einem wegweisenden Buch, das Gribaudos frühe grafische Arbeiten zusammen mit einer Anthologie konkreter Poesie, herausgegeben von dem Dichter Adriano Spatola, präsentierte. Im Einklang mit seinem interdisziplinären Ansatz erforscht diese Ausstellung Gribaudos eigenwilliges Œuvre, seine Poetik der Materie und die komplexe Beziehung, die er zwischen Bild und Sprache entwickelte. Gribaudos Werk wird dann durch eine Szenografie, entworfen vom italienischen Künstler Davide Stucchi, in die Gegenwart getragen. Die Ausstellung wird von Tom Engels und Lilou Vidal kuratiert.
Im Zentrum von The Weight of the Concrete stehen die Logogrifi, Gribaudos emblematische Serie, die er ab den 1960er Jahren entwickelte. Sein ganzes Leben lang artikulierten die Logogrifi eine tiefe Verstrickung mit seinen Aktivitäten als Buchmacher sowie seine Faszination für neue industrielle Druckverfahren, Schriftarten, Sprachspiele und Reliefmatrizen. Verankert in sprachlichen oder visuellen Rätseln, ähneln die Logogrifi Logogriphen oder Puzzles, die die Bildung neuer Wörter durch Umstellung ihres Anfangsbuchstabens beinhalten. In Gribaudos Interpretation oszilliert ein Logogrifo zwischen Lesbarkeit und Abstraktion, tendiert einmal zu lesbaren Formen und ein anderes Mal zur rätselhaften Welt, in der Bild und Sprache verschmelzen.
The Weight of the Concrete erkundet Gribaudos eigenständiges poetisches Repertoire von Formen – textliche, figurative und topografische Elemente umfassend, jedoch stets losgelöst von ihrer Herkunft – das das Aufkommen einer neuen Grammatik und folglich neuer Lesarten ankündigt. Beginnend mit achromatischen Prägungen auf Löschpapier, die sich zu Holz- und Polystyrol-Reliefs verwandeln und schließlich in lebhaft chromatische Stücke mit typografischer Tinte gipfeln, hinterfragen die Werke beständig die Art und Weise, wie Form, Sprache und Materie einander weiterhin formen und neu definieren. Diese Transformation fordert nicht nur traditionelle Lesarten und Wahrnehmungen heraus, sondern verlangsamt und intensiviert auch schrittweise die Erfahrung des Betrachters, die von einer Übung im Entziffern der achromatischen Natur der Seite zu einer lebhaften und farbenfrohen Begegnung übergeht. Dieses unermüdliche Experiment mit Drucktechnologien wurde durch seine Hingabe an die Veröffentlichung von Künstler-Monografien angefacht, darunter Zeitgenossen wie Giorgio de Chirico, Jean Dubuffet, Marcel Duchamp, Francis Bacon, Lucio Fontana, Asger Jorn und Wifredo Lam, sowie sein Interesse an populären Druckformaten wie Zeitungen, Wörterbüchern, Atlanten und Kinderbüchern. Um diese nicht-hierarchische Beziehung zwischen seiner künstlerischen Arbeit und seinen Verlagsaktivitäten zu betonen, präsentiert das letzte Kapitel der Ausstellung eine einzigartige Auswahl von Gribaudos seltenen Veröffentlichungen und Archivmaterialien.
The Weight of the Concrete versammelt diese grafischen und poetischen Operationen mit der Unterstützung von Davide Stucchis spontanen Gesten und konzeptuellen Antworten. Ausgehend von Stucchis langjähriger Praxis, Ready-Made-Objekte und industriell gefertigte Materialien zu verwenden, spiegelt seine Szenografie eine gegenseitige Faszination für die industrielle Reproduktion und Umnutzung standardisierter Materialien wider. An der Schnittstelle von bildender Kunst, Design, Mode und Szenografie spiegeln Stucchis Interventionen das interdisziplinäre Werk von Gribaudo wider und erweitern es.
The Weight of the Concrete wird durch zwei gleichnamige Veröffentlichungen ergänzt. Die erste, die parallel zur Eröffnung im Grazer Kunstverein erscheinen wird, zeigt fotografische Ausschnitte aus Gribaudos achromatisch geprägten Logogrifi-Büchern (1965-1972), einzigartig ergänzt durch eine Intervention von Stucchi. Die zweite Publikation spiegelt die redaktionelle Prämisse von Gribaudos und Spatolas Il Peso del Concreto (1968) wider. Sie greift diese Publikation und das Archiv seiner Entstehung auf und konzipiert sie neu, indem sie Gribaudos grafisches Werk mit einer neuen Auswahl an historischer und zeitgenössischer konkreter und experimenteller Poesie verbindet. Sie wird zudem Essays enthalten, die das Zusammenspiel von Sprache, Materie und ihren poetischen Verbindungen erläutern. Herausgegeben von Axis Axis und Grazer Kunstverein, ist sie für den Sommer 2024 geplant.
The Weight of the Concrete wird auch ein Klangprogramm beinhalten, The Weight of the Tongue, das als spekulatives Präludium zur bevorstehenden Veröffentlichung dient. Fokussiert auf die Vokalisierung experimenteller Poesie, wird das Programm die Stimmen von Tomaso Binga, CAConrad, Susan Howe und David Grubbs, Hanne Lippard und Patrizia Vicinelli zusammenführen. Zusätzlich werden Katalin Ladik, Bryana Fritz und Nat Marcus zum Programm beitragen und ihre Arbeiten bei der Eröffnung der Ausstellung aufführen.
Ein zusätzliches öffentliches Programm, das Anfang 2024 stattfinden wird, vertieft sich in die intrinsische Beziehung zwischen konkreter Poesie, Verlagswesen, Grafikdesign, Schriftart, Feminismus und performativen Praktiken. Zu den Beitragenden dieses Programms gehören Mónica de la Torre, Alex Balgiu, Andrea di Serego Alighieri und andere.
Das öffentliche Programm und die Veröffentlichungen werden von Tom Engels und Lilou Vidal kuratiert und herausgegeben.
EZIO GRIBAUDO (1929-2022, Italien) war ein Künstler und Kunstverleger, der in Turin ansässig war. Gribaudos Werk, bekannt für die Verschmelzung von figurativen, textuellen und topografischen Elementen, wurde durch seine Expertise in Typografie, industrieller Druckerei und Verlagswesen geprägt. Er leitete das Verlagshaus Edizione d’Arte Fratelli Pozzo und spielte eine entscheidende Rolle in der Serie Le Grandi Monografie von Fabbri Editori, wobei er Monografien von Künstlern wie Karel Appel, Francis Bacon, Alberto Burri, Giorgio de Chirico, Marcel Duchamp, Man Ray, Joan Miró, Henry Moore, Antoni Tàpies unter anderen produzierte. In Zusammenarbeit mit Michel Tapié trug er 1960 zum ICAR (International Center of Aesthetic Research) bei. Gribaudo war auch an kuratorischen Projekten beteiligt, wie der Ausstellung der Peggy Guggenheim Sammlung in der Galleria Civica d’Arte Moderna in Turin 1976 und Jean Dubuffets Ausstellung-Performance CouCou Bazar in der Promotrice delle Belle Arti mit FIAT 1978.
Die künstlerische Laufbahn von Ezio Gribaudo ist durch eine reichhaltige Ausstellungsgeschichte gekennzeichnet. Seit den späten 1950er Jahren wurden seine Werke sowohl in Italien als auch international ausgestellt und sind bis heute zu sehen. Eine kleine Auswahl seiner Einzelausstellungen umfasst: Galleria d’Arte La Bussola, Turin (1959); Galleria Schwarz, Mailand (1967/1972); Galleria la Bertesca, Genua (1967); Galleria Viotti, Turin (1968); Galerie de France, Paris (1968); Kunstverein Göttingen (1971); Petit Palais, Musée d’Art Moderne, Genf (1971); Museum of Modern Art, Rio de Janeiro (1973); Marlborough Graphics Gallery, London (1974); Galleria Michaud, Florenz (1975); Etablissement d’en face, Brüssel (2019); und Galerie Sans Titre, Paris (2022). Darüber hinaus nahm Gribaudo an bedeutenden Ausstellungen teil, wie der 9. Römischen Quadriennale (1965); der 33. Venedig Biennale (1966); Salon de Mai, Paris (1967); Salon de Mayo, Havanna (1967); der 9. Kunstbiennale São Paulo (1967); Stedelijk Van Abbemuseum, Eindhoven (1967); GAM (Galleria Civica d’Arte Moderna), Turin (1967); Salon de Mai, Paris (1968); Museum of Modern Art, Caracas (1968); Die Nationalgalerie, Prag (1969); der 8. Internationalen Ausstellung für Grafik, Ljubljana (1969); der 10. Römischen Quadriennale (1973); Fundação Calouste Gulbenkian, Lissabon (1979); Internationale Ausstellung für Grafik, Bilbao (1982); Grand Palais, Paris (1982); Castello di Rivoli, Rivoli (1986); der Italienische Pavillon auf der 54. Venedig Biennale (2011); Sandretto Re Rebaudengo Foundation, Turin (2015); Peggy Guggenheim Sammlung, Venedig (2016); Museo del Novecento, Mailand (2017); GAM (Galleria Civica d’Arte Moderna), Turin (2017); Pio Pico Gallery, Los Angeles (2020); und MACRO Museum für Zeitgenössische Kunst, Rom (2021).
DAVIDE STUCCHI (geb. 1988, Italien) lebt und arbeitet in Mailand. Er arbeitet an der Schnittstelle von bildender Kunst, Mode, Werbung, Szenografie und Häuslichkeit und erforscht vorbestehende Materialien durch minimale Gesten und Eingriffe. Mit einem konzeptuellen und poetischen Ansatz schafft Stucchi Installationen und Skulpturen, die abwesende Körper und intime Geschichten durch die Greifbarkeit und Verletzlichkeit der Objekte offenbaren. Zu seinen jüngsten Einzelausstellungen gehören Clin d’oeil, mit Luisa Gardini, Ermes Ermes, Rom (2022); Falli(Phalli), Martina Simeti, Mailand (2021); DS, Deborah Schamoni, München (2020); 2546/9728, Sundogs, Paris (2019); Davide Stucchi con Corrado Levi, zazà, Neapel (2019); und Light switch (Entrance), Gregor Staiger, Zürich (2019) unter anderem. Seine Arbeiten wurden in Gruppenausstellungen bei Mendes Wood DM, Paris (2023); Between Bridges, Berlin (2023); Palazzo Ducale, Genua (2023); Marsèll, Mailand (2022); Fitzpatrick Gallery, Paris (2021); MACRO Museum für Zeitgenössische Kunst, Rom (2020); der 17. Römischen Quadriennale, Palazzo Delle Esposizioni, Rom (2020); Stadtgalerie Bern (2020); Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Turin (2018); Kunstverein Düsseldorf (2017); der 16. Römischen Quadriennale, Palazzo Delle Esposizioni, Rom (2016) unter anderen gezeigt. Seit 2017 ist Stucchi als Bühnenbildner für verschiedene Modelabels tätig, wobei seine neueste Zusammenarbeit seit 2021 mit Magliano stattfindet.
The Weight of the Concrete wird in Zusammenarbeit mit dem Museion – Museum für moderne und zeitgenössische Kunst in Bozen, Italien, realisiert, wo es von 23. März bis 1. September 2024 zu sehen sein wird, sowie mit dem Archivio Gribaudo in Turin, Italien.
Das Projekt wird von der Direzione Generale Creatività Contemporanea des italienischen Kulturministeriums im Rahmen des Italian Council-Programms (12. Ausgabe, 2023) unterstützt, das darauf abzielt, zeitgenössische italienische Kunst weltweit zu fördern.
Diese Publikation erscheint anlässlich der Ausstellung Until Due Time, Everything Is Else von Pan Daijing. Es ist die sechste einer Reihe von kleinen Ausgaben mit visuellen Beiträgen, Korrespondenzen und Gesprächen, die das Ausstellungsprogramm des Grazer Kunstvereins begleiten.
Die Bilder in diesem Buch sind Ausschnitte aus einem von Pan Daijing geschaffenen Video. Diese Publikation soll als sechster Bildschirm fungieren, der auf eine Fünf-Kanal-Videoinstallation abgestimmt ist, die in Until Due Time, Everything Is Else im Grazer Kunstverein gezeigt wird.
Herausgeber: Tom Engels
Bild: Pan Daijing
Grafik: Julie Peeters
Druck und Bindung: Benedict Press, Münsterschwarzach
Auflage: 350
Schriftart: Kleisch GK von Chiachi Chao
128 Seiten, farbig
ISBN: 978-3-9505230-5-8
Preis: 13,- Euro, 7,- Euro für Mitglieder
Diese Publikation erscheint anlässlich der Ausstellung Colorless Green Freedoms Sleep Furiously von Miloš Trakilović. Es ist die fünfte einer Reihe von kleinen Ausgaben mit Korrespondenzen, Beiträgen und Gesprächen, die das Ausstellungsprogramm des Grazer Kunstvereins begleiten.
Die Publikation enthält einen neu in Auftrag gegebenen Essay von Edwin Nasr sowie ein Interview zwischen Elena Petrović und Miloš Trakilović, das anlässlich der Ausstellung geführt wurde.
Herausgeber: Tom Engels
Grafik: Julie Peeters
Druck und Bindung: Benedict Press, Münsterschwarzach
Auflage: 350
Schriftart: Kleisch GK von Chiachi Chao
64 Seiten, farbig, Englisch
ISBN: 978-3-9505230-4-1
Preis: 9,- Euro, 5,- Euro für Mitglieder
Diese Publikation erscheint in Verbindung mit der Ausstellung sekretas von Marija Olšauskaitė. Es ist der vierte Band in einer Reihe von kleinen Sammlungen von Korrespondenzen, Antworten und Gesprächen, die das Ausstellungsprogramm des Grazer Kunstvereins begleiten.
secrets versammelt Worte, Pflanzen und Glas, beigesteuert von Elena Narbutaitė, Marija Olšauskaitė, Maria Tsoy, Aleksandra Krivulina und Tom Engels.
Herausgeber: Tom Engels
Gastherausgeber: Elena Narbutaitė
Gedichte: Maria Tsoy
Fotografie: Marija Olšauskaitė
Grafik: Julie Peeters
Druck und Bindung: Benedict Press, Münsterschwarzach
Auflage: 350
Schriftart: Kleisch GK von Chiachi Chao
64 Seiten, weiß auf weiß mit eingelegten Bildern
ISBN: 978-3-9505230-3-4
Preis: 9,- Euro, 5,- Euro für Mitglieder
In Until Due Time, Everything Is Else erforscht Pan Daijing auf stimmungsvolle Weise die Themen Zeitlichkeit, Erinnerung und Präsenz. Durch ein Zusammenspiel von Video, Performancespuren, ortsspezifischen Interventionen und Sound erforscht die Ausstellung die unbeständigen und flüchtigen Dimensionen, die ihr Verständnis von Performance prägen — eine Wahrnehmung, die mit der Existenz selbst vergleichbar sein könnte.
Pan Daijings Arbeit gedeiht in der Regel im Bereich des Lebendigen und manifestiert sich in dauerhaften performativen Situationen, bewohnten Installationen, Konzerten und anderen intimen Begegnungen mit dem Publikum. Until Due Time, Everything Is Else setzt einen Kontrapunkt: alle Elemente der Lebendigkeit werden entfernt. Statt die Dynamik von Körpern im Raum oder den pulsierenden Puls von Live-Sound zu erleben, begegnen die Besucher*innen nur dem Echo solcher Ereignisse. Die ausgestellten Werke umhüllen, deuten an oder machen sich die Gegenwart zunutze und sind von der Vitalität dessen durchdrungen, was einmal war oder was kommen wird.
Until Due Time, Everything Is Else versammelt Werke von zweideutiger Natur, da sie die Anwesenheit von etwas anderem markieren, etwas, das nicht hier und nicht jetzt ist. Sie stehen für Materialien, die in Momenten der Erwartung hergestellt wurden, als Überbleibsel eben jener lebendigen Erfahrungen oder als Träger der prozessualen und intuitiven Verschiebungen, die beim Wechsel von einem Medium zum anderen stattfinden.
Über die Register der Performance-Dokumentation hinaus sind diese Werke Gehäuse, die von transformativen Momenten geprägt sind und so den Wandel verkörpern oder vorhersagen. Damit trotzt die Ausstellung direkt dem Paradoxon der Spur, das besagt, dass man beim Versuch, ein Ereignis festzuhalten oder zu bewahren, ungewollt seinen Ursprung verändert oder verzerrt. Daijings Werke sind eine Meditation über dieses Paradoxon und betonen, dass Spuren, sei es in der Erinnerung, in der Kunst oder im Leben, sowohl offenbaren als auch verbergen, dass sie sowohl die Vergangenheit als auch die Zukunft festhalten und sich gleichzeitig einem vollständigen Verständnis entziehen.
Until Due Time, Everything Is Else wird durch eine gleichnamige Publikation ergänzt, die die ausgestellte Mehrkanal-Videoinstallation von Pan Daijing auf Papier überträgt. Sie wird von Tom Engels herausgegeben und von Julie Peeters gestaltet.
Until Due Time, Everything Is Else ist die erste institutionelle Ausstellung von Pan Daijing in Österreich und wird von Tom Engels kuratiert.
Pan Daijing (geb. 1991, Guiyang, lebt in Berlin) hat ihre Arbeiten international unter anderem auf der 14. Gwangju Biennale (2023), im Louvre, Paris (2023), bei Tai Kwun Contemporary, Hongkong (2021), auf der 13. Shanghai Biennale (2021), im Martin Gropius Bau, Berlin (2020), in der Tate Modern, London (2019) und auf der Biennale of Moving Image, Genf (2018) gezeigt. Im Jahr 2024 wird Pan Daijing eine Einzelausstellung im Haus der Kunst in München präsentieren und als Preisträgerin des Preises der Nationalgalerie im Hamburger Bahnhof in Berlin ausstellen. Sie ist an zahlreichen Veranstaltungsorten und Festivals aufgetreten, darunter das Barbican Centre in London, das Kraftwerk in Berlin, die Elbphilharmonie in Hamburg, das Berghain in Berlin, das Sonar Festival in Barcelona, das Haus der Kulturen der Welt in Berlin und das Nationale Pantheon in Lissabon. Sie hat drei Alben in voller Länge veröffentlicht: Tissues (2022), Jade (2021) und Lack (2017).
Die Ausstellung wird vom ifa-Institut für Auslandsbeziehungen unterstützt und ist eine Kooperation im Rahmen von steirischer herbst ’23.
„A Prayer Before Birth (20 Min., 1991) verblüfft durch seine verstörenden, aber fesselnden Bewegtbild-Sequenzen, in denen Duckworths Lebenserfahrung mit Multipler Sklerose (MS) festgehalten wird, um in neunzehn Minuten verwickelte Fragen der Subjektivität, der Behinderung und des Begehrens zu erörtern. In A Prayer Before Birth stellt Duckworth nicht nur die lesbische Subjektivität in den Vordergrund, sondern entwickelt auch eine visuelle Sprache, um den nicht-gesunden Körper darzustellen. Indem sie Strategien des Surrealismus und des amerikanischen Avantgardefilms aufgreift, nutzt Duckworth die nicht-normative Erzählweise im Film, um den Beschränkungen „positiver Bilder“ von Behinderung und lesbischer Identität zu entkommen. Diese abgewandelte surrealistische Ästhetik spiegelt ‚ein zunehmendes Gefühl der Unwirklichkeit‘ wider und schafft neue Realitäten, um sich mit den psychologischen und physischen Traumata auseinanderzusetzen, die MS hervorruft.“ —Lucy Howie
A Prayer Before Birth wird im Rahmen von The Work We Share gezeigt, einem Filmprogramm mit zehn neu digitalisierten Filmen aus der Cinenova-Sammlung. Die Filme, die zwischen 1972 und 1994 produziert wurden, behandeln oppositionelle Geschichten und Fragen der Differenz durch die Brille von Geschlecht, Rasse, Sexualität, Gesundheit und Gemeinschaft.
The Work We Share versammelt eine Reihe von Filmen, die zuvor unter prekären Bedingungen existierten, da in einigen Fällen die Negative verloren gegangen sind oder die einzige Kopie die Verleihfilmkopie ist. Mit diesem Programm soll die gegenseitige Abhängigkeit von Cinenova anerkannt werden: von der Organisation zu den Filmemacher*innen, Kulturschaffenden, Gemeinschaften und Einzelpersonen. Wie können wir unsere wechselseitigen Beziehungen anerkennen? Wie können wir unseren Platz in einem Netzwerk von Kommunikation, Beziehungen und Ressourcen erkennen, insbesondere als eine nicht finanzierte ehrenamtliche Organisation? Auf welche verschiedenen Arten von Arbeit stützt sich unsere Arbeit? Wie können wir diese Arbeit gegenseitig unterstützen?
Cinenova ist eine von Freiwilligen geführte Wohltätigkeitsorganisation, die das Werk feministischer Film- und Videomacher*innen bewahrt und verbreitet. Sie wurde 1991 aus dem Zusammenschluss zweier feministischer Film- und Videoverleihe, Circles und Cinema of Women, gegründet, die beide 1979 entstanden sind. Cinenova vertreibt derzeit über 300 Titel, darunter künstlerische Bewegtbilder, Experimentalfilme, narrative Spielfilme, Dokumentarfilme und Lehrvideos, die von den 1910er bis zu den frühen 2000er Jahren entstanden sind.
Jacqui Duckworth war eine unabhängige Filmemacherin, die 1948 in Warrington geboren wurde. Jacquis gesamte Film- und Fotoarbeit entsprang eher einem instinktiven und originellen Scharfsinn als einem traditionellen akademischen Ansatz, und sie drehte mehrere Suchfilme, bevor die Diagnose MS in ihren frühen 30ern sie daran hinderte, ihre Pläne für weitere Filmprojekte zu verwirklichen. Dazu gehörten: An Invitation toMarilyn C, Home Made Melodrama und A Prayer before Birth, letzterer wurde auf Channel 4 als Teil einer Serie ausgestrahlt, die die Beziehung zwischen Geist und Körper erforschte.
