Back Inside Herself (4 min., 1984), von S. Pearl Sharp als „visuelles Gedicht über Identität“ beschrieben, zeigt eine Schwarze Frau, die ihr eigenes Selbstverständnis findet und die hegemonialen gesellschaftlichen Erwartungen, wer sie sein und wie sie sich verhalten sollte, ablehnt.

Back Inside Herself wird im Rahmen von The Work We Share gezeigt, einem Filmprogramm mit zehn neu digitalisierten Filmen aus der Cinenova-Sammlung. Die Filme, die zwischen 1972 und 1994 produziert wurden, behandeln oppositionelle Geschichten und Fragen der Differenz durch die Brille von Geschlecht, Rasse, Sexualität, Gesundheit und Gemeinschaft.

The Work We Share versammelt eine Reihe von Filmen, die zuvor unter prekären Bedingungen existierten, da in einigen Fällen die Negative verloren gegangen sind oder die einzige Kopie die Verleihfilmkopie ist. Mit diesem Programm soll die gegenseitige Abhängigkeit von Cinenova anerkannt werden: von der Organisation zu den Filmemacher*innen, Kulturschaffenden, Gemeinschaften und Einzelpersonen. Wie können wir unsere wechselseitigen Beziehungen anerkennen? Wie können wir unseren Platz in einem Netzwerk von Kommunikation, Beziehungen und Ressourcen erkennen, insbesondere als eine nicht finanzierte ehrenamtliche Organisation? Auf welche verschiedenen Arten von Arbeit stützt sich unsere Arbeit? Wie können wir diese Arbeit gegenseitig unterstützen?

Cinenova ist eine von Freiwilligen geführte Wohltätigkeitsorganisation, die das Werk feministischer Film- und Videomacher*innen bewahrt und verbreitet. Sie wurde 1991 aus dem Zusammenschluss zweier feministischer Film- und Videoverleihe, Circles und Cinema of Women, gegründet, die beide 1979 entstanden sind. Cinenova vertreibt derzeit über 300 Titel, darunter künstlerische Bewegtbilder, Experimentalfilme, narrative Spielfilme, Dokumentarfilme und Lehrvideos, die von den 1910er bis zu den frühen 2000er Jahren entstanden sind.

S. Pearl Sharp (geb. 1942, USA) konzentriert sich in ihrer Arbeit auf kulturelle Künste, Gesundheit und die Geschichte der Schwarzen Diaspora. Zu ihren Werken gehören der Poesie-Kurzfilm Back Inside Herself (1984 und 2009 Re-mix), der halb-animierte Film Picking Tribes (1988), der gefeierte Film The Healing Passage/Voices From The Water (2004) und die Regie bei zahlreichen Dokumentarfilmen für das CH 35 der Stadt Los Angeles. Ihre Filme wurden in Norwegen, China, Großbritannien, der Karibik und auf der FESPACO gezeigt. Als Initiatorin von Kunst und Aktivismus verfasste sie die Sachbücher Black Women For Beginners und The Evening News, vier Gedichtbände und veröffentlichte 2021 das kurze Gedichtvideo Blood Bank.

“Eine leidenschaftliche und liebevolle Bewertung der sozialen Bewegungen der 1960er Jahre aus dem Blickwinkel der Kulturkriege der 1990er Jahre. Der Film enthält Interviews mit drei der einflussreichsten schwarzen feministischen Intellektuellen unserer Zeit: Angela Y. Davis, Alice Walker und June Jordan. Das Trio unterstreicht die zentrale Bedeutung der Arbeit schwarzer Frauen und die Notwendigkeit intersektioneller Bewegungen für die Befreiung aller Menschen – der Vergangenheit, der Gegenwart und der Zukunft.” —Leigh Raiford

A Place Of Rage (55 min., 1991) wird im Rahmen von The Work We Share gezeigt, einem Filmprogramm mit zehn neu digitalisierten Filmen aus der Cinenova-Sammlung. Die Filme, die zwischen 1972 und 1994 produziert wurden, behandeln oppositionelle Geschichten und Fragen der Differenz durch die Brille von Geschlecht, Rasse, Sexualität, Gesundheit und Gemeinschaft.

The Work We Share versammelt eine Reihe von Filmen, die zuvor unter prekären Bedingungen existierten, da in einigen Fällen die Negative verloren gegangen sind oder die einzige Kopie die Verleihfilmkopie ist. Mit diesem Programm soll die gegenseitige Abhängigkeit von Cinenova anerkannt werden: von der Organisation zu den Filmemacher*innen, Kulturschaffenden, Gemeinschaften und Einzelpersonen. Wie können wir unsere wechselseitigen Beziehungen anerkennen? Wie können wir unseren Platz in einem Netzwerk von Kommunikation, Beziehungen und Ressourcen erkennen, insbesondere als eine nicht finanzierte ehrenamtliche Organisation? Auf welche verschiedenen Arten von Arbeit stützt sich unsere Arbeit? Wie können wir diese Arbeit gegenseitig unterstützen?

Cinenova ist eine von Freiwilligen geführte Wohltätigkeitsorganisation, die das Werk feministischer Film- und Videomacher*innen bewahrt und verbreitet. Sie wurde 1991 aus dem Zusammenschluss zweier feministischer Film- und Videoverleihe, Circles und Cinema of Women, gegründet, die beide 1979 entstanden sind. Cinenova vertreibt derzeit über 300 Titel, darunter künstlerische Bewegtbilder, Experimentalfilme, narrative Spielfilme, Dokumentarfilme und Lehrvideos, die von den 1910er bis zu den frühen 2000er Jahren entstanden sind.

Pratibha Parmar (geb. 1955, Kenia) ist eine preisgekrönte Dokumentarfilmerin, Videokünstlerin und Professorin. Pratibha wurde mit dem Visionary Award des One in Ten Film Festivals und dem Frameline Film Festival Life Time Achievement Award ausgezeichnet und ist Autorin/Regisseurin/Produzentin von über 16 Dokumentarfilmen. Sie ist die Autorin und Herausgeberin mehrerer bahnbrechender Bücher, insbesondere von The Empire Strikes Back: Race and Racism in 1970s Britain, sowie Herausgeberin und Verlegerin bei Sheba Feminist Press, dem ersten britischen Verlag von Audre Lorde. Pratibha war Gastkünstlerin an der Stanford University, Abteilung für Theater- und Performancestudien (2013) und ist derzeit außerordentliche Professorin in der Filmabteilung des California College of the Arts, San Francisco.

„In A Question of Choice (18 min., 1982) geht es um eine kleine Gruppe von Frauen, die im Niedriglohnsektor arbeiten—zwei Putzfrauen, eine Köchin, eine Lollipop-Dame—und einen männlichen Hausmeister in einer Schule in Walkley, Sheffield. Die Teilnehmerinnen beschreiben die begrenzten Beschäftigungsmöglichkeiten, die Frauen zur Verfügung stehen, wenn die Familie für sie an erster Stelle steht. Die Arbeit, die sie verrichten, ist zwar hart und schlecht bezahlt, aber sie bietet ihnen Flexibilität mit Arbeitszeiten, die sich mit ihrem Familien leben vereinbaren lassen, und ermöglicht ihnen einen engen Kontakt mit der Gemeinde und die Ausbildung ihrer Kinder. Neben ihrer Arbeit in der Schule leiten diese Frauen Aktivitäten in einem örtlichen Gemeindezentrum und organisieren Veranstaltungen für Kinder in der Umgebung. Der Film zeigt mit einigem Optimismus, wie die Frauen erfolgreich Gemeinschaftsaktivitäten organisieren und sich gegenseitig unterstützen, und wirft bestimmte Fragen auf, die andere Frauen, die den Film sehen, in ihrem eigenen Leben wiedererkennen könnten, mit dem Ziel, eine Diskussion anzuregen.“ — Emma Hedditch

A Question of Choice wird im Rahmen von The Work We Share gezeigt, einem Filmprogramm mit zehn neu digitalisierten Filmen aus der Cinenova-Sammlung. Die Filme, die zwischen 1972 und 1994 produziert wurden, behandeln oppositionelle Geschichten und Fragen der Differenz durch die Brille von Geschlecht, Rasse, Sexualität, Gesundheit und Gemeinschaft.

The Work We Share versammelt eine Reihe von Filmen, die zuvor unter prekären Bedingungen existierten, da in einigen Fällen die Negative verloren gegangen sind oder die einzige Kopie die Verleihfilmkopie ist. Mit diesem Programm soll die gegenseitige Abhängigkeit von Cinenova anerkannt werden: von der Organisation zu den Filmemacher*innen, Kulturschaffenden, Gemeinschaften und Einzelpersonen. Wie können wir unsere wechselseitigen Beziehungen anerkennen? Wie können wir unseren Platz in einem Netzwerk von Kommunikation, Beziehungen und Ressourcen erkennen, insbesondere als eine nicht finanzierte ehrenamtliche Organisation? Auf welche verschiedenen Arten von Arbeit stützt sich unsere Arbeit? Wie können wir diese Arbeit gegenseitig unterstützen?

Cinenova ist eine von Freiwilligen geführte Wohltätigkeitsorganisation, die das Werk feministischer Film- und Videomacher*innen bewahrt und verbreitet. Sie wurde 1991 aus dem Zusammenschluss zweier feministischer Film- und Videoverleihe, Circles und Cinema of Women, gegründet, die beide 1979 entstanden sind. Cinenova vertreibt derzeit über 300 Titel, darunter künstlerische Bewegtbilder, Experimentalfilme, narrative Spielfilme, Dokumentarfilme und Lehrvideos, die von den 1910er bis zu den frühen 2000er Jahren entstanden sind.

Sheffield Film Co-op. In den frühen 1970er Jahren bemühte sich die zweite Frauenbefreiungsbewegung darum, das Bewusstsein für die Probleme zu schärfen, mit denen Frauen in ihrem häuslichen und beruflichen Leben konfrontiert waren. Bald wurde klar, dass es notwendig war, feministische Ideen zu diesen Themen an ein breiteres Publikum als die Frauen zu verbreiten, die bereits an den Treffen teilnahmen. Eine kleine Gruppe von Frauen mit kleinen Kindern in Sheffield erkannte, dass Filme ein wirksames Mittel sein könnten, um Frauen eine Stimme zu geben, die sie in den Mainstream-Medien nicht hatten. A Question of Choice war der vierte Film der Sheffield Film Co-op, der 1982 mit einer zweiköpfigen Crew auf 16mm gedreht und auf Projektoren in Gemeinde- und Erwachsenenbildungszentren gezeigt wurde. Mit finanzieller Unterstützung der unabhängigen Film- und Videoabteilung von Channel 4 produzierte die SFC später Filme für den Rundfunk und half bei der Ausbildung neuer Filmemacherinnen.

Scuola Senze Fine (Schule ohne Ende), 37 min., 1983) entstand in Zusammenarbeit mit Studierenden des 150-Stunden-Sekundarschul-Diplomkurses für Erwachsene, mit denen Adriana Monti ein Jahr lang zusammengearbeitet hatte. 

Bei den 150-Stunden-Kursen handelte es sich um ein Bildungsexperiment, das 1974 in Italien eingeführt wurde und zunächst Fabrikarbeitern und Landwirten offenstand, einige Jahre später dann auch Frauen. Die Kurse waren nicht berufsbezogen; sie sollten nicht die Produktivität bei der Arbeit verbessern, sondern vielmehr ein persönliches und kollektives Wachstum ermöglichen. Die Kurse sollten den Arbeitnehmer*innen helfen, nicht nur über ihre Arbeitsbedingungen, sondern auch über ihr Leben nachzudenken. 

Der Film zeigt, wie sich das Experiment auf das Leben der Teilnehmerinnen des Kurses ausweitete, von denen die meisten Hausfrauen waren. Der Film wurde in Zusammenarbeit mit diesen Studentinnen als Teil ihrer Studien für den Kurs produziert, wobei die Fragen des Lehrplans über die Darstellung von Frauen in Fragen über die Darstellung von sich selbst umgewandelt wurden. Nachdem die Gruppe ehemaliger Hausfrauen 1976 ihren 150-stündigen Sekundar-Schulabschlusskurs abgeschlossen hatte, wollten sie nicht aufhören zu lernen. Mit Hilfe ihres Lehrers gründeten sie eine Studien- und Forschungsgruppe. Monti drehte den Film über sie von 1979–1981, wobei die erste Hälfte des Films von der Gruppe gemeinsam gedreht wurde.

Scuola Senza Fine wird im Rahmen von The Work We Share gezeigt, einem Filmprogramm mit zehn neu digitalisierten Filmen aus der Cinenova-Sammlung. Die Filme, die zwischen 1972 und 1994 produziert wurden, behandeln oppositionelle Geschichten und Fragen der Differenz durch die Brille von Geschlecht, Rasse, Sexualität, Gesundheit und Gemeinschaft.

The Work We Share versammelt eine Reihe von Filmen, die zuvor unter prekären Bedingungen existierten, da in einigen Fällen die Negative verloren gegangen sind oder die einzige Kopie die Verleihfilmkopie ist. Mit diesem Programm soll die gegenseitige Abhängigkeit von Cinenova anerkannt werden: von der Organisation zu den Filmemacher*innen, Kulturschaffenden, Gemeinschaften und Einzelpersonen. Wie können wir unsere wechselseitigen Beziehungen anerkennen? Wie können wir unseren Platz in einem Netzwerk von Kommunikation, Beziehungen und Ressourcen erkennen, insbesondere als eine nicht finanzierte ehrenamtliche Organisation? Auf welche verschiedenen Arten von Arbeit stützt sich unsere Arbeit? Wie können wir diese Arbeit gegenseitig unterstützen?

Cinenova ist eine von Freiwilligen geführte Wohltätigkeitsorganisation, die das Werk feministischer Film- und Videomacher*innen bewahrt und verbreitet. Sie wurde 1991 aus dem Zusammenschluss zweier feministischer Film- und Videoverleihe, Circles und Cinema of Women, gegründet, die beide 1979 entstanden sind. Cinenova vertreibt derzeit über 300 Titel, darunter künstlerische Bewegtbilder, Experimentalfilme, narrative Spielfilme, Dokumentarfilme und Lehrvideos, die von den 1910er bis zu den frühen 2000er Jahren entstanden sind.

Adriana Monti (geb. 1951, Italien) ist eine italienisch-kanadische unabhängige Produzentin, feministische Filmemacherin und Autorin. Sie begann ihre Karriere in Italien in den späten 1970er Jahren, indem sie einen kooperativen und experimentellen Stil entwickelte, der es den Frauen, die Gegenstand ihrer Forschung waren, ermöglichte, eine aktive und kreative Rolle in ihren Filmen zu übernehmen. Monti gründete die Experimentalfilmschule Lanboratorio di Cinematografia – Albedo, wo sie unterrichtete und die sie leitete, während sie 1983 die Scuola Senza Fine abschloss. Außerdem unterrichtete sie Filmgeschichte und Filmproduktion an der Women’s Free University und an der Hochschule für Film und Fernsehen in Mailand. Monti zog 1996 nach Kanada, wo sie fünfzehn Jahre lang als Reporterin und Produzentin von Geschichten bei OMNI Television Rogers Media arbeitete und ihr eigenes Unternehmen A&Z Media Ltd. gründete.

Loss of Heat (1994, 20 Min.) ist eine anregende Darstellung der queeren Liebe, die vorgefasste Meinungen über die „Realität“ eines Lebens mit der unsichtbaren Behinderung Epilepsie in Frage stellt. Es handelt sich um eine poetische, eindringliche Interpretation, die das Zusammenspiel von Emotionen und Körperlichkeit über die Grenzen von Sexualität, Abhängigkeit und Begehren hinweg erforscht.

Loss of Heat wird im Rahmen von The Work We Share gezeigt, einem Filmprogramm mit zehn neu digitalisierten Filmen aus der Cinenova-Sammlung. Die Filme, die zwischen 1972 und 1994 produziert wurden, behandeln oppositionelle Geschichten und Fragen der Differenz durch die Brille von Geschlecht, Rasse, Sexualität, Gesundheit und Gemeinschaft.

The Work We Share versammelt eine Reihe von Filmen, die zuvor unter prekären Bedingungen existierten, da in einigen Fällen die Negative verloren gegangen sind oder die einzige Kopie die Verleihfilmkopie ist. Mit diesem Programm soll die gegenseitige Abhängigkeit von Cinenova anerkannt werden: von der Organisation zu den Filmemacher*innen, Kulturschaffenden, Gemeinschaften und Einzelpersonen. Wie können wir unsere wechselseitigen Beziehungen anerkennen? Wie können wir unseren Platz in einem Netzwerk von Kommunikation, Beziehungen und Ressourcen erkennen, insbesondere als eine nicht finanzierte ehrenamtliche Organisation? Auf welche verschiedenen Arten von Arbeit stützt sich unsere Arbeit? Wie können wir diese Arbeit gegenseitig unterstützen?

Cinenova ist eine von Freiwilligen geführte Wohltätigkeitsorganisation, die das Werk feministischer Film- und Videomacher*innen bewahrt und verbreitet. Sie wurde 1991 aus dem Zusammenschluss zweier feministischer Film- und Videoverleihe, Circles und Cinema of Women, gegründet, die beide 1979 entstanden sind. Cinenova vertreibt derzeit über 300 Titel, darunter künstlerische Bewegtbilder, Experimentalfilme, narrative Spielfilme, Dokumentarfilme und Lehrvideos, die von den 1910er bis zu den frühen 2000er Jahren entstanden sind.

Noski Deville (Vereinigtes Königreich) ist eine Filmemacherin und Filmkünstlerin, die in den Bereichen Film, Musik und Ton arbeitet. Als Workshop-Koordinatorin bei der London Filmmakers Co-Op in den 1980er Jahren entwickelte sie ihre Fähigkeiten auf dem JK Optical Printer. Deville verfügt über mehr als 25 Jahre Erfahrung als Filmemacherin, die durch ihre preisgekrönte Arbeit mit international anerkannten Künstlern wie Isaac Julien, Steve McQueen, Alia Syed, Daria Martin und Jananne Al-Ani bekannt ist. Im Jahr 2015 wurde sie mit dem Jules Wright Prize für ihre kinematografischen Arbeiten im Bereich der bildenden Kunst ausgezeichnet. Deville ist eine in der Branche anerkannte Kamerafrau und Mitglied der Guild of British Camera Technicians. Sie ist auch eine engagierte Filmpädagogin, die die Abteilung für Kinematografie an der UCA, Farnham Film School, geleitet hat.

Now Pretend (1991, 10 Min.) ist eine experimentelle Untersuchung über die Verwendung von Rasse als willkürliches Zeichen. Der Film stützt sich auf Sprache, persönliche Erinnerungen und John Howard Griffins Text Black Like Me von 1959 und befasst sich mit Lacans Theorie des „Spiegelstadiums“ der Selbstwahrnehmung und der Bewegung vom Objekt zum Subjekt.

Now Pretend wird im Rahmen von The Work We Share gezeigt, einem Filmprogramm mit zehn neu digitalisierten Filmen aus der Cinenova-Sammlung. Die Filme, die zwischen 1972 und 1994 produziert wurden, behandeln oppositionelle Geschichten und Fragen der Differenz durch die Brille von Geschlecht, Rasse, Sexualität, Gesundheit und Gemeinschaft.

The Work We Share versammelt eine Reihe von Filmen, die zuvor unter prekären Bedingungen existierten, da in einigen Fällen die Negative verloren gegangen sind oder die einzige Kopie die Verleihfilmkopie ist. Mit diesem Programm soll die gegenseitige Abhängigkeit von Cinenova anerkannt werden: von der Organisation zu den Filmemacher*innen, Kulturschaffenden, Gemeinschaften und Einzelpersonen. Wie können wir unsere wechselseitigen Beziehungen anerkennen? Wie können wir unseren Platz in einem Netzwerk von Kommunikation, Beziehungen und Ressourcen erkennen, insbesondere als eine nicht finanzierte ehrenamtliche Organisation? Auf welche verschiedenen Arten von Arbeit stützt sich unsere Arbeit? Wie können wir diese Arbeit gegenseitig unterstützen?

Cinenova ist eine von Freiwilligen geführte Wohltätigkeitsorganisation, die das Werk feministischer Film- und Videomacher*innen bewahrt und verbreitet. Sie wurde 1991 aus dem Zusammenschluss zweier feministischer Film- und Videoverleihe, Circles und Cinema of Women, gegründet, die beide 1979 entstanden sind. Cinenova vertreibt derzeit über 300 Titel, darunter künstlerische Bewegtbilder, Experimentalfilme, narrative Spielfilme, Dokumentarfilme und Lehrvideos, die von den 1910er bis zu den frühen 2000er Jahren entstanden sind.

L. Franklin Gilliam (geb. 1967, Vereinigte Staaten) ist der Ansicht, dass in einer kaputten Welt die Vision und Kreativität von Künstler*innen für einen Systemwandel entscheidend sind. Gilliams kreative Praxis ist forschungsbasiert und multidisziplinär. Sie hat die Form von Film/Videokunst, Installationen, Spielen und illustrierten Vorträgen angenommen. Gilliams Projekte untersuchen das Zusammenspiel zwischen veralteten Technologieformaten und der fehlerhaften Übertragung von historischem Wissen und Verschiedenheit. Ihre Projekte wurden auf der Whitney Biennale 1997 (New York), im New Museum (New York), bei den Kurzfilmtagen Oberhausen und im Institute for Contemporary Art (London) gezeigt und sind in Anäis Duplans Buch BLACKSPACE: On the Poetics of an Afrofuture (2020) zu sehen. Sie unterrichteten an der School of the Art Institute of Chicago, der University of Wisconsin-Milwaukee und dem Vermont College of Fine Arts und hatten verschiedene Positionen am Bard College bekleidet, darunter die des Direktors des Integrated Arts Program. Im Jahr 2022 waren sie Artist-in-Residence am Centre for Afrofuturist Studies in Iowa.

Wenn Grün elementar, irdisch, grundlegend erdverbunden ist—die scharfe Klinge der Palme, der weiche Chor des Grases, die Überfülle—, dann ist es auch durch und durch modern. Greenscreen, Chroma Key, grün wie ein Geist. Neon, Plakatwand, blutendes Licht. Welches Grün hat sie gesehen?

Colorless Green Freedoms Sleep Furiously (2023) ist ein neu in Auftrag gegebener Videoessay und eine Installation des bosnisch-niederländischen Künstlers Miloš Trakilović, der Sichtbarkeit und Freiheit im digitalen Zeitalter durch die Brille seiner Familiengeschichte erforscht. Das Werk basiert auf dem Bericht seiner Mutter Milijana Mendeš, die die Gräueltaten des Bosnienkriegs überlebte und 1995 mit ihren beiden Kindern in die Niederlande floh. Im Jahr 2018 führte Trakilović ein ausführliches Interview mit ihr über ihre Erfahrungen aus dem Bosnienkrieg. In diesem Gespräch erinnert sie sich lebhaft an einige ihrer ersten Momente außerhalb des Kriegsgebiets: “Als ich als Flüchtling in den Niederlanden ankam, saß ich als Erstes stundenlang in einem Park. Ich konnte nicht aufhören, das Gras anzustarren. Es war so üppig und grün. Ich habe schon oft in meinem Leben Gras gesehen, aber noch nie so hell. Ich weiß noch, wie ich da saß und dachte: Dieses Gras hier ist so grün, es ist frei, und in diesem Moment fühlte ich mich auch frei. Ich fühlte mich von meiner Vergangenheit befreit.”

Achtundzwanzig Jahre nach ihrer Ankunft verkörpert Colorless Green Freedoms Sleep Furiously Trakilovićs spekulatives Bestreben, seine Mutter noch einmal denselben Grünton sehen zu lassen. Trakilović verschränkt ihre tief empfundene Dreiecksbeziehung zwischen Grün, Gras und Freiheit mit der verschlüsselten und simulativen Natur digitaler Technologien, in denen Grün eine unabdingbare Rolle spielt, wie z. B. dem Greenscreen oder Chroma Key und computergenerierten Bildern. Gedreht in den Niederlanden und Bosnien und Herzegowina und zwischen simulierten und „echten“ Landschaften oszillierend, entfaltet sich Colorless Green Freedoms Sleep Furiously als eine neugierige und poetische Traumsequenz, die die hegemoniale Rolle von Vision und Wahrheit in den Erzählungen des Krieges und der visuellen Kultur im Allgemeinen in Frage stellt. Hier beschwört Trakilović die unsichtbaren, unerbittlichen, spektralen Kräfte, die die Erfahrung und Erinnerung an den Krieg und seine Folgen ausmachen.

Colorless Green Freedoms Sleep Furiously wird zusammen mit All But War Is Simulation (2020) präsentiert, einer Zweikanal-Videoinstallation, die sich mit Darstellungen von Gewalt und der Visualisierung und Mediatisierung von Kriegsführung im Zeitalter der digitalen Expansion beschäftigt. Sie verbindet historische Aufzeichnungen mit Spekulationen und Theorien und geht von einem Artefakt aus dem Bosnienkrieg aus: dem Post-It-Zettel eines zukünftigen Flüchtlings, auf dem eine Liste von Gegenständen aufgeführt ist, die vor der Vertreibung der Familie mitgenommen werden sollen. Alle Gegenstände haben in irgendeiner Weise mit der Bewahrung der Erinnerung zu tun— sie verdeutlichen sowohl die Sehnsucht nach einer idealen Vergangenheit als auch die Begrenztheit auf die alltäglichen Erfahrungen des Krieges, in dem das Überleben zur Routine wird und das eigene Leben auf ein paar einfache Gegenstände reduziert wird. Die gelbe Notiz ist weder ein Bild noch ein Gedicht, sondern spricht die vielfältigen Dimensionen des Verlusts an, die mit der Erfahrung von Krieg und Vertreibung verbunden sind.

Colorless Green Freedoms Sleep Furiously wird von einer gleichnamigen Publikation mit Beiträgen von Edwin Nasr, Jelena Petrović und Miloš Trakilović begleitet. Sie wird von Tom Engels herausgegeben und von Julie Peeters gestaltet.

The Work We Share, ein Filmprogramm mit zehn neu digitalisierten Filmen aus der Cinenova-Sammlung, wird in Verbindung mit der Ausstellung im Laufe von zehn Wochen gezeigt. Das Programm umfasst Filme von S. Pearl Sharp, Pratibha Parmar, L. Franklin Gilliam, Laleen Jayamanne, Noski Deville, Jacqui Duckworth, Sheffield Film Co-op, Sistren Theatre Collective, Adriana Monti, sowie Esther Ronay, Mary Kelly, Mary Capps, Humphrey Trevelyan, Margaret Dickinson, Brigid Segrave und Susan Shapiro. Die zwischen 1972 und 1994 produzierten Filme befassen sich mit oppositionellen Geschichten und Fragen der Differenz durch die Brille von Geschlecht, Rasse, Sexualität, Gesundheit und Gemeinschaft.

Miloš Trakilović (geb. 1989, SFR Jugoslawien, jetzt Bosnien und Herzegowina) ist ein in Amsterdam und Berlin lebender Künstler. Zu seinen jüngsten Ausstellungen gehören All But War Is Simulation, Kunstfort bij Vijfhuizen (2021), und Callie’s in Zusammenarbeit mit FRAGILE, Berlin (2020); Things we sense about each other, Badischer Kunstverein, Karlsruhe (2021); ISKRA DELTA: MGLC 34th Ljubljana Biennale of Graphic Arts (2021); Perception of Contemporaneity, Danube Dialogues, Novi Sad (2019); Farocki Now: A Temporary Academy, Harun Farocki Institut, Berlin (2017); und The Clouds is Where We Want To Be, Künstlerhaus Bethanien, Berlin (2017), und andere. MISSION ACCOMPLISHED: BELANCIEGE (2019), eine Videoinstallation, die in Zusammenarbeit mit Hito Steyerl und Giorgi Gago Gagoshidze entwickelt wurde, wurde in der Trafó Galerie, Budapest (2023) und im MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art), Seoul (2022), auf der MUNCH Triennale, Oslo (2022), im Stedelijk Museum, Amsterdam (2022), Centre Pompidou, Paris (2021), K21 Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf (2020), Kunsthalle Wien, Wien (2020), und Neuer Berliner Kunstverein, Berlin (2019) gezeigt. Colorless Green Freedoms Sleep Furiously ist seine erste institutionelle Einzelpräsentation in Österreich.

Colorless Green Freedoms Sleep Furiously ist eine Auftragsarbeit des Grazer Kunstvereins und wurde mit großzügiger Unterstützung des Mondriaan Fund, der Dommering Foundation und der Rijksakademie van Beeldende Kunsten realisiert. Die Ausstellung wird unterstützt von ifa – Institut für Auslandsbeziehungen und Stichting Stokroos.

BILL ist ein „Magazin ohne Worte“, das von der Grafikerin des Grazer Kunstvereins, Julie Peeters, konzipiert und herausgegeben wird. Jedes Jahr veröffentlicht BILL eine Ausgabe, die die Logik des Bildes nutzt, um fotografische Geschichten und Archivmaterial von Künstler*innen, Architekt*innen, Fotograf*innen, Modedesigner*innen und Grafikdesigner*innen zu sammeln, darunter Martin Margiela, Hans Hollein, Rosalind Nashashibi, Jason Dodge, Linda Van Deursen und Jochen Lempert. Im Rahmen des Eröffnungswochenendes von sekretas von Marija Olšauskaitė feiert BILL den Start seiner 4. Ausgabe. Die Präsentation von BILL 4 wird von der Herausgabe einer neu konzipierten Zeitung in limitierter Auflage begleitet.

Benedikt Reichenbach in Camera Austria über BILL: „Im Sinne von Empowerment, wo Identität typischerweise nur in Bezug auf eine dominante Struktur gebildet wird, scheint der Blick auf BILL einen näher zu sich selbst zu bringen, ohne es jemals statisch zu lassen, was das ist. […] Indem man sich mitten in den Inhalt hineinversetzt, der zu keinem Zeitpunkt etwas zu beweisen hat, wird man aufgefordert, seinen eigenen Standpunkt zu dem, was man sieht, zu artikulieren. Und wenn Peeters lediglich auf die ornithologische Bedeutung von Name und Logo verweist, könnte dies das Wesen von BILL zum Ausdruck bringen: die Weigerung, zu sprechen oder die Dinge zu lösen.“

Julie Peeters (geb. 1983, Belgien) ist Designerin und Redakteurin und lebt in Brüssel. Seit 2022 ist sie für die grafische Identität des Grazer Kunstvereins in Zusammenarbeit mit Sophie Rentien Lando (digital) und Chiachi Chao (Schrift) verantwortlich. Sie ist Gründerin und kreative Herausgeberin von BILL, einem jährlichen Magazin mit Fotogeschichten und einem Verlagsprojekt, das sich auf das gedruckte Bild konzentriert.

Im Rahmen des Eröffnungsabends von sekretas leitet Antanas Lučiūnas / Ragemore das Eröffnungswochenende mit einer Listening Session ein. Lučiūnas, ein langjähriger Freund und Mitarbeiter von Olšauskaitė, schafft eine klangliche Umgebung, in der Sampling, Feldaufnahmen und eigene Kompositionen die Bühne für eine sinnliche Enträtselung der Ausstellung bilden.

Antanas Lučiūnas / Ragemore (geb. 1997, Litauen) ist ein*e in Vilnius lebende bildende Künstler*in und Musiker*in. Ihre Arbeit kombiniert Performance, Schreiben und Skulptur mit einer starken Betonung auf Zusammenarbeit. Intimität, Subkultur und Begehrenssystemen sind die Schwerpunkte ihrer Arbeit. Lučiūnas‘ Arbeit entfaltet sich durch die Manierismen populärer Musik und clubähnlicher Situationen, oft ergänzt durch eine lockere Choreografie und durchdrungen von Referenzen über Körperkultur. 

Die Londoner Musikproduzentin Lauren Duffus ist Teil der Eröffnungsnacht von sekretas und begeistert mit tanzbaren Rhythmen, vielschichtigen Atmosphären und betörenden Vocal-Samples. Duffus‘ natürliches Gespür für emotionalen Ausdruck hat sie schnell zu einer fesselnden Bereicherung der experimentellen Londoner Elektronik-Szene gemacht. Ihre einzigartigen abgehackten und gestreckten, hyper-choralen Skizzen, die gleichzeitig verspielt und zärtlich sind, artikulieren in den schrägen Vocals, dem Dub-Pop-Rhythmus und dem Ambient etwas Herzhaftes und Filmisches. Duffus‘ Debüt-EP Sulk wurde 2021 auf dem Label Body Motion veröffentlicht.

Annie Parker über Lauren Duffus‘ Musik: „Wenn man sich ihre Produktionen anhört, wird klar, dass die Unheimlichkeit dieser Inspirationen genau auf der Höhe der Zeit ist. Spürbar sind die Bad-Dream-Atmosphäre, die chopped ’n‘ screwed Beats und die respektlosen Töne, die das Witch-House-Genre (grau) malen, ebenso wie die cineastischen Drill-Instrumentals, für die der Chicagoer Rapper Chief Keef steht. Doch weit entfernt von der kodeinhaltigen Qualität der Quasi-Noise-Produktionen von Salem wird der Antagonismus in Duffus‘ Musik oft mit fröhlichem Schimmern, manchmal sogar mit Chorgesang besänftigt. Ihre Musik neigt gleichermaßen zu ätzender Empörung und Momenten der Zärtlichkeit und rechtfertigt frühere Vergleiche mit Künstlern wie aya und Loraine James, die sich beide auf ihre Verschmelzung von prismatischen Club-Beats und sanfter Melodik beziehen.“