Roman Ondaks Performance Resistance (2006) wird während der Eröffnungen der Ausstellungen Light von Elena Narbutaite und Eyes von Inge Grognard aktiviert.
Mit freundlicher Genehmigung der Kontakt Collection, Wien, und des Künstlers.
ROMAN ONDAK (geb. 1966, Slowakei) lebt und arbeitet in Bratislava. Ondaks Werk ist in einer performativen Herangehensweise verwurzelt und umfasst Skulptur, Installation, Fotografie und Zeichnung. Seine Arbeiten waren unter anderem auf der Biennale von Venedig in den Jahren 2003, 2009 und 2011 sowie auf der dOCUMENTA 13 in Kassel (2012) vertreten. Zu seinen jüngsten Einzelausstellungen zählen Wish We Were Here, Galerie Martin Janda, Wien (2024); Roman Ondak. Infinitum, Fundació Antoni Tàpies, Barcelona (2023); Roman Ondak – Measuring the Universe, Pinakothek der Moderne, München (2022); SK Parking, Kunsthalle Bratislava (2021); #12 Roman Ondak, mezzaterra 11, Belluno (2018–19); Objects in the Mirror, BASE/Progetti per l’arte, Florenz (2018); sowie Man Walking toward a Fata Morgana, The Arts Club of Chicago, Chicago (2017).Seine Werke sind in zahlreichen internationalen Sammlungen vertreten, darunter das Centre Pompidou, Paris; das Kunsthaus Zürich; die Tate Modern, London; die Neue Nationalgalerie, Staatliche Museen zu Berlin; das Museum of Modern Art, New York; sowie die Slowakische Nationalgalerie, Bratislava.
Anlässlich des Abschlusses von 2019 entfaltet sich Fiction Fiction als eine gespenstische Erwartung – aus dem Takt geraten und doch von Vorhergehendem durchdrungen. Ein Foto einer Barrikade, der Klang einer Aura, ultranass. Eine poetische Gegenüberstellung, ein Zusammenfluss von Tänzen, Bewegungen, Beinahe-Gedanken und Gesten, entnommen aus BRUNO (2021) und Death by Landscape (2024), zwei früheren Arbeiten von Alix Eynaudi, gemeinsam aufgeführt mit Hugo Le Brigand.
Hier ist Choreografie ein Akt der Rekonfiguration – ein wiederbelebter Abdruck, eine zarte Verhandlung der Präsenz. Bewegungen treiben durch eine Gegenwart, die mit Erinnerung durchzogen ist, in der vergangene Gesten nicht einfach wiederholt, sondern ungleichmäßig verändert, neu zusammengesetzt und überdacht werden. Worte drängen unter die Haut des Tanzes, eine endlose Neuinterpretation, ein poröser Austausch zwischen dem, was war, und dem, was bleibt – zwischen Fiktion und Fiktion.
Die Aufführung wird von Raimundas Malašauskas anlässlich der Buchveröffentlichung von Suzon: Selected Writings by Raimundas Malašauskas eingeführt, in dem Alix Eynaudi vorkommt. Das Buch ist hier erhältlich.
Konzept: Alix Eynaudi
Tanz und Choreographie: Hugo Le Brigand & Alix Eynaudi
Kostüme: An Breugelmans
Musik: turf + surf aka Han-Gyeol Lie & Paul Kotal
Dauer: 60 Minuten
ALIX EYNAUDI tanzt, arbeitet und schreibt zwischen Handwerk und Chaos und heißt dabei ein (meist) freudiges Durcheinander willkommen. Sie arbeitet nie allein; jedes Ereignis, jede Recherche oder Einladung ist ein Alibi um Zeit mit Kompliz*innen zu verbringen – ein Geflecht aus Freundschaften, das unter der Haut schimmert, ein Aufwirbeln wundersamer Unterstützung. Sie spezialisiert sich auf choreografische Hanging-Out Sessions. Ihre jüngsten Arbeiten umfassen Death by Landscape, a concert (2024), Institute of Rest(s) (2023) und BRUNO (2021). Ihre Arbeiten wurden präsentiert bei: MACRO, Rom; Tanzquartier, Wien; Kaaitheater, Brüssel; far° festival, Nyon; Xing, Bologna; Biennale di Venezia, Venedig; Contemporary Art Centre, Vilnius; brut, Wien; Volkskundemuseum, Wien; Wiener Festwochen, Wien. Sie lebt in Wien.
HUGO LE BRIGAND taucht in den Tanz als Medium für kreative Begegnungen und vielseitige Kollaborationen ein. Er hat mit einer Vielzahl von Künstler*innen gearbeitet, darunter Doris Uhlich, Alix Eynaudi, Sebastiano Sing, Daniela Georgieva, Ulduz Ahmadzadeh und Ari Benjamin Meyers. Er lebt in Wien.
2019 war ein transformatives und turbulentes Jahr für Ariana Reines. Nach sieben Jahren intensiver Arbeit gipfelte ihr ambitioniertes Schreibprojekt in der Veröffentlichung von A Sand Book, einem 400-seitigen poetischen Epos, das in einer Theophanie mit der Sonne endet. Wie eine wütende Demeter oder eine Persephone in Verleugnung gab Reines ihre Wohnung in Queens auf, um ihre Mutter von der Straße zu retten, während sie ihr unfertiges Manuskript in einer Art glorifizierter Obdachlosigkeit um die Welt schleppte – etwas, das die zeitgenössische Kunstwelt wohl höflicher als „eine geschäftige Karriere“ bezeichnen würde. Sie sprach mit Fremden und vor Fernsehpublikum, sammelte dabei unabsichtlich eine bunte Schar von Liebhabern, schrieb sich an der Harvard Divinity School ein und lebte ganz allgemein – um Frank O’Hara zu zitieren – „so vielfältig wie möglich“ auf die vielen Weisen, für die sie bekannt ist: Sie verbindet kosmische und private Dimensionen auf die öffentlichste und berührendste Art, lehrt, analysiert antike Texte, liest die Sterne, tritt im Fernsehen auf und erfindet in Echtzeit neu, was eine Dichterin sein kann.
In ihrer Poesie und in öffentlichen Auftritten strebt Reines danach, mit Intelligenz und Spontaneität zu kommunizieren, indem sie ihre Worte direkt aus dem Herzen schöpft. Oder, um es mit ihren eigenen Worten zu sagen: „Unsere Herzen waren die Bomben, deren Bedrohung nie nachließ.“Für 2019: an endurance wird Ariana Reines in die tiefgreifenden Erfahrungen eintauchen, die ihr transformatives Jahr 2019 geprägt haben, und erkunden, wohin diese Strömungen sie seither getragen haben. Die Veranstaltung verspricht eine freie Improvisation zu werden, die die Einsichten tiefer Meditation mit einer direkten Begegnung mit dem Publikum verbindet.
ARIANA REINES ist eine Dichterin, Dramatikerin und Performancekünstlerin aus Salem, Massachusetts, die in New York lebt. Zu ihren Büchern gehören The Rose (erscheint 2025), Wave of Blood, A Sand Book – Gewinner des Kingsley Tufts Awards 2020 und auf der Longlist des National Book Award – sowie Mercury, Coeur de Lion und The Cow, das 2006 den Alberta Prize von Fence gewann. Ihr mit einem Obie prämiertes Theaterstück Telephone wurde vom Foundry Theatre in Auftrag gegeben und hatte 2009 eine ausverkaufte Aufführungsreihe im Cherry Lane Theatre.
Reines hat Performances für das Solomon R. Guggenheim Museum, das Swiss Institute, Stuart Shave/Modern Art, Le Mouvement Biel/Bienne, das Whitney Museum of American Art und Performance Space New York entwickelt. Sie hat Poesie an der UC Berkeley (als Holloway Poet), der Columbia University, der NYU und am Scripps College (als Mary Routt Chair) unterrichtet und war Gastkritikerin an der Yale School of Art sowie bei Gemeinschaftsorganisationen wie dem Poetry Project und Poets House.Ihre Gedichte und Prosatexte wurden unter anderem in The New Yorker, Poetry, Artforum, Frieze und Harper’s veröffentlicht. Im Jahr 2020 gründete Reines während ihres Studiums an der Harvard Divinity School Invisible College, einen Online-Raum, der dem Studium von Poesie, heiligen Texten und den Künsten gewidmet ist.
Die Ausstellung von Ezio Gribaudo The Weight of the Concrete gipfelt in einer Reihe von Veranstaltungen, die das Nexus von konkreter Poesie, Verlagswesen, Grafikdesign, Typografie, Feminismus und Performance erforschen, inspiriert von Gribaudo und Adriano Spatolas wegweisender Publikation Il Peso del Concreto (1968). Die Serie markiert das Ende einer Ausstellung und bildet den Auftakt für eine bevorstehende Publikation, die von Axis Axis und dem Grazer Kunstverein herausgegeben und von Tom Engels und Lilou Vidal redigiert wird. Darin wird Gribaudos Vermächtnis aufgegriffen und sein grafisches Werk mit neuer und historischer experimenteller Poesie verwoben. Die Veröffentlichung ist im Sommer 2024 geplant.
Die Choreografin und Filmemacherin Eszter Salamon setzt sich erneut mit John Cages Lecture on Nothing (1949) auseinander, einem Stück, mit dem sie sich erstmals 2010 in ihrer Choreografie Dance for Nothing beschäftigte, welche Cages Worte mit ihrer Bewegung verband. Diesmal lässt Salamon die körperlichen Bewegungen hinter sich und konzentriert sich auf den klanglichen Aspekt dieses bahnbrechenden Vortrags über Nichts, Leere und Komposition. Sie verleiht dem Ganzen Tiefe, indem sie den Vortrag nach einer verlangsamten Aufnahme der amerikanischen Cellistin und Komponistin Frances-Marie Uitti wiederholt und so eine auditive Erkundung von Interpretation und Übertragung schafft. Salamons Verschmelzung von Körper, Stimme und Partitur schafft den Rahmen für eine Meditation über das Nichts inmitten der achromatischen, scheinbar stillen Werke Gribaudos .
ESZTER SALAMON ist eine Choreografin, Künstlerin und Performerin, die zwischen Berlin, Paris und Budapest lebt. Salamon nutzt Choreografie als aktivierende und organisierende Kraft zwischen verschiedenen Medien wie Bild, Ton, Musik, Text, Stimme, Körperbewegung und Aktionen. Seit 2001 hat sie Solostücke und groß angelegte Performances, performative Installationen und Filme kreiert, die in internationalen Aufführungsstätten und Museen präsentiert wurden, darunter das Centre Pompidou Paris (FR), MoMA (USA), Museo Reina Sofía (ESP), MACBA Museu d’Art Contemporani de Barcelona (ESP), Serralves Foundation (PT), Akademie der Künste Berlin (DE), mumok (AT), Kunstinstituut Melly (ehemals bekannt als Witte de With Center for Contemporary Art) (NL), Museo Centro Gaiás, Santiago de Compostela (ESP), Fondation Cartier (FR), Museum der Moderne Salzburg (AT), Villa Empain – Boghossian Foundation (BE), ING Art Center (BE), KINDL (DE). Ihre Ausstellung Eszter Salamon 1949 wurde 2014 im Jeu de Paume (F) als Teil von Satellite präsentiert, kuratiert von Nataša Petrešin-Bachelez. Ihre performative Installation Study for the Valeska Gert Pavilion wurde auf der 16. Biennale für zeitgenössische Kunst in Lyon 2022 präsentiert. Ihr jüngster Film Sommerspiele (2023) wurde in der Akademie der Künste, Berlin, uraufgeführt und im Rahmen von Hors Pistes 2024 im Centre Pompidou gezeigt.
Die Ausstellung von Ezio Gribaudo The Weight of the Concrete gipfelt in einer Reihe von Veranstaltungen, die das Nexus von konkreter Poesie, Verlagswesen, Grafikdesign, Typografie, Feminismus und Performance erforschen, inspiriert von Gribaudo und Adriano Spatolas wegweisender Publikation Il Peso del Concreto (1968). Die Serie markiert das Ende einer Ausstellung und bildet den Auftakt für eine bevorstehende Publikation, die von Axis Axis und dem Grazer Kunstverein herausgegeben und von Tom Engels und Lilou Vidal redigiert wird. Darin wird Gribaudos Vermächtnis aufgegriffen und sein grafisches Werk mit neuer und historischer experimenteller Poesie verwoben. Die Veröffentlichung ist im Sommer 2024 geplant.
Als Antwort auf Il Peso del Concreto wird Jesper List Thomsen aus zwei Texten, Avoiding The Genius (2017) und Blackbirds (2018), vortragen, die jeweils die komplexen Verbindungen zwischen Körper, Sprache und Bild entwirren. Avoiding The Genius greift auf die Sprache als Werkzeug zurück, um den Körper zu sezieren und zu artikulieren, und entwickelt eine Methode, die wie eine Zeichnung funktioniert – Formen und Linien nachzeichnen, den Körper in einer Pose des Trotzes darstellen und den Widerstand durch körperlichen und sprachlichen Ausdruck einfangen. Blackbirds vertieft sich in die nuancierte Entwicklung der Bindung eines Individuums an seine grundlegende Sprache und zeichnet eine Reise von den ersten Lernphasen bis zum letztendlichen, unvermeidlichen Rückgang des sprachlichen Engagements nach. Zusammen beleuchten diese Texte Thomsens Auseinandersetzung damit, wie man sein körperliches und sprachliches Selbst in der Welt darstellt und wahrnimmt.
JESPER LIST THOMSEN (geb. 1978, Dänemark) ist ein in London und Turin ansässiger Künstler. Er arbeitet mit Text, Malerei, Skulptur und Performance. Jüngste Ausstellungen und Performances fanden statt im MACRO, Rom; Kölnischer Kunstverein, Köln; West Den Haag, Den Haag; Braunsfelder, Köln; Fanta-MLN, Mailand; Radio Athènes, Athen; Hot Wheels Athens, Athen; Parrhesiades, London; ICA, London; Künstlerhaus Stuttgart, Stuttgart; Bureau des Réalités, Brüssel. BASE BASE, eine Sammlung seiner Schriften in Buchform, wurde 2018 von Juan de la Cosa, Mexiko-Stadt/London veröffentlicht, und sein Buch FREEEee wurde 2021 von L’Esprit de l’Escalier, London/Helsinki herausgegeben.
The Weight of the Tongue ist ein Klangprogramm, das im Rahmen von The Weight of the Concrete von Ezio Gribaudo präsentiert wird. Es erforscht die Vokalisierung von experimenteller und konkreter Poesie. Das Programm versammelt die Stimmen von Katalin Ladik, Tomaso Binga, CAConrad, Susan Howe und David Grubbs, Nat Marcus, Bryana Fritz, Hanne Lippard und Patrizia Vicinelli.
Anlässlich der Eröffnung von The Weight of the Concrete werden Katalin Ladik, Nat Marcus und Bryana Fritz live Aufführungen ihrer Beiträge präsentieren.
Katalin Ladik (geb. 1942 in Serbien) lebt und arbeitet in Budapest. Von ihrem Hintergrund in Poesie und Theater in den frühen 1960er Jahren bis heute hat Ladik in ihrer Arbeit vielfältige Formate wie Performance, Klangkunst, Collage, Zeichnung, Mail Art und Fotografie eingesetzt, wobei sie oft auf die multikulturelle und multiethnische Umgebung ihres Heimatlandes Osteuropa zurückgreift. Doch trotz dieser breiten Palette künstlerischer Ausdrucksformen ist Ladiks Arbeit stets in der Poesie verankert, sei es Poesie als Text oder Poesie in einem erweiterten Sinne, wie konkrete und visuelle Poesie, musikalische Poesie und poetische Performance. Ihre jüngste Ausstellung, Ooooooooo-pus, ist eine Retrospektive, die gemeinsam vom Haus der Kunst in München (2023), dem Ludwig Forum in Aachen (2023) und dem Moderna Museet in Stockholm (2024) organisiert wurde.
Bryana Fritz (geb. 1989 in den Vereinigten Staaten) ist Choreografin, Tänzerin und Schriftstellerin. Sie arbeitet an der Schnittstelle zwischen Poesie und Performance, oft im Duett mit der Benutzeroberfläche von OS X. Ihre Arbeit wird von einem anhaltenden Interesse an mittelalterlicher Literatur, Fanfiction, Medienwissenschaften und Analphabetismus-Geschichten gespeist. Sie arbeitet auch mit Henry Andersen unter dem Pseudonym Slow Reading Club zusammen. Als Performerin arbeitete Fritz mit Anne Teresa de Keersmaeker, Xavier le Roy, Boris Charmatz, Michiel Vandevelde und Femke Gyselinck.
Nat Marcus (geb. 1993 in den Vereinigten Staaten) ist Dichterin, Designerin, DJane und Mitherausgeberin von TABLOID Press, einem 2014 in Berlin gegründeten Verlag und Medienimprint. Ihre Poesie, Kunstkritik und lyrischer Journalismus sind kürzlich in Arts of the Working Class, The Ransom Note und Edit erschienen. Marcus hat an Poesie-Lesungen und Performances in Orten wie dem KW Institute for Contemporary Art (Berlin), dem Haus am Waldsee (Berlin) und dem Ny Carlsberg Glyptotek (Kopenhagen) teilgenommen. In den letzten Jahren hat sie auch in SYSTEMA (Marseille), Kunstverein München (München), Mint (Stockholm) und Felix Gaudlitz (Wien) ausgestellt. Sie hat eine Residency beim Berliner Radiosender Refuge Worldwide und hat als Sängerin mit Ulla Straus, exael, Perila und Soho Rezanejad zusammengearbeitet. Neben den Kollektionen von Siebdruck-Kleidung, die Marcus unter dem TABLOID-Imprint entwirft und veröffentlicht, hat sie Grafiken für zahlreiche Plattenlabels und Kollektive wie Uzuri, West Mineral Ltd., 3XL, Ediciones Capablanca und Morph produziert.
Der Kurator und Schriftsteller Raimundas Malašauskas wird sich in Bewegung und Sprache mit sekretas beschäftigen, einem besonderen litauischen Begriff, der sowohl Geheimnis als auch Sekretär bedeutet, ein veraltetes Möbelstück, das zum Lesen, Schreiben und Aufbewahren von Papier dient. sekretas ist auch der Titel der Ausstellung von Marija Olšauskaitė und der Name eines beliebten Spiels, das von Jugendlichen in Litauen gespielt wurde. Bei diesem Spiel betraten die Kinder einen Hof oder einen Garten und legten kleine Gegenstände unter eine Glasscheibe: Blumenblätter, Bilder, einen Zettel, goldene Flaschenverschlüsse, Muscheln und andere Elemente wurden zu einem materiellen Ausdruck der Freundschaft zusammengestellt. Insgesamt wird Malašauskas in die Komplexität des Wortes eintauchen, in die vielfältigen Bedeutungen, die es in sich birgt, und in die vielen Geschichten, die es hervorruft.
Raimundas Malašauskas (geb. 1973, Litauen) hat ein Opernlibretto mitgeschrieben (Cellar Door von Loris Greaud, Palais de Tokyo, 2008), eine Fernsehsendung koproduziert (CAC TV, Vilnius, 2004 – 2006), war als Agent für die dOCUMENTA (13) tätig, veröffentlichte Paper Exhibition, das Buch seiner ausgewählten Schriften (Sternberg Press, 2012), ko-kuratierte die 9. Baltische Triennale für Internationale Kunst (Vilnius, 2005), die 9. Mercosul Biennale, Porto Alegre, (2013), die 9. Liverpool Biennale (2017) und stellte seine Kinderbilder in einer choreografischen Komposition von Alix Eynaudi aus (2019). Seine jüngsten Projekte sind trust & confusion, eine achtmonatige Live-Kunstausstellung im Tai Kwun Contemporary, Hongkong (2021), 914, der russische Pavillon auf der 59. Biennale von Venedig (geschlossen) und Mars Returns, ein 14-stündiges Event in der Mykolas Žilinskas Gallery, Kaunas (2022).
Dialoge ist ein diskursives Veranstaltungsprogramm des neu gegründeten Zentrums für GegenwartsKunst der Universität Graz, welches von 16.-21. Mai im Grazer Kunstverein stattfindet. Unter dem Titel Kunst – Politische Verantwortung – Soziale Gerechtigkeit setzt das Programm aktuelle sozio-politische Schwerpunkte. Im Mittelpunkt stehen die Konfliktzonen Europas, Vielfältigkeit im Zusammenhang mit der Hinterfragung und Neudefinierung von Identitätskonzepten, sowie Fragen rund um Kolonialismus und Imperialismus.
Theoretische sowie künstlerische Reaktionen gegen Stereotypisierung und Zuschreibungen in Verbindung mit dem Geschlecht bilden den Kern des dritten Dialogs mit Beiträgen von David Getsy (Vortrag), Alexandra Hammond (Performance), Furusho von Puttkammer (Performance), Masha Godovannaya (Vortrag) und Bárbara Wagner und Benjamin de Burca (Screening).
Das aktuelle Programm finden Sie auf der Website des Zentrums für GegenwartsKunst der Universität Graz.
Dialoge ist ein diskursives Veranstaltungsprogramm des neu gegründeten Zentrums für GegenwartsKunst der Universität Graz, welches von 16.-21. Mai im Grazer Kunstverein stattfindet. Unter dem Titel Kunst – Politische Verantwortung – Soziale Gerechtigkeit setzt das Programm aktuelle sozio-politische Schwerpunkte. Im Mittelpunkt stehen die Konfliktzonen Europas, Vielfältigkeit im Zusammenhang mit der Hinterfragung und Neudefinierung von Identitätskonzepten, sowie Fragen rund um Kolonialismus und Imperialismus.
Im zweiten Dialog mit dem Titel Trust & Intransigence wird eine besondere Akzentuierung auf europäische Konfliktzonen gesetzt. Er soll eine Plattform für einen produktiven Austausch zwischen Wissenschaftler*innen und Künstler*innen bieten. Mit Positionen von Saddam Jumaily (Artist Talk), Marita Muukkonen, Ivor Stodolsky (Dialog), Jasmina Cibic (Artist Talk), Alexandra Hammond (Performance), Ekaterina Degot (Statement), Vedran Dzihic (Vortrag) und Anri Sala (Screening).
Das aktuelle Programm finden Sie auf der Website des Zentrums für GegenwartsKunst der Universität Graz.
She gave it to me I got it from her ist sowohl Buch als auch Choreografie, aufgeführt für jeweils fünf Zuschauer*innen. Clara Amaral führt ihr Publikum mit ihrer Stimme und einer komplexen Komposition von Gesten durch die verschiedenen Kapitel des Buches. Die von der Künstlerin selbst entwickelte und geschriebene Publikation konzentriert sich auf die matrilineare Weitergabe von Lese- und Schreibkenntnissen—von der Mutter an die Tochter, von Generation zu Generation. Die Erzählung, die sich entfaltet, zeichnet Amarals Familiengeschichte nach und offenbart einen historischen Übergang vom Analphabetismus hin zur Fähigkeit zu lesen und zu schreiben. Indem sie diesen Wandel auf poetische Weise darstellt, gibt Amaral einen Einblick in die Machtverhältnisse, die durch das Vorhandensein oder Fehlen der Fähigkeit zu lesen und zu schreiben entstehen, und wie dies bei der Bildung von Identität, sei sie persönlich oder kollektiv, eine Rolle spielt. Durch die performative Lesung wird das Buch als Skript, Performance und Archiv neu artikuliert.
Sprache: Englisch
Dauer: 60 Minuten
Kosten: 5 Euro (kostenlos für Mitglieder)
Aufgrund der stark begrenzten Platzzahl bitten wir Sie um Vorreservierung unter office@grazerkunstverein.org
Clara Amaral (geb. 1984, Portugal; lebt in Amsterdam) ist eine Künstlerin, die mit Text und Performance arbeitet. Ihre interdisziplinäre künstlerische Praxis hinterfragt, was es bedeutet, Leserin und Schriftstellerin zu sein, und zielt darauf ab, bestehende Formen des Lesens, Schreibens und Veröffentlichens zu erweitern. Im Mittelpunkt ihrer Praxis steht die Untersuchung von Publikationsmodalitäten und des performativen Aspekts von Schrift und Sprache durch einen intersektionalen feministischen Ansatz. Ihre Arbeiten wurden in den Niederlanden, Portugal, Belgien, Spanien, Schweden und der Schweiz gezeigt. Amaral ist die Initiatorin der Online-Publikationsplattform misted.cc.
Autorin, Choreografin und Performerin Clara Amaral; Grafik Ronja Andersen und Karoline Swiezynski;Textredaktion Isabelle Sully; Konzeptualisierung und Herstellung der Objekte Olga Micińska im Dialog mit Clara Amaral, Herausgeber Kunstverein Publishing
She gave it to me I got it from her wurde unterstützt von Mondriaan Fonds, Amsterdam; Veem House for Performance, Amsterdam; Mitglieder des Kunstvereins, Amsterdam; Alkantara, Lissabon; Teatro do Bairro Alto, Lissabon
Die Präsentation von She gave it to me I got it from her im Grazer Kunstverein wird ermöglicht durch die Unterstützung des Mondriaan Fonds, Amsterdam.
